Época azul de Pablo Picasso

Época
bohemia

1889. Pablo Picasso conoció a Carlos
Casagemas en la taberna Els Quatre Gats de
Barcelona. Los dos tenían dieciocho años, aspiraban
a ser pintores y se hicieron muy amigos. Compartieron estudio y
las consabidas visitas a los burdeles de la ciudad. De esa
época son la acuarela Casagemas y Picasso persiguiendo
a dos muchachas, Cuadro y  Retrato de
Casagemas.

Muchachas perseguidas

Caricatura de Casagemas

Retrato de Casagemas

Retrato de Germaine

Por Casagemas y Picasso

1900. Los dos amigos viajaron a París para
visitar una Exposición, donde Picasso exponía su
pintura Últimos momentos. Se instalaron en un
estudio donde pocos días después se les unió
Manuel Pallares, compañero de estudios de Picasso. Los
tres pintores se hicieron amigos de tres modelos francesas que
posaban habitualmente para los expatriados españoles:
Laure Gargallo, conocida como Germaine, su hermana
Antoinette Fornerod y una amiga de ambas, Louise Lenoir,
llamada por sus amigos Odette. Se acoplaron Casagemas con
Germaine, Pallares con Antoinette y Picasso con Odette. Odette no
hablaba español, ni Picasso francés.

De esa época es el famoso lienzo El
Moulin de la Galette, una obra de estilo modernista que
refleja a la perfección el decadente ambiente nocturno de
Montmartre. Se afirma que Odette, Germaine o Antoinette son las
tres figuras femeninas que se sientan a la mesa en primer
término.

Las tres modelos se instalaron en el estudio con los
pintores. Casagemas se enamoró perdidamente de Germaine y
le pidió matrimonio, pero ella ya había estado
casada. Casagemas no era un buen partido: bebía como un
cosaco, estaba enganchado a la morfina, tenía un serio
problema de impotencia y para colmo de males, físicamente
no era atractivo. Además Germaine mostraba
predilección por Picasso.

La negativa de Germaine dejó a Casagemas
devastado. En navidad, Picasso lo llevó con él a
Barcelona y luego a Málaga, con la esperanza de que las
salerosas andaluzas le hicieran olvidar a Germaine. El plan no
funcionó. Casagemas escribía a Germaine a diario, y
fastidiaba sin parar. Picasso pidió dinero a su tío
compró un pasaje y lo embarcó a Barcelona, de donde
continuó viaje a París.

Como Germaine le repetía siempre que no
quería saber nada de él, Casagemas invitó a
sus amigos a una cena de despedida en el Hippodrome Café.
Estando allí reunidos, se puso de pie como para dar un
discurso, sacó una pistola del bolsillo, apuntó a
Germaine y disparó, pero no acertó. Sin embargo
como Germaine se tiró al suelo aterrorizada, Casagemas
creyó haberla matado, se pegó un tiro en la sien
derecha y falleció. Picasso estaba en Madrid y no
asistió ni al entierro en Montmartre, ni al funeral que se
celebró en Barcelona.

Época azul
(1901-1904)

Carlos Casagemas, fue ese "mejor amigo" de
Picasso cuya trágica muerte supuso el inicio del depresivo
periodo azul del artista. El mismo Picasso lo admitió
años después: "fue pensar en la
muerte de Casagemas lo que me hizo empezar a pintar en azul". La
tristeza por la muerte de su amigo, pero sobre todo un
sentimiento de cierta culpabilidad, le originaron esta etapa
depresiva de su vida. Se conoce como época o
período azul de Picasso y transcurre
entre 1901 y 1904.

El nombre proviene del color azul que predomina en estas
pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su
amigo Carlos Casagemas, que dejó a Picasso lleno de
dolor, tristeza y cierta culpabilidad.

Picasso manifestó la soledad de los personajes
aislándolos en un entorno impreciso, con un uso casi
exclusivo del azul y el alargamiento de las figuras, al
estilo de El Greco.

Es una serie de obras en las que predomina: el color
azul, un dibujo preciso de figuras humanas distorsionadas y
alargadas y unos temas llenos de melancolía, dolor,
pobreza y soledad.

Al iniciar el período azul
abordó temas relacionados con seres marginales,
bebedores compulsivos, mendigos, artistas de circo,
vagabundos, prostitutas.

Durante esta época azul, Picasso dijo, que no es
suficiente conocer las obras de un artista, que también
hay que conocer cuándo las hizo, por qué,
cómo y en qué circunstancias…

Las circunstancias de la época azul comenzaron
con el suicidio de Carlos Casagemas, uno de los amigos más
queridos de Picasso.

1901. Al poco tiempo Picasso regresó a
París. Terminó su relación con Odette
y se involucró con Germaine. A finales de
año terminó también su relación con
Germaine e inició su famoso periodo azul. Intentó,
sin mucho éxito, triunfar en la pintura. Pobre,
extranjero, solo, rememorando al amigo muerto, se sumió en
la tristeza, comenzó a ver el lado duro de la vida, la
miseria, la soledad, la desesperación, y fueron
ésos los sentimientos que reflejó en sus
cuadros.

A raíz del suicidio de su amigo Casagemas,
Picasso empezó a plasmar en sus pinturas el universo
triste de los marginados por la sociedad, con tonos azules.
Personajes habituales en calles y tabernas de las grandes
ciudades, como mendigos, ciegos, y mujeres solitarias sumidas en
la miseria. En esta época Picasso pintó obras
celebres y enigmáticas, que se caracterizan por una
opresiva atmosfera de desesperanza, y los omnipresentes tonos
azules que confieren a sus cuadros un carácter irreal,
más allá del tiempo y el espacio.

Es muy difícil descifrar el significado de las
pinturas azules y Picasso siempre evitó dar explicaciones
al respecto, Cuando expuso por primera vez los trabajos de esta
época, los críticos elogiaron el expresivo
simbolismo de los cuadros, pero censuraron su profunda
tristeza.

Entre las obras más representativas de esta
época se encuentran "El gran autorretrato azul", "La
vida", "Las dos hermanas", Pobres a orillas del
mar, El viejo guitarrista ciego, El
asceta y La Celestina.

Su amigo Jaime Sabartés decía que el Arte
es hijo de la Tristeza y del Dolor. La soledad de los
niños, la miseria de pobres, mendigos y ciegos
están descritos ampliamente en los cuadros de ese momento.
 

Fue un trabajador infatigable. Regresó a
Barcelona tras viajar a Málaga. En Barcelona,
presentó la Mujer en azul en la
Exposición General de Bellas Artes.

Regresó a París y se instaló en el que
fuera estudio de Casagemas. Empezó a pintar escenas
de la vida nocturna parisiense. Sin dinero ni trabajo, el joven
artista, que contaba por entonces unos dieciocho años,
pintaba uno o dos cuadros por noche, y los vendía por
ciento cincuenta francos.

Expuso por primera vez en París.

Volvió a Barcelona, introdujo en su obra los temas
de El Arlequín y La maternidad y
Pintó la mayoría de las obras de su "época
azul".

Durante el otoño pintó Los dos
saltimbanquis, Arlequín y su compañera,
 Arlequín apoyado y La muerte de
Casagemas. En invierno pintó otra serie de retratos en
azul: el Retrato de Jaime Sabartés,
el Retrato de Mateo Fernández de Soto y el
Autorretrato azul.

1902. Empezó a trabajar en el estudio
de Ángel Fernández de Soto, con quien
visitó los burdeles de Barcelona, como lo muestra en una
serie de dibujos eróticos entre los que se encuentra un
Autorretrato con desnudo, un dibujo a tinta y
acuarela de Ángel Fernández de Soto con una
mujer, La macarra y un Retrato de
Germaine, que Acquavella Galleries adquirió por
18,6 millones de dólares en 2006.

Viajó a París y participó en una
exposición colectiva en la galería de Berthe Weill
en París.

1903. Volvió a Barcelona. Comenzó el
cuadro La vida. Llegó a la conclusión de que
sólo estableciéndose permanentemente en
París, su reputación superaría las fronteras
de España. Se trasladó a esta ciudad y
finalizó La Celestina y comenzó un
nuevo Retrato de Jaime Sabartés. 

1904. Regresó a París e
instaló un estudio en un vetusto edificio de Montmartre al
que llamaron "Bateau-Lavoir" por su semejanza con las barcas que
usaban como lavaderos en el Sena. En este estudio estuvo desde
mayo de 1904 hasta septiembre de 1909, y en 1911 y
1912.

Frecuentó el cabaret Le Lapin Agile de Montmartre
y el Circo Medrano, donde encontró distracción y
temas para sus obras.

Ayudado por Ricard Canals hizo su segundo
grabado, La comida frugal, que hoy se considera una
obra maestra.

Conoció a Madeleine, una modelo importante
en su transición a la "época rosa" y
estableció con ella una relación amorosa que
duró intermitentemente hasta 1912.

Descripción de
algunas pinturas

La muerte de Casagemas

El entierro de
Casagemas

Autorretrato

Retrato de Germaine

La muerte de Casagemas. 1901, museo de
París

Este cuadro triste, desolador y trágico, que
denota un profundo pesar, fue realizado por
Picasso con motivo de la muerte en plena juventud de su gran
amigo, colega y compañero Carlos
Casagemas.

Resultado de tal estado de ánimo fueron
varios dibujos y cuadros, uno de ellos  es el presente,
  terriblemente descriptivo y luctuoso a pesar de la
calculada iluminación artificial. Con toques de amarillo,
rojo, azul  y verde simula la luz de velas y
lámparas.

Casagemas yace en su ataúd, con la
marca del disparo en la sien derecha, iluminado por una enorme
llama en la que algunos han querido ver una representación
de los genitales femeninos. Tanto en el colorido como en las
pinceladas, Picasso imita a Van Gogh, y lo hace a
propósito. Es un homenaje póstumo a dos pintores
que, deprimidos, se quitaron la vida de un disparo. El
entierro de Casagemas o Evocación. 1901, Centre
Pompidou, París.

Picasso, motivado y sensibilizado por la muerte de su
amigo pintó un cuadro alegórico que muestra su paso
al período azul. Es una obra un tanto irreverente
titulada Evocación. La división del espacio
del cuadro en dos
partes, tierra y cielo, cuerpo y espíritu,
recuerda la del Entierro del Conde de Orgaz, de El
Greco. 

Al igual que el Greco, dividió el lienzo en dos
mitades: el entierro abajo y el mundo celestial arriba. En la
parte inferior, nueve plañideras rodean el cuerpo sin vida
de Casagemas en un cementerio. En la mitad superior, Casagemas
asciende triunfal al cielo montado en un caballo blanco, con
Germaine colgada literalmente del cuello. Pero el cielo de
Picasso no es un cielo místico como el del Greco, lleno de
santos aburridos. El cielo de Picasso es algo más
divertido y natural, como atestiguan las tres prostitutas de la
izquierda, las dos mujeres desnudas de la derecha y la madre con
dos niños del centro.

Autorretrato, 1901 museo Picasso parís

La melancolía de la época azul de Picasso,
se plasmó en el "Gran Autorretrato azul", que
representa al joven de 20 años pálido y demacrado
durante el invierno de 1901, y constituye el inicio de una fase
de orientación artística y personal

Picasso llegó a Paris sin haber cumplido
todavía los 20 años. Sus comienzos en la Meca del
Arte del momento no fueron sencillos. Sólo y sin demasiado
dinero, el joven genio vagabundeaba por la capital francesa
inmerso en el ambiente bohemio de la noche parisina, entre
pobres, prostitutas y alcohólicos.

Picasso comenzó a representar el mundo en el que
se veía inmerso con un peculiar estilo de fantasmales
figuras alargadas y pálidas, situadas en un
melancólico universo de tonos azules. Fue Es el comienzo
de lo que vendría a llamarse el "Periodo Azul" del
artista.

Este autorretrato de ese mismo año no fue el
primero que Picasso realizó de sí mismo, pero
sí es una de las primeras obras del Periodo Azul. La obra
fue pintada poco después del suicidio de su amigo
Casagemas, cuando aún Picasso era un desconocido
abriéndose paso en el inmenso Paris. La calma y serenidad
que transfiere la figura del retratado, la austeridad de la obra,
junto a su aspecto descuidado y su mostacho de joven bohemio, nos
transfiere la imagen de un artista valiente y decidido, dispuesto
a encontrar su propio camino pese a todas las dificultades que la
vida pueda poner en él.

Retrato de Germaine, 1901 colección
particular

Durante una estancia en Barcelona en 1902, pintó
de memoria un extraño retrato de Germaine, que en esa
época ya estaba emparejada con el pintor catalán
Ramón Pichot. El elemento que más destaca es el
rojo intenso de la boca entreabierta de Germaine, a quien viste
con la indumentaria que solían llevar las prostitutas de
la prisión de Saint-Lazare. Picasso realizó algunos
retratos femeninos de las reclusas de la prisión parisina
de Saint-Lazare, mayoritariamente prostitutas que sufrían
enfermedades venéreas.

Escenas
melancólicas

La vida

Radiografía de La
vida

Boceto a lápiz
de Últimos momentos

La planchadora

La vida. Barcelona, 1903, Cleveland Museum of
Fine Art

Es uno de los mayores y más complejos cuadros que
pintó en su época azul, considerado el trabajo
más importante de estos años. Ofrece un simbolismo
inusualmente oscuro y sujeto a múltiples interpretaciones
académicas, sobre las cuales el artista nunca se
pronunció. La figura masculina, que empezó siendo
un autorretrato, acabó siendo la de su amigo Carlos
Casagemas. Resume la mayor parte de los temas y la
atmósfera de la época azul:
el pesimismo nihilista desarrollado en su época
de formación en Barcelona, recrudecido bajo las
dificultades materiales que sufre en la época. 
Vuelve a tener como protagonista a Casagemas. Es un cuadro
difícil de descifrar. La pareja de la izquierda son
Germaine y Casagemas, ella desnuda y él con un taparrabos
en alusión a su impotencia o para presentarle como
mártir. En los cuadros del fondo, aparecen figuras
femeninas desamparadas, en posturas similares a la que adopta
Germaine. A la derecha, volvemos a encontrarnos con el tema de la
maternidad.

Radiografía de La vida

Radiográficamente se ha establecido que el cuadro
de La vida fue pintado sobre el
cuadro Últimos momentos, que había
presentado en la Exposición Universal cuando viajó
a París por primera vez con Casagemas, y que representaba
a un moribundo en su lecho de muerte. Además el que estaba
con Germaine no era Casagemas, sino Picasso. Por algún
extraño motivo, en el último minuto decidió
cambiar su rostro por el de su amigo. De esta forma tan
magistral, el alma de los dos amigos, abrazados a la amante que
compartieron, quedó unida para siempre en una maravillosa
alegoría, que permitió a Picasso por fin dormir
tranquilo.

Últimos momentos (18991-1900), Museo
Picasso, Barcelona.

Boceto a lápiz, del cual la mesilla de noche con
el cajón abierto se ve muy bien en la
radiografía.

La planchadora 1901, Metropolitan Museum, Nueva
York

Es probable que Germaine posase como modelo para el
cuadro La planchadora, que Picasso dedicó en
la esquina superior derecha a su amigo Jaume
Sabartès. 

Retratos
masculinos

Retratos
Femeninos

La bebedora de absenta, 1901, Museo del
Ermitage ( San Petesburgo), óleo sobre lienzo 71×54
cm.

La emotividad conmovedora de esta pintura se debe a que
todo parece estar constituido por bloques, tanto la figura
de la mujer como la botella y la copa, por las formas
dibujadas másque por los colores, aplicados como si
fueran capas . Las alargadas manos parecidas a garras, que
enlazan el anguloso rostro y la redondez del busto, se
acentúan con el entrelazamiento de las formas , que
denotan ensimismamiento y abandono. 

Marginados

El viejo guitarrista pobre y ciego. 1903,
Instituto del arte de Chicago. 

El cuadro es de óleo y tiene colores oscuros que
dan un sentido misterioso.  En el cuadro, hay un hombre
ciego y pobre en la calle tocando una guitarra
acústica.  El hombre viejo y frágil tiene
solamente una prenda rasgada y sucia.  La guitarra es
café, a diferencia de los colores azules y oscuros del
hombre y de la calle.

El hombre viejo, frágil y ciego parece estar
inmerso en las tristes melodías con que llena su entorno
en la calle.  La pintura inicialmente hace sentir
tristeza y luego sorpresa por la expresión del rostro del
guitarrista al oír la melodía que
interpreta.

Las dos hermanas. 1902  Museo Estatal del
Ermitage.

Se trata de dos mujeres, una de ellas con un bebé
en brazos al que solo le podemos ver la mano y parte de la
cabeza. Las dos hermanas muestran abatimiento y
desesperación, pero intentan darse consuelo la una a la
otra. El paisaje: dos figuras femeninas cubiertas con una
túnica y un pañuelo en la cabeza, para protegerse
del frio, pero con pies descalzos en una fría noche en lo
que parece ser un patio de paredes desnudas. Gracias a esta
descripción gráfica, podemos afirmar que son dos
reclusas de la prisión femenina de St. Lazare
(París), a la que Picasso tuvo acceso en 1901 y donde
quedó impresionado por tal desconsuelo.

Infantiles

Niño con paloma, 1901 colección
particular.

El "Niño con Paloma", una de las
pinturas más famosas del pintor español,
Pablo Picasso, que pertenecía a una colección
británica, ha sido vendido a la familia real de Qatar por
la suma de $76 millones de dólares. Muestra a un infante
sujetando un pichón con ternura.

Personajes
circenses

Arlequín pensativo, 1902,
Metropolitan Museum, Nueva York

Esta pintura está realizada en óleo sobre
lienzo. Existe un predominio de los tonos azulados,
grisáceos y negros en los ropajes del personaje y en el
fondo. Utiliza tonos anaranjados, rojizos y verdes para las
flores de la parte superior, rojizos para los labios y las manos,
tonos blancos para algunos detalles del ropaje, para la mesa y el
rostro del personaje.

El codo apoyado en la mesa y el rostro del
arlequín en actitud de reflexión.

Fuentes

http://wikipedia.org.com

MEGA RICOS

http://harteconhache.blogspot.com/

Autor:

Rafael Bolívar Grimaldos