El Pop Art y el Estilo Internacional (página 2)

Estilo Internacional

Se conoce como Estilo Internacional a la
corriente arquitectónica, enclavada dentro de la arquitectura
moderna, que velaba por una forma de proyectación
universalizante y desprovista de rasgos regionales.
Comenzó a tomar forma en Europa en la
década de 1920 a 1930, en el período de
entreguerras. Esta corriente es fuente del posterior Movimiento
Moderno.

El Estilo Internacional se caracterizó, en lo
formal, por su énfasis en la ortogonalidad (ángulo
recto), el empleo de
superficies lisas, pulidas, desprovistas de toda
aplicación ornamental, y el efecto visual de ligereza que
permitía la construcción en voladizo, para entonces
novedosa.

El Estilo Internacional fue el resultado de la evolución de la
industrialización, la mecánica, la ingeniería y la ciencia de los
materiales. El empleo de las nuevas técnicas y
materiales,
como el hormigón armado, permitían también
la amplitud espacial que caracterizó a los interiores de
los edificios de este movimiento.

La industrialización acelerada de las sociedades
europeas y norteamericanas comenzó a crear la necesidad de
nuevos tipos de edificaciones con usos hasta entonces
desconocidos; entre ellos, el edificio de oficinas, el bloque de
departamentos, las nuevas fábricas, preparadas para
albergar novedosas maquinarias y gran cantidad de
obreros.

La invención del hormigón armado y el
mejoramiento de las aleaciones de
acero, como parte
del estudio evolutivo de la ciencia de
los materiales, sumado al desarrollo de
la ingeniería y la mecánica, como vimos, todo eso
conllevaría nuevas posibilidades estructurales que
harían realidad edificios más altos, más
resistentes, más espaciosos y más
funcionales.

La corriente, cuyos notables exponentes son Van der
Rohe, Gropius y Le Corbusier, viene a romper con el eclecticismo
no funcional que caracterizó al siglo XIX; pues se
fusionaban distintos estilos, pero sin considerar la
relación armónica necesaria entre forma y utilidad.

POP ART: Autores

Robert Rauschenberg (1925 –
actual)

A finales de la de la década de 1950, Robert
Rauschenberg protagonizó junto a Jasper Johns la
recuperación del espíritu dadá en Estados
Unidos.
Es considerado como el padre del Pop Art, influenciado por el
dadaísmo.

En los ´50 utiliza la técnica del
frottage, un trabajo que
tuvo fuerte influencia en el Pop Art de la década
siguiente. Experimentó además son la serigrafía, primero en blanco y negro y,
luego en color. Hacia la
mitad de esa década, comenzó a producir sus
combine paintings, una mezcla de pintura,
assemblages y collages donde incluye objetos reales
como fotografías, y objetos encontrados (agujas oxidadas,
trozos de periódicos, etc.), generalmente desechos de la
sociedad de
consumo. A
través de su pintura, hace una representación de la
vida cotidiana de su tiempo.

Aunque Rauschenberg mantuvo siempre algo del expresionismo
abstracto, a la vez se rebelaba contra él. Por otra parte,
su encuentro con Marcel Duchamp fue decisivo para la
recuperación de los métodos
dadaístas y la incorporación del collage en
su obra.

Rauschenberg no da al espectador ninguna referencia a la
hora de interpretar un cuadro. La mirada no está guiada
mediante ningún tipo de composición determinada,
sino que se va a abriendo camino por la superficie del cuadro en
busca de un punto para orientarse.

Jasper Johns (1930 – actual)

Pintor, escultor y artista gráfico estadounidense
que ha integrado a su expresión pictórica una serie
de elementos del Arte Pop, se lo
considera, junto a Rauschenberg, uno de los mayores exponentes
del neodadaísmo, corriente que surge en estos años
en el ámbito de la vanguardia
neoyorquina.

Comienza su actividad artística en los
años 50, alejado del expresionismo abstracto que en ese
momento estaba en auge. Utiliza en sus obras objetos cotidianos
tales como banderas, números, mapas, letras o
reglas y compases, no tanto como representaciones, sino para
crear la idea de pintura como objeto en sí mismo, por
medio de gruesas superficies pictóricas y grandes riquezas
cromáticas. En sus cuadros de banderas escarba en la
identidad de
las cosas en sí. Esta idea de "arte-objeto" se
convirtió en una poderosa influencia en la escultura y la
pintura posteriores, especialmente en el Pop Art.

En los años 70 abandona esta práctica
volviendo a una búsqueda puramente pictórica. A
principios de
1987 volvió a abrir una nueva senda al exponer en la
ciudad de Nueva York un ciclo de cuatro obras tituladas Las
Estaciones. Se considera que estas pinturas han sido muy
significativas para la historia del
arte estadounidense.

ESTILO INTERNACIONAL

Ludwig Mies Van Der Rohe (1886 –
1969)

Arquitecto
y diseñador, trabajó en el despacho de Peter
Behrens, bajo cuya influencia Mies desarrolló un estilo
arquitectónico basado en técnicas estructurales
avanzadas y en el clasicismo prusiano. Ha sido uno de los
maestros más importantes de la arquitectura moderna y el
máximo exponente del siglo XX en la construcción de
acero y vidrio.

Luego de la Primera Guerra
Mundial, realiza un proyecto de
viviendas con diseños de Le Corbusier y Gropius. De esta
manera, intenta resolver la cruda crisis de
posguerra, ante una Europa devastada, a través de un
plan
arquitectónico integral de recuperación. Siempre
mediante el método de
"estilo internacional" inaugurado por el mismo Van der Rohe. El
estilo internacional es racionalista, pues adopta una modalidad
expeditiva y funcional a las necesidades imperantes.

En 1929 Mies recibe el encargo de proyectar el
Pabellón nacional de Alemania para
la Exposición Internacional de Barcelona, el
cual consistía básicamente en un salón
protocolar y para el que hizo un diseño
que lo convertiría no sólo en la atracción
del evento, sino en una de las obras de arquitectura más
innovadoras que se han hecho por la extrema simpleza de sus
elementos y composición espacial.

Fue director de la famosa Escuela de Arte y
Diseño de la Bauhaus, uno de los focos principales para la
evolución del movimiento moderno, entre 1930 y 1933, fecha
en que fue clausurada por el partido nazi. En 1937 emigró
a Estados Unidos, ante la catástrofe que anunciaba el
nazismo, donde
ejerció el cargo de director de la Escuela de Arquitectura
del Illinois Institute of Technology, estableciéndose como
arquitecto y diseñador influyente.

A partir de 1945, Mies se inclina hacia el Movimiento
Moderno. En 1958, construyó el edificio Seagram en
Nueva York, que se consideró la máxima
expresión de la arquitectura internacional. Se trata de un
edifico de fachadas acristaladas, de líneas claras y
sobrias, construido según la técnica del "muro
cortina" desarrollada por él mismo, que consiste en un
fachada sin función de
sustentación, la cual recae en pilares situados
detrás de ésta.

Mies recibió numerosos encargos para
diseñar edificios de todo tipo, incluidos algunos
rascacielos que siguen siendo totalmente actuales en su
diseño a pesar de los años transcurridos. A lo
largo de su vida profesional Mies luchó por conseguir una
arquitectura de carácter universal y simple, y que fuese
honesta en el empleo de los materiales y en las estructuras.
Fue así como hizo célebre la frase "less is more"
("menos es más"), la cual se convirtió en el lema
de la arquitectura de vanguardia de la primera mitad del Siglo
XX, y al mismo tiempo en uno de los conceptos más
discutidos en la teoría
Arquitectónica.

También, como diseñador, Ludwig Mies Van
der Rohe creó la muy famosa línea de muebles
"Barcelona", que son, hoy en día, considerados hitos del
diseño. Un ejemplo de ello es la Silla
Barcelona.

En esta etapa, el autor impone un diseño
radicalmente moderno: utiliza líneas rectas y poco color.
Las construcciones, simples y funcionales, se basan en hierro,
cristal, "muro cortina", bronce y ventanas de vidrio. Hacia 1960,
el estilo estricto y reductivo de Van der Rohe se había
convertido en el gusto arquitectónico
predominante.

Conclusiones

Las obras de Johns y Rauschenberg, desde el
neodadaísmo que desemboca en el Pop Art, así como
el trabajo
arquitectónico de Van der Rohe, se circunscriben al
periodo moderno de posguerra. Es un momento histórico de
fractura, pero también de transiciones que determinaron el
rumbo de nuestros días. A mediados del siglo XX, se
agilizó profundamente el proceso de
industrialización de las sociedades occidentales. Este
"progreso" fue escenario propicio para una serie de
prácticas dadas en las grandes ciudades, donde la
relación máquina-hombre rige lo
cotidiano. Es aquí donde el arte juega un rol fundamental
en la producción de sentido que trae aparejado
este proceso.

La vanguardia artística de mediados de los
años cincuenta se inspira en este arte popular de la
sociedad de consumo para crear obras figurativas con una
temática absolutamente directa que las haga accesibles al
público en general. El arte pop es el resultado de un
estilo de
vida, la manifestación plástica de una cultura
(pop) caracterizada por la tecnología, el
capitalismo,
la moda y el
consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser
pensados como productos en
serie.

En este contexto, Johns y Rauschenberg pintaban con
objetividad y precisión, aplicando gruesas capas de
pintura de modo que el propio cuadro se convirtiera en un objeto
en sí mismo y no sólo en la representación
de objetos reconocibles. Instalan así la pregunta sobre la
jerarquía de los materiales: cuáles corresponden al
Arte y cuáles no, y por qué está presente en
los dos casos, planteando uno de los temas cruciales en el arte
de la segunda mitad del siglo.

Por su parte, Van der Rohe explota la realidad Moderna
instaurando un estilo original, con diseños innovadores
(sobre todo de acero y vidrio), que pregona un equilibrio
entre forma y espacio, y le otorga relevancia a la Función
que la obra va a cumplir. Su modelo
universalizante, que se gestara en una Europa fragmentada por la
Guerra, se
expandió rápida y exitosamente hasta otros
países desarrollados como Estados Unidos.

Estos artistas tuvieron gran relevancia en el siglo XX,
cada uno en su campo de acción,
tanto en pintura, arquitectura y diseño. Artistas que
diseñaban ideas, formas de vida y pensamientos,
involucrados en el quehacer de las grandes ciudades
modernas.

Bibliografía

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• Gympel, Jan. Historia de la Arquitectura, de la
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• Kraube, Ana Karola. Historia de la Pintura, del
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Ariel Winiar