Análisis de la creación
artística visual desde la perspectiva psicológica,
en tanto fenómeno de la conducta humana, la
percepción como factor distintivo del ser
humano
El
arte visual es un fenómeno de la conducta humana, y la
percepción es factor distintivo también de la
especie. Damos por sentado que el arte visual es patrimonio de
nuestra especie, y que su percepción lo es también.
Puedo discurrir que la asociación del arte con el humano
como creador y perceptor pueden aplicarse en tanto aun no hemos
percibido a otras especies hacerlo, pero no podemos concluir de
forma categórica, que otras especies no poseen la
capacidad de gestar y de percibir el arte. Por consiguiente, la
percepción artística visual como factor distintivo
del ser humano, es una hipótesis que puede ser objeto de
estudio de otro ensayo. Lo que sí puedo aseverar y
profundizar en este texto, es la premisa del arte como necesidad
psicológica y proceso educativo (Anher, S
2007).Antes de abordar la creación artística desde
la piscología, deseo profundizar sobre las
características de la inteligencia visual. Existe la
tendencia a desvalorizar la información sensorial en
relación a su aporte al conocimiento. La separación
arbitraria entre percepción y razonamiento, es
probablemente la causa principal, que ha permitido esta
teorización. Las artes visuales, han sido consideradas
inferiores ante la música por ejemplo.
En
general, la sensación y la percepción han sido
consideradas en inferioridad dentro del contexto de lo cognitivo.
A pesar de este fenómeno, importantes pensadores de la
antigüedad ya han señalado esta peyorizacion,
así Aristóteles "El alma jamás piensa sin
una imagen". En resumen, la realidad es diferente de lo
percibido, no se puede eliminar la palabra pensar de lo que
ocurre en la percepción. La percepción excluye
imágenes mentales, y sin embargo no dependen de la
conciencia o de la presencia del cerebro. La percepción no
es una abstracción.En la conciencia humana, distinguir un
objeto de sus apariencias constituye una hazaña
cognoscitiva asombrosa. La observación de nuestras propias
sensaciones, representa un esfuerzo de vigilia y de conciencia
ingentes. Además, porque las sensaciones y percepciones se
identifican con representaciones mentales de manera casi
inmediata, contaminando si podemos decirlo, la fluidez y la
claridad de la percepción del objeto exterior. Por esta
razón, las evaluaciones en arte, pueden ser perjudiciales
a la creatividad y requieren mas estudios (McKillop, C 2007).
Desde el punto de vista psicológico, podemos separar lo
percibido, de la sensación elaborada? Queda la eterna
pregunta sin respuesta: ¿Percibimos realmente la realidad?
Por eso, se dice que el rol del artista es ser un buen perceptor
(Braun, c 2006).
Observando fijamente la obra "Vue d'un
corridor" de Samuel Van Hoogstraten (1662) que la he expuesto en
los anexos, podemos percibir la sensación de profundidad
en el corredor, gracias a los planos que el pintor recreo. El
sentido de perspectiva es tan intenso, que como en ciertos filmes
surrealistas, podemos llegar a la impresión de avanzar
sobre las baldosas hasta el final del corredor, evitando la
escoba y el perro que se nos interponen. La percepción de
profundidad, es la riqueza de este cuadro, inventándonos
una realidad artística a nuestra percepción, que a
pesar de todo, no existe físicamente.El arte
pictórico y el dibujo en tanto fenómeno de la
conducta humana, ha sido empleado como sujeto de análisis
social. Es el caso que nos refiere la experiencia de Sharrona
Pearl quien a través del estudio de las representaciones
visuales almacenadas en las impresiones de la Librería del
Congreso, evalúa el estatus de las poblaciones irlandesas
americanas. La representación en caricaturas en los
diferentes revistas le permitieron establecer la fluidez de
clases y el crecimiento del poder político de estas
comunidades y la discriminación a la que estuvieron
confrontadas. Este estudio se baso sobre las impresiones
publicadas desde 1840 hasta 1860 en las ediciones de la Costa
Este de los Estados Unidos. Este estudio ofrece ciertas
respuestas en relación al posicionamiento racial en la
sociedad americana (Pearl, S 2009). Es decir que a partir del
estudio del arte y la expresión grafica, incluso
análisis sociológicos son realizables, demostrando
la enorme riqueza de contenidos y utilidades que el arte
conlleva. De igual forma el impacto del arte sobre la
cohesión cultural de nuevas generaciones en Australia
(Kalina, R 2007). Fenómeno especial es la búsqueda
de posicionarse en los lugares donde los creadores forjaron sus
obras, buscando un nexo de percepción (Lakey, P 2007) o la
construcción del Museo del Hombre en el lugar donde el
pintor Guayasamin pintaba a Quito, una mezcla de memoria y
encuentro.Wolfskill también se refiere a la
percepción racial en base a caricaturas. Se refiere al
esfuerzo de Even, Motley y Hayden por dignificar las
imágenes del afro americano, desmitificando los
estereotipos creados por la cultura dominante (Wolfskill, P
2009). Inclusive en el aspecto género, el arte
pictórico en Israel ha tenido influencia en cuanto a la
utilización de colores u instrumentos concebidos como
típicamente femeninos por los artistas varones (Levine, A
2008).
Local
(Mbanza Ngungu) Nacional (Rep. D Congo) Internacional El arte
local mas difundido es la escultura en madera de estatuas
antropomórficas y mascaras representativas de ancestros.
La pintura es de menor producción, es de tipo naif y
depende de un mercado casi exclusivo extranjero. La pintura tiene
un contenido paisajista y cotidianidad del habitante local y
posee muy poco público.El estudio psicológico del
arte no es un campo con existencia propia en este medio. Kinshasa
es el centro comercial y cultural del país, donde se
asientan las delegaciones diplomáticas y la
cooperación internacional. La promoción y
comercialización del arte local de la escultura y pintura
en acrílico goza de buena aceptación. Diversos
centros culturales, como el CC Belgo Congolés y de los
Estados Unidos facilitan la apertura y difusión del arte
local.Muy pocos centros de estudios desarrollan programas sobre
el estudio del arte. Percibo una tendencia a utilizar el arte
visual en la promoción de la sociedad de consumo. A
través del marketing y la publicidad, el arte
pictórico principalmente, juega un rol utilitarista de
seducción al público sobre las bondades de diversos
productos, esto sobre todo en Europa y América del Norte.
Paradoxalmente sociedades que ingresan al grupo de países
emergentes como los Emiratos Árabes Unidos, Indonesia,
Singapur, Corea del Sur, desarrollan promoción y
conservación de su arte, bajo criterios de identidad. Los
EAU se posicionan como centro de encuentro y promoción
regional.Perspectivas a futuroEl distrito de Salud de Mbanza
Ngungu, con el apoyo del proyecto de desarrollo financiado por la
Banca Mundial, podría apoyar la promoción de
exposiciones de pintura / escultura de artistas locales como
elemento de promoción de la salud psíquica. La
difusión de la escultura en madera tiene espacios en los
museos y galerías de Europa, sobre todo en Bélgica,
antigua colonia, Francia y Holanda. Los centros culturales de los
Estados Unidos, podrían ser también a futuro
espacios de difusión y percepción del arte
congoleño.
El
arte pictórico se desarrolla suprimiendo el objeto y el
espacio, transgrediendo los límites entre las escuelas y
las tendencias, una búsqueda de originalidad exclusiva de
cada autor se ha convertido en el derrotero creativo.
Paradoxalmente la pintura en los países emergentes es
identidad cultural. Además de la utilización del
arte en el marketing. La representación de la
interculturalidad, entre tiempos y lo inter disciplinario en la
pintura, esta también elaborado a través de la
interacción de mitos y simbolismos que pintores como Yang,
lo realizan con las líneas curvas sinuosas (Liu, Y 2009).
Lo inconsciente emerge en el arte de manera preponderante
también, Manesiotis habla de la visibilidad de la
técnica pictórica y luego su olvido para favorecer
la creación desde el más profundo interior, que
generan silencio (Manesiotis, J 2010). Ana De Orbegoso transforma
la propaganda de una época en comunicación visual
contemporánea (Snow, K 2007).
Análisis de la percepción
del color, de la forma, creatividad, capacidades cognitivas
(símbolos e iconos), el arte visual como terapia o
seducción (marketing)
Si
estamos a menudo frente a un acontecimiento o a una cosa, y hemos
aprendido ya a actuar adecuadamente frente a ellos, es probable
que nuestra razón y nuestro sentimiento no les sigan
prestando atención activa. Sin embargo, son los asuntos no
corrientes y elementales los que revelan la naturaleza de la
existencia con poderosa claridad. El análisis de la
percepción del color, de la forma, creatividad, pasa por
este filtro que influye sobre las capacidades cognitivas. El arte
para ser considerado como tal, está obligado a ser
sorpresa, innovación, lo no visto aun. La cotidianidad
puede sorprender a la obra y a su autor, antes de la
consagración y ya sin atención activa del
público, dirigirse fácilmente al olvido. El arte
posee el poder de lo imprevisible (Taleb, N 2008).En este
fenómeno perceptivo, se incluye no solo el objeto con sus
formas, colores y características, sino también la
luz como experiencia reveladora de la vida, como condición
de la mayoría de actividades de la vida, y del arte.
Rudolf Arnheim dedicó algunos análisis a la luz, la
virtud intrínseca de los objetos, la claridad relativa, la
creación del espacio a través de la luz y otros
aspectos relacionados. Este autor analiza lo que personalmente
podría llamar, la influencia del lenguaje moderno en la
percepción del arte y la luz. Para él, el
conocimiento ha hecho que dejáramos de hablar como los
niños, los cronistas antiguos o lo polinesios, ese leguaje
cargado de sensaciones y visiones empíricas. Actualmente,
Arnheim manifiesta que confiamos mas en nuestro conocimiento que
en el sentido de la vista, al punto que para que advirtamos lo
que vemos en realidad nos son necesarios los testimonios que nos
brindan los ingenuos y los artistas.En nuestra claridad relativa,
en realidad psicológicamente no hay modo directo de
distinguir entre el poder de la reflexión y el de la
iluminación. Desde mi comprensión personal,
añadiría que los seres humanos sabemos por
"conocimiento acumulado", porque la ciencia así lo ha
dicho, que los objetos no poseen luz propia, que es la luz la que
permite que existan visualmente y que se manifiesten sus formas,
inclusive que los colores son una invención de nuestro
aparato visual y cerebral. Sin embargo podemos aseverar que una
manzana es roja, una pera verde y el cielo azul. Pero ninguno de
estos elementos posee luz propia. En astronomía se
clasifican los cuerpos celestes (ya aquí hacemos
mención de un color inexistente) entre estrellas y
planetas, con la diferencia que solo las primeras poseen luz.
Podría decir en metáfora, que todas las cosas que
vemos y a las cuales les otorgamos un color y una luz
determinada, son objetos – planeta. Sin embargo el origen
de la luz primordial (el sol) no es identificado ni discernido
como tal. Ya en la cosmogonía religiosa en la
antigüedad, el sol era símbolo de divinidad. Como
percibiendo que era la estrella fuente de luz y por consiguiente
que permitía la majestuosidad de lo observado. Permitiendo
a la vez que los objetos sean vistos, casi creados ese momento en
que son iluminados. Parafraseando a Berkeley, quien
sostenía que los objetos existen, el momento que son
vistos.La creación del espacio a través de la luz,
es otro fenómeno integrante de la percepción de las
artes visuales y del espacio. En un experimento realizado por
Gehrcke y Lau, se miraba un cono de madera blanquecino cuya base
tenía 12 metros. Se colocaba el cono de lado con el
vértice hacia el observador, cuya línea de
visión coincidía con el eje principal del cono.
Cuando el cono se iluminaba de modo parejo desde todas las
direcciones, el observador no veía cono alguno, sino solo
un disco superficial de color blanco. Esta experiencia nos
manifiesta la influencia en la percepción no solo del
color sino de la posición. De la misma manera podemos
abordar la influencia de las formas.El tamaño modifica la
percepción de las formas, cuando observo mi propia miel,
puedo percibir una estructura relativamente regular y
podría decir hasta plana. Ligeros pigmentos o vellos
pueden ser identificados, pero en general, mi piel la percibo
como un tejido plano. Al visualizarla a través de una
lupa, a si sea esta de poca intensidad, esa percepción de
planicie y regularidad cae totalmente en el
vacío.
Un
tejido completamente distinto aparece ante mis ojos, en formas
cuadriculadas y rugosas, son como pedazos de ladrillos que unidos
entre grietas y fisuras componen un tejido irregular, que lo
único que guarda en común con la primera
visión es con un poco de suerte, el color. Mi sorpresa es
aún mayor, cuando recuerdo que la piel no tiene luz y que
lo que estoy observando es el reflejo de la luz solar sobre
ella.La sombra por consiguiente no pertenece al objeto sobre el
cual se encuentra tampoco, al igual que la luz. Casi
podría decir que no existe pintura sin iluminación,
que la luz es el índice de los espacios, a pesar de no
tener conciencia de ella (la luz) como fenómeno visual con
derecho propio. Los artistas sombrean su objeto para representar
el espacio de sus cuerpos, en nuestra percepción en cambio
la sombra existe como fenómeno real.En las obras de
Rembrandt, el hecho de ocultar la fuente de luz, es una manera de
iluminar el objeto pasivo del acontecimiento, el objeto
iluminado, que se convierte en fuente primaria en la pintura.
Casi podría decir que la luz se convierte en
materia.
La
sombra y la oscuridad como contrapunto toman existencia real.
Más allá del arte, aun desde la psicología
humana. La terrorífica presencia de las cosas que
están más allá del alcance de nuestros
sentidos y que sin embargo ejercen su poder sobre nosotros se
representa por medio de la obscuridad.En el arte moderno, se dice
que cuando los objetos están parcialmente escondidos, la
imaginación los completa, pero esto si se tiene la
percepción del todo, de la continuación que lo no
visto podría tener. Pero no es el objeto el que se
esconde, es la luz que no llega a iluminarlo. Nosotros percibimos
a través de nuestro nervio óptico solo el objeto y
su color, sin diferenciaciones. Solo intelectualmente sabemos que
existe la luz y que a través de ella se contornea el
objeto iluminado.En relación al contexto económico,
el marketing influye en la promoción de las artes. En los
museos en los Estados Unidos, aspectos como género, raza,
clase social y relaciones de poder entre los individuos,
instituciones y estructuras sociales son tomadas en cuenta el
momento de organizar los servicios en tanto experiencias de
aprendizaje para el público. En los últimos quince
años, los museos son identificados como negocios,
ejerciendo un rol de turismo cultural para apoyar la
economía local. Lugares de opción libre de
aprendizaje con gran potencial en la economía global de la
educación. (Ebitz, D 2008).
Un
gran número de visitantes llegan a los museos con
expectativas bien establecidas. John Falk ha clasificado estas
expectativas del público en cinco grupos:
facilitación, búsqueda de experiencias nuevas,
apoyo profesional, hobbies y espiritualidad. A través el
prisma de la relación de identidad que los museos evocan,
se puede notar la naturaleza de la experiencia en los museos, su
potencialidad y la manera de mejorarlos. Optimizando al visitante
ocasional para convertirlo en asiduo cliente individual o en
grupos (Falk, J 2008). Como Ebitz y Falk preconizan, los museos
son una fuente potencial de negocios. Por consiguiente, las obras
expuestas deben garantizar un valor tal que justifique la
inversión del visitante. Si bien considero que el
marketing es importante en cuanto a mejorar la calidad de los
servicios y productos, en cambio margina la oportunidad de
promocionar obras nuevas, convirtiendo la observación del
arte en un rasgo elitista y de simple consumo.Incluiré
también la importancia del arte visual en tanto
metodología de educación técnica y
humanidades (Ruitenberg, C 2008) (Louis, L 2005).
En un
máster de enfermería se evaluó la
experiencia de las capacidades de observación de los
estudiantes en un museo utilizando obras de arte y confrontando
con la enseñanza tradicional. La identificación de
cualidades visuales, reconocimiento de patrones y observaciones
pertinentes fueron parte del proceso. Luego la
organización y análisis de la información
visual permitió establecer conclusiones adecuadas.
Además los participantes demostraron poseer mayor fluidez
en sus diagnósticos diferenciales y ofrecieron más
y mejores alternativas que el grupo de control. El estudio
concluyo que la focalización de obras de arte,
reforzó la capacidad de observación de los
estudiantes (Pellico, L 2009). Otra experiencia educativa del
arte, ha sido el trabajo sobre el discrimen de personas con
deficiencias mentales (Eisenhauer, J 2008). Considero estas
experiencias un testimonio sobre el impacto del arte visual sobre
las capacidades cognitivas, cuando es utilizado como instrumento
pedagógico. La dinámica de la hegemonía
cultural es manifiesta en la pintura y obviamente se manifiesta
en la abstracción y la significación
pictórica (Finch, M 2009).
Lo
cultural es tan determinante que inclusive la sexualidad es aun
tabú en el arte. La gente debería admitir que el
mundo del arte no es considerado suficientemente adecuado para la
estimulación sexual (Essoe J 2006).
–
Concepto de arteEl arte es la búsqueda de la belleza,
su representación, su creación. La belleza o lo
bello, es identificado como la armonía. El equilibrio
entre colores y formas que producen sentimientos en el
espectador. El arte refleja historias verdaderas o imaginarios
que motivan la reflexión en el espectador.El arte o la
representación de lo bello es un concepto, a mi manera de
entender, estrictamente ligado a la creación humana. Sin
embargo lo bello, lo armónico, no es propiedad humana. La
naturaleza es la fuente de inspiración, como en el caso de
la pintura paisajista e inclusive la representación del
cuerpo humano. Pero aun el cuerpo humano no es creación de
sí mismo, pertenece a la naturaleza. Las obras de arte son
un objeto secundario reflejado en la tela, la fuente primaria de
arte está en la naturaleza viva.La fuente primaria es el
espíritu de armonía vivo, dinámico y
cambiante.
El
concepto de arte difícilmente podrá acercarse al
prototipo natural. Mientras la estética natural se
manifiesta de manera espontanea, el estetismo humano busca
intencionalmente crear sentimientos en el observador. El
público de la armonía natural es todo el entorno,
con fines vitales. Mientras que el arte humano es una
búsqueda hacia sí mismo, sin fines objetivos
aparentes, a par de la comodidad en ciertos casos. Ese todo del
artista se resume en "I feel, therefore I think" (McDonald, H
2006).
–
Evolución conceptual y percepción actual del
arteEl interés por el arte, es tan antiguo como el ser
humano. En el siglo I Plinio el viejo ya le dedicó tres
volúmenes de su inmensa obre "La historia natural". En
estos volúmenes el historiador revela la creación
de la época. Pausanias en su descripción de Grecia
en el año siguiente, también demostraría la
riqueza del arte. Es decir hace más de 2000
años.Desde el paleolítico, el ser humano busco
plasmar en pintura las imágenes de su cotidianidad o su
imaginario. La pintura como arte visual es una de las más
antiguas. El arte es una interpretación del mundo, una
visión particular, impregnada por el zeitgeist
(espíritu de la época). De allí la
importancia de realizar una lectura visual completa. Esta lectura
incluye el aspecto emocional, intelectual y
cultural.
Aspectos guía en la
percepción de una obra pictórica: (cuadro 2)a)
Primera mirada (visión global)b) Descripción de la
obra (enumeración de elementos y sujeto)c) Estudio
histórico (cuando fue pintada, por quien, periodo de vida
del artista, periodo artístico, corriente, para quien?)d)
Estudio técnico (dimensiones, soportes, técnica,
instrumentos utilizados)e) Definición de la
composición u organización (elementos,
líneas, miradas, numero de oro)f) Perspectiva (fondo y
contexto, símbolos, personajes, colores, tipos de colores
y significaciones , luz, puntos luminosos, contraste sombra
– luz, puntos oscuros, luz natural)
–
Artes visualesLas artes visuales son consideradas las
percibidas principalmente por el aparato visual. Es decir
pintura, cine, escultura. Debido a consideraciones
metodológicas, el presente ensayo incluye exclusivamente
las artes de la pintura en sus diversas manifestaciones. El cine,
expresión artística visual relativamente reciente
no está incluida. De la misma manera la escultura. La
pintura es una de las expresiones más antiguas, lo que nos
permite seguir su dinámica histórica y su
relación con los periodos de tiempo. Además, hoy
vivimos al era del impacto visual (Collings, M 2007). Actualmente
existen movimientos para crear programas de estudios de PhD en
arte (Grant, D 2008).
–
Tendencias del arte y relación con las teorías
psicológicasA partir del siglo XII las escuelas
artísticas pictóricas se manifiestan con una
identidad propia difundiéndose mas allá de las
fronteras, situación que permite diferenciarlas del arte
geográfica y culturalmente definido como el caso de la
pintura romana o etrusca. He preferido establecer por
consiguiente como punto de partida metodológico, el arte
Gótico que se reconoce sus inicios en el año 1140.
Esto permite también el establecer relaciones con las
teorías psicológicas, filosóficas o
religiosas a partir del siglo XII. Es conveniente acotar que la
pintura en esa época tuvo como fuente de
inspiración única, el aspecto religioso.La
principal misión de este título es servir de
guía y orientación, despertando el interés
por las concepciones artísticas pictóricas y su
relación con la manera de pensar de su época. A
pesar que el arte plástico prescinde de todo alarde
literario y se manifiesta por sí mismo, he incluido
métodos de lectura de las obras para facilitar su
apreciación. Busco exponer la relación indisoluble
del arte con la condición humana que se nos ofrece, se nos
explica a través de nuestros admirables órganos de
percepción y captación, ventanas del
espíritu. Como decía Molins y Pujol en
plástica pura, quien sabe ver, sabe entender (Roos, F. Jr
1966).
De la
misma manera, las escuelas de pintura se han multiplicado durante
los últimos años, hasta el punto que a veces parece
que cada artista tiene la tendencia a formar una escuela por su
cuenta. La individualidad prima y eso dificulta mi trabajo de
relacionabilidad. De allí la pertinencia de la pregunta,
si la crítica e interpretación del arte está
en crisis? (Plagens, P 2007).Tendencias artísticas y
corrientes psicológicas: siglo XII – XXI (cuadro
3)
Tendencias Época Corrientes
Psicológicas Contemporáneo 2da mitad del siglo
XX-XXI John B. Watson, Burrhus Skinner. Conductismo. Erich Fromm.
Psicoanálisis social y humanista(*). Jean Piaget, Noam
Chomsky, Konrad Lorenz, Nikolas Tinbergen.Moderno 1era mitad del
siglo XX Pavlov. CondicionamientoEmil Kraepelin. Enfermedades
mentales. Impresionismo Último tercio del siglo IXX
Sigmund Freud. Psicoanálisis – Ivan Pavlov.
Condicionamiento.Realismo A partir de 1830 – IXX Paul
Broca. Psicofisiologia.Simbolismo Últimos decenios del
siglo IXX Gustav T. Fechner, Wilhelm Wundt. Psicología
experimentalRomanticismo Fines XVIII
– 1850
Neoclasicismo 2da mitad XVIII – inicios IXX Barroco Finales
siglo XVI-XVII Thomas Hobbes et John Locke. Empirismo.René
Descartes. Cuerpo maquina, alma pensamiento. Ciertas ideas
innatas.Renacimiento Siglos XV – XVI Gótico 1140 –
primeros decenios XVI siglo Platón / Aristóteles:
las ideas y los sentimientos son innatos o proceden de la
experiencia?(*)
El
psicoanálisis posee diversas escuelas, entre sus
principales líderes: Alfred Adler, Carl Jung, Jacques
Lacan, Otto Rank, Melanie Klein, Carl Rogers.La relación
entre el pensamiento psicológico y el arte ha sido
analizada de manera muy somera. Probablemente, los paradigmas
imperantes, no han permitido asociarlos. Sin embargo, ya un
artículo publicado recientemente por Arnold Cusmariu,
manifiesta en su paradigma del algoritmo natural, que arte y
ciencia tienen más en común que lo que se pensaba
anteriormente (Cusmariu, A 2009). Inclusive se ha estudiado la
similaridad entre la práctica del y arte y de la
psicoterapia. Ambas demandan asumir el desafío del la
tolerancia y la excitación. El artista en su estudio no
está seguro que lo sobrevendrá en su obra, igual
que el terapista que no conoce con certitud la reacción de
su paciente. Ambos han recibido gran entrenamiento, pero para que
su labor sea efectiva deberán en cierta manera dejar de
lado este entrenamiento al menos conscientemente (Graves, J
2009).El arte ha sido también utilizado como fuente de
inspiración en los estudiantes del Departamento de Home
Economics and Craft Science en la Universidad de Helsinki
(Laamanen, T 2008). Identidad y relación espacial sobre
todo en fotografía (Thoma, A 2006).Desde un punto de vista
filosófico, ha existido una mayor preocupación por
relacionar arte y pensamiento, así, según Boris
Groys, toda cosa que existe es bella, aunque no sea interesante.
El verdadero problema no es decir que es bello, sino de saber
qué es lo que engloba el "todo".
Todo
lo que es perceptible es bello. La clave es hacer la
distinción entre lo que es perceptible o no. Todo lo que
es perceptible es bello. El arte contemporáneo no se
interesa a la belleza sino a lo que puede ser visible. Las
imágenes del 11 de septiembre son bellas. Estamos
habituados a percibir la belleza de las imágenes en la
destrucción gracias a los medios de comunicación.
¿Existe competición entre el arte y los medias?
¿Es por eso que los artistas deben siempre mirar
allí donde los otros no han sabido hacerlo? Las personas
no quieren arte, no sienten esa necesidad. Ellos se imitan a las
imágenes de los medias, los vestidos que portan no
están en armonía con sus siluetas. La idea del arte
contemporáneo es que el ser humano debe apreciarse a
sí mismo. Es justamente porque el arte
contemporáneo trata de democratizar la belleza que no es
aceptado fácilmente. Los artistas buscan hacer visibles
las cosas. Solo que un pequeño grupo decide lo que debe
ser visto (comisarios de exposición, críticos de
arte, directores de museos). Decir que todo es bello es una
manera de democratizar lo bello, en un mundo en el que nada es
realmente democrático e igualitario (Picq, Anne
2009).
En mi
opinión, este concepto deslinda la belleza de la utilidad.
Lo bello puede ser útil o inútil, e incluso
nefasto. Situación con la que puedo estar en acuerdo, sin
embargo, definir al arte contemporáneo como un
democratizador es un craso error. No se requiere crear fealdad
para democratizar la belleza, simplemente mostrarla, hacer la
visible, para eso basta una foto, un filme o una pintura
realista. Debo recordar que la belleza a la que se refiere Groys,
es una belleza casi "natural", espontanea en la catástrofe
y lo inesperado, no conlleva la intensión de crearla, no
es humana enteramente, tal vez por eso todo es bello, porque ese
todo no conlleva la intencionalidad de serlo. El arte
contemporáneo, no se dedica solo a visualizar lo bello,
intenta crearlo, allí su fracaso. El arte es
representativo de la evolución cultural (Hodgson, D 2006).
Si el paradigma evolutivo vertical fuese acertado con la
realidad.
En el
arte de la literatura existe la Teoría de la
Recepción literaria. Los trabajos de Hans Robert Jauss y
Wolfang Iser propusieron el paradigma donde el lector u oyente de
literatura se volvía elemento central para la
teoría literaria y los análisis de los textos. Esta
reorientación tuvo importantes consecuencias espacialmente
para la hermenéutica, la historia social de la literatura
y la sociología de la literatura. El lector como participe
activo del texto literario o más general de la obra de
arte ha tenido gran repercusión en la concepción
semiótica actual. La historia del arte no se puede
analizar por las relaciones entre los hechos a posteriori sino
por sus efectos sobre los lectores en el caso de la literatura.
Este análisis no es basado solo en el individuo, sino en
un sistema de relaciones, identificando las expectativas del
lector como colectivo, estas serán diferentes de acuerdo a
la época a la que pertenece el lector. De esta manera
hablamos de un lector implícito en la obra. He querido
referirme a esta teoría, si bien es aplicada a la
literatura, no es exclusiva. La importancia del lector, o en
nuestro caso del público de la obra pictórica, en
tanto actor perceptivo e interpretativo me parece de suma
importancia. Si consideramos que la obra de arte no existe si no
es leída u observada, la importancia de la
participación del observador. La Teoría de Sistemas
es otra escuela de la apreciación literaria, que habla de
las influencias reciprocas, aplicada a la literatura, ella es un
subsistema dentro del todo.
Lo
importante es la influencia reciproca que el arte tiene en la
vida cotidiana y viceversa. Como este sistema de relaciones
contribuye a la definición de valores éticos,
estéticos y morales. Niklas Luhmann es uno de sus
precursores relevantes. La concepción de la obra abierta
es fundamental. El interés está en su
constitución y por sus múltiples referencias
intertextuales. En el caso de la psicología del arte
visual, la perspectiva será, que emociones y conductas
puede provocar la imagen sobre la tela o el mural a nivel
comunitario?
Conclusiones y
Recomendaciones
Quiero
creer que la obra artística transforma al público.
Tocando sus experiencias internas, permite una
sintonización entre los colores y las formas externas y la
experiencia vivida en el mundo endógeno del espectador.
Dinámica objeto – sujeto entre el cuadro y el
individuo. Entre la obra denominada arte y la comunidad. Creando
relación, mágico nexo entre objeto y sujeto.
Incorporándose a la vida la obra del artista a
través las reacciones que provoca en su
público.
Ese
momento el cuadro cobra existencia, porque genera reacciones en
el observador. Podría imaginarse el autor de las antiguos
pinturas egipcias que 2500 años posteriores tendría
publico quien admiraría sus trazos? La pregunta de
Ralichas tiene pertinencia por consiguiente; qué es una
carrera artística exitosa? (Ralichas, E 2006).Al final del
presente ensayo, queda la apertura del concepto,
¿qué es una obra de arte? ¿Quien la cataloga
como tal? ¿Porqué unas obras sobreviven en el
tiempo y otras ceden al olvido más absoluto?
¿Qué hace la diferencia artística entre "El
verano" de Giuseppe Arcimboldo y el de un bello plato de lentejas
decorado con rodajas de tomate y lechuga? ¿Su temporalidad
acaso?En mi opinión personal la belleza de las obras
pictóricas y otras, obedecen a consensos de
críticos y teóricos de influencia en el
género. Consensos de carácter elitista y
hermético, donde el público prosaico no toma parte.
La pregunta es, ¿cómo comprender el trabajo
artístico y el conocimiento critico? (Amanda, b
2007).
Existen criterios que asumen esta
definición de valor, como la época en la que fue
creada, la importancia que el autor ha ganado desde la fecha,
todos estos factores influyen en el factor precio, que en nuestra
sociedad actual, es sinónimo de valor. No se puede
concebir una obra de arte a precios irrisorios. No sería
tal. No sería compatible con nuestra lógica de la
realidad.La percepción del arte está fuertemente
limitada por el zeitgeist. El espíritu de nuestra
época que vive en la trémula ansiedad del tiempo,
de la velocidad, de la ansiedad por hacer más en menos
tiempo. La consecuencia es que la cantidad y la calidad de tiempo
humano dedicado a apreciar y construir arte es cada vez
más limitada. Vivimos en sociedades a-artísticas,
donde la practicidad y el materialismo económico limitan
la capacidad de observar, y por consiguiente de apreciar el arte.
La psique del apuro y la producción merma la psique del
arte y la contemplación de la belleza. Para precisar la
palabra bello, su opuesto es lo feo. Si lo bello es lo
armónico, lo feo es lo disarmonico. ¿Existe en la
naturaleza disarmonia? Existen errores genéticos y
malformaciones, que limitan la funcionabilidad, pero no son
disarmonicos desde la estética. Concluyo, que la fealdad
es un adjetivo producto del imaginario humano, al asociar la
función (utilidad) con la estética.
Lo
bello y lo feo no existen como categorías en sí
mismo, son expresiones ligadas al uso. Al decir que todo es bello
(armónico) en la naturaleza, eliminamos el opuesto
fealdad. Todo objeto en la naturaleza "es" por consiguiente sin
necesidad de tazarlo en feo o bello. Todo lo existente es arte!El
occidéntalo – centrismo se manifiesta a mi manera de
ver, de forma evidente en la estimación del arte. Una
pintura es un producto cultural que pertenece a una
civilización determinada y es percibida como tal. Esto se
corrobora con la reacción ante la escultura conmemorativa
del 9/11 en el Centro Rockefeller, donde se percibe que el arte
es parte del imaginario colectivo cotidiano (Van Schepen, R
2008). Toda una estructura de poder tiene intima relación
con la promoción de la obra. El arte público es una
expresión de la hegemonía o de los procesos
radicales de resistencia (Clements, P 2008).
El
escenario artístico no deja de recibir la influencia del
ganador total, donde las grandes estrellas del arte, si bien
perduran relativamente poco tiempo en la cúspide, acaparan
casi toda la atención del público, relegando al
artista novel, al anonimato extremo. Existe la sumisión de
los individuos a los medios modernos de difusión de
mensajes y de criterios y aun la multiplicación de
exposiciones no garantiza en el observador un actor con criterio.
En ese contexto, percibo la singularidad extrema de los artistas
contemporáneos, buscando desmarcarse de las tendencias,
pero al mismo tiempo al costo de perder el nexo expresivo de vida
y arte. Inclusive exageraciones como el fin de la pintura, cuando
el arte deja de ser un medio (Halsall, F 2007) se contraponen al
hecho que la pintura existirá mientras el ser humano
exista artísticamente. Solo un ego extremo puede plantear
finitud a lo desconocido.En la psique global contaminada por el
marketing economicista de la diferenciación del producto,
el arte busca también ser la expresión del
individuo puro. Sin escuelas, sin tendencias, sin obediencias. El
trazo pictórico enardecido en el escueto mundo de las
marcas, donde hasta el agua tiene nombre y apellido comercial,
pero en esencia sigue siendo agua. Entonces, el arte como
expresión de un individuo puro asume el riesgo de diluirse
en la fealdad grotesca. Desarmonía encajonada en los
museos, convertidos en centros económicos. Me uno entonces
a esa búsqueda, ese hallar la esencia misma de la pintura,
desentrañar que es; que Malevich, Kandinsky y Mondrian
entablaron. Suprimiendo el objeto y el espacio, dejando la
pintura en la pura percepción, olvidando toda
conexión entre lo pintado y la objetividad, es decir,
hasta producir pintura sin valor representativo. Ir al en
contracorriente de la representación de la
representación (Dagen, P 2008) . Permitiéndose ese
diluirse en la nada del todo, en la contemplación sosegada
y a-fructífera. En el monologo con el ser propio, que es
finalmente el centro neurálgico de toda piscología.
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Autor:
Carlos Efrain Montufar
Salcedo
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