La historia de la pintura (página 2)

La necesidad de expresar una emoción intensa por medio
del arte une a
pintores tan diferentes como el español El
Greco, del siglo XVI, y los expresionistas alemanes del siglo XX.
En el polo opuesto de los intentos de los expresionistas por
revelar la realidad interior, siempre ha habido pintores
empeñados en representar exactamente los aspectos
exteriores. El realismo y el
simbolismo, la contención clásica y la
pasión romántica, se han ido alternando a lo largo
de la historia de la
pintura,
revelando afinidades e influencias significativas.

Yoha:

La pintura por
época

Pintura Prehistórica y Antigua:

Las pinturas más antiguas que se conocen fueron
realizadas en las paredes de las cuevas que servían de
abrigo a la especie humana hace treinta mil años, durante
el periodo paleolítico. Hay muestras del arte
paleolítico en emplazamientos de Europa
occidental, del África
sahariana y del sur, y en Australia. En algunas zonas, como el
litoral mediterráneo, el desarrollo de
la pintura siguió en el periodo neolítico.

Comprende las siguientes características:

• En la pintura realista y naturalista, realista y
  abstracta, usó diferentes técnicas, as¡
  los dedos o técnica digital, la crin del animal o
  técnica de la brocha y también la
  técnica del esfumado, que consistía en soplar
  por una caña o, hueso hueco la pintura.

• La cueva francesa de Pech-Merle (Dordoña) presenta
  pinturas de singular objetividad; en ella el paisaje quiere
  ser ya resaltado, pero la mano es el símbolo que
  predomina en esta cueva, que tiene una antigüedad de
  unos 40 mil años.

• El mamut fue también motivo de inspiración
  del pintor de Pech-Merle; está tratado con rasgos
  poderosos y rápidos.

• También del periodo de Aurignac son las pinturas
  rupestres de la región francesa Cougnac; aquí
  la pintura está basada en el perfil. Los animales
  predilectos son el alce, el ciervo o la cabra y la figura
  humana apenas tiene importancia.

• El magdaleniense es la cumbre de la pintura
  paleolítica y prueba de ello es la cueva de Lascaux
  que algunos historiadores clasifican como perteneciente al
  periodo peri gordiano del paleolítico superior.

• El tema más frecuente en Lascaux es el toro; estas
  cuevas fueron descubiertas en 1940 y los animales son en su
  mayoría de grandes proporciones.

• Otra cueva de gran importancia en el arte magdaleniense
  francés es la de Niaux. En ella predominan los fondos
  blancos y los rasgos negros. Estos colores como el rojo y el
  amarillo, fueron logrados con las mencionadas tierras
  colorantes con polvo de carbón.

* Las pinturas prehistóricas de las cuevas de
Lascaux, Francia, datan
aproximadamente del 13000 A.c. y fueron realizadas con pigmentos
(rojo y ocre) soplados a través de huesos huecos
sobre la roca, o aplicados con juncos o ramas aplastadas
después de mezclarlos con grasa animal.

Pinturas Rupestres:

El término «rupestre» deriva del
latín rupestris, y éste de rupes
(roca), aunque también es sinónimo de primitivo. De
modo que, en un sentido estricto, rupestre haría
referencia a cualquier actividad humana sobre los muros de
cavernas, covachas, abrigos rocosos, etc. Desde este aspecto, es
prácticamente imposible aislar las manifestaciones
pictóricas de otras representaciones del arte
prehistórico grabados sobre piedra por erosión.
Al estar protegidas de la erosión por la naturaleza del
soporte, las pinturas rupestres han resistido el pasar de los
siglos.

Se trata de una de las manifestaciones artísticas
más antiguas de las que se tiene constancia, ya que, al
menos, existen testimonios datados hasta los 40.000 años
de antigüedad, es decir, durante la última
glaciación. Por otra parte, aunque la pintura rupestre es
esencialmente una expresión espiritual primitiva,
ésta se puede ubicar en casi todas las épocas de la
historia del ser humano y en todos los continentes exceptuando la
Antártida. Las más antiguas
manifestaciones y las de mayor relevancia se encuentran en
España
y Francia, se corresponden con el periodo de transición
del Paleolítico al Neolítico. En ciertos casos las
obras rupestres se dan en zonas recónditas de la cueva o
en lugares difícilmente accesibles; hay otros, en cambio, en los
que éstas están a la vista. Cuando la
decoración está apartada de los sitios ocupados por
el asentamiento se plantea que fue un santuario o algo con
significado religioso o fuera de lo cotidiano. En los casos en
los que la pintura aparece en contextos domésticos es
necesario replantear esta idea y considerar la integración del arte, la religión y la vida
cotidiana del ser humano primitivo.

Pintura Egipcia:

La pintura egipcia estuvo durante el Imperio
Nuevo. Sin embargo, dado el carácter religioso de la misma, las
técnicas pictóricas evolucionaron
muy poco de un período al otro. Sus temas eran normalmente
narraciones de la vida cotidiana y batallas, además de
leyendas
religiosas. Las típicas figuras de perfil con los brazos y
el cuerpo de frente de los murales egipcios, son producto de la
utilización de la perspectiva aspectiva. Los egipcios no
representaron las partes del cuerpo humano
según su ubicación real sino teniendo en cuenta la
posición desde la que mejor se observara cada una de las
partes. Esta práctica se mantuvo hasta mediados del
Imperio Nuevo. Del Imperio Antiguo se conservan las famosas
pinturas "Ocas de Meidun" y del Imperio nuevo merecen mencionarse
los murales de la tumba de la reina Nefertari, en el Valle de las
Reinas, en Tebas.

Pintura Minoica:

Los minoicos decoraron con pinturas realistas, de
gran viveza, las paredes de sus palacios en Creta y
también la cerámica. Los colores son
planos y vivos, de gama reducida, conseguidos mediantes pigmentos
minerales. Se
considera que la función de
la pintura minoica sería fundamentalmente religiosa.

En cuanto a la temática destacan las escenas de vida
religiosa o cortesana, así como los paisajes. Las figuras
humanas representan a jóvenes, con hombres
atléticos con la piel rojo
oscuro y mujeres pálidas vistiendo el traje típico
de falda de volantes y corpiño que deja al aire los pechos.
En los paisajes se representan plantas cretenses
o, en ocasiones, egipcias. Los animales son
representados en movimiento,
con el llamado "galope minoico".

Las pinturas más conocidas son el fresco de los
lirios; los portadores de ofrendas
y las decoraciones del Megarón de la Reina o del
salón del Trono de Cnosos.

Pintura Griega:

Con excepción de algunos fragmentos, no hay vestigios
de los murales griegos. Sin embargo, las representaciones
naturalistas de escenas mitológicas en la cerámica
griega pueden arrojar alguna minima idea sobre cómo era
esa pintura de gran formato. En la era helenística, las
escenas y motivos representados en los mosaicos son
también probablemente el eco de pinturas monumentales
realizadas con otras técnicas que no han llegado hasta
nosotros.

Con anterioridad a la formación del arte griego hubo en
territorios de la antigua Grecia un arte
que se ha llamado prehelénico, conservadas tan
sólo en ruinas de edificios de la época y sobre
estuco, representando paisajes, acciones
guerreras y ceremonias cortesanas o religiosas cuyas figuras
aunque imperfectas muestran expresión y vida. Su "fama" se
debe casi por entero a los antiguos historiadores pues no se
conserva de ella ni un solo cuadro ni se conoce obra alguna de
Zeuxis, Parrasio y Apeles, considerados desde la antigüedad
los pintores mas celebres. Las obras pictóricas griegas
que al presente se conocen y conservan consisten
únicamente en decoraciones y de otras elegantes vasijas
salvo algunos mosaicos de pavimento y placas de arcilla pintadas
y sin contar las obras de pintura romana en que intervino mano
griega. Los asuntos representados en las pinturas, a juzgar por
lo que se observa en las mencionadas vasijas, fueron escenas de
la vida humana y tradiciones o leyendas mitológicas y
heroicas.

Esta se divide en tres periodos (después del cretense y
micénico ya nombrados):

• El de formación y arcaico que dura hasta
  el siglo V A. c, el cual se distingue por las
  influencias asirias y egipcias que revela en sus dibujos. La
  pintura de las vasijas de el de formación suele
  ofrecer desde mediados del siglo VIII a. C las
  figuras de color negro sobre fondo amarillo o rojo

• El de elegancia nacional, durante el siglo
  V a. C. y parte del IV a. C. en que se
  emancipó la pintura con Polignoto, seguido de
  Apolodoro, Zeuxis y Parrasio, muy correctos en el dibujo,
  atribuyéndose al primero la invención del
  claroscuro. Las vasijas de este periodo tienen las figuras
  rojas sobre fondo negro.

• El alejandrino o de difusión desde
  mediados del siglo IV a. C. hasta dos siglos
  más tarde en que fue Grecia conquistada por los
  romanos. Las vasijas de este periodo que es la época
  de las grande ánforas decorativas o de lujo
  continúa casi en lo mismo que en el precedente pero
  con menor corrección y con cierto barroquismo en el
  dibujo hasta principios del siglo II a. C. en que
  terminan las figuras pintadas y se usan de relieve con color
  negro o rojo.

De todas las variaciones apuntadas, se guardan elegantes
muestras en los grandes museos de Europa y en ellas puede verse
que la tal pintura no pasa del simple género
decorativo.

Pintura Romana:

Los romanos decoraban sus villas con suelos de
mosaicos y murales representando rituales, mitos,
paisajes, naturalezas muertas, y escenas cotidianas. Los artistas
romanos conseguían crear la ilusión de realidad,
utilizando la técnica conocida como perspectiva
aérea, mediante la que se representan de forma más
borrosa los colores y contornos de los objetos más
distantes para conseguir efectos espaciales. En las excavaciones
realizadas en las ciudades de Pompeya y Herculano, se ha
recuperado una recopilación de pintura romana, tanto civil
como religiosa.

Los orígenes de la pintura romana se confunden con los
de su escultura y de tal modo se hallan en el arte helenista. Los
romanos admiraban la pintura griega tanto como la escultura, y
animaban a los artistas que trabajaban para ellos a hacer copias
de obras griegas especialmente famosas o populares. Las pinturas,
con figuras individuales, grupos o paneles
enteros, se reproducían, se adaptaban, estropeaban o
embellecían según el talento de los artistas y las
exigencias del cliente.

Los procedimientos
usados en esta pintura debieron ser el encausto, el temple y el
fresco. Aunque se sabe que los romanos desarrollaron la pintura
sobre tabla, los restos pictóricos conocidos más
importantes son de tipo mural, protegidos con una capa de cera
que avivaba los colores.

En el Egipto romano
se descubrió una excelente colección de retratos
sobre tabla, realizados para ser colocados sobre las momias.
Entre los más famosos cuadros murales de este arte
greco-romano se encuentran:

• el de las bodas aldobrandinas (Museo
  Vaticano)

• el de Paris juzgando a las tres Diosas

• el de Io libertada por Hermes

• el de Ceres en su trono (de Pompeya, hoy en el
  Museo de Nápoles)

Romanizada la pintura griega, tomó un carácter
propio. Se distingue por la delicadeza, gracia y fantasía
del dibujo, sobre
todo, en vegetales estilizados, por la viveza del colorido por el
realismo y la voluptuosidad en las figuras y por cierto contraste
de colores y luces tal que aproxima el estilo al de la escuela
impresionista moderna. Todo ello, aunque no sale del
género decorativo, refleja el espíritu de una
sociedad
ruidosa, elegante, frívola y grande.

Pintura paleocristiana y bizantina:

Las muestras de pintura paleocristiana datan de los siglos III
y IV y son los frescos de las tumbas, en los que se representan
escenas del Nuevo Testamento, cuya característica son
ciertas estilizaciones y convencionalismos artísticos
procedentes del mundo clásico. Esta pintura no tiene la
calidad
realista de la pintura romana. Los trazos son rápidos, no
muy precisos. Se observa en ella la influencia griega en el trazo
de los pliegues de la ropa y la influencia oriental en el uso
constante del simbolismo, pero lo que importa es la
transmisión de la idea, del mensaje religioso.

Entre las obras más extraordinarias de este periodo
paleocristiano se encuentran los mosaicos, del siglo VI, de las
iglesias de Rávena, Italia,
destacando los de San Vitale en los que están
representados temas tanto espirituales como profanos. Las figuras
estilizadas y alargadas que decoran las paredes de la iglesia,
vistas casi de frente, miran al espectador con los ojos muy
abiertos y parecen flotar.

Esta presentación poco terrenal pasó a ser
característica del arte bizantino
el cual perduró del año 330 al 1453. El estilo
bizantino aparece también en los iconos, pinturas
convencionales sobre tabla, destinadas al culto, que representan
a Jesucristo, la Virgen y los santos.

Pintura prehispánica en América:

Expresan la visión de la creación del universo
según los antiguos mesoamericanos que poblaron esa zona
situada en el norte y el centro de América, entre los
siglos II antes de Cristo y VII después de Cristo La
descripción del viaje que emprende el
alma a
través de lo que en conceptos cristianos se
llamaría cielo e infierno refleja la inquietud respecto a
la trascendencia del ser humano que no se conforma con su
existencia terrenal. Murales del el agua, la
sangre, la
vida, la serenidad, están reflejadas en los frescos
dedicados a Tláloc, deidad de la lluvia, y al
paraíso que ofrece cada vez que se prodiga.

Además de las escenas de la vida y la historia
prehispánicas plasmadas en libros
pintados, sobresalen las pinturas murales de Cacaxtla, en
Tlaxcala, y de Bonampak, en Yucatán (México).
En ellas quedaron plasmadas escenas bélicas y ceremoniales
donde resalta el dramatismo del dolor y el orgullo del triunfo.
El uso de los colores y del detalle, en los innumerables giros y
atributos de las vestimentas de los personajes que lucen
exuberantes peinados, armamentos, joyería, calzados,
máscaras, sientan las bases de un pilar fundamental de la
plástica americana. Es importante destacar el hecho de que
pasarían unos siglos hasta que las culturas de
América tuvieran contacto con las europeas y, por tanto,
se desarrollaron sin ninguna influencia extracontinental.

Pintura Medieval:

A pesar de que pueden rastrearse algunos vagos recuerdos o
elementos de continuidad de la pintura medieval con el arte
clásico grecorromano, lo que predomina es una radical
discontinuidad entre ambos, destacando la
personalidad propia del periodo.

Esta es básicamente una pintura religiosa salvo
excepciones, que se hacen más numerosas al final de la
Edad Media. La
representación de paisaje suele limitarse al fondo de las
composiciones, que en muchas ocasiones se limita a un color plano o se
llena con figuras de forma casi obsesiva que se juntan en el
primer plano, se superponen en horizontal o incluso en vertical,
sin buscar efectos de profundidad. No se utiliza la perspectiva
geométrica hasta los periodos finales; y la perspectiva
aérea está del todo ausente. Suele usarse la
perspectiva jerárquica (representación a un mayor
tamaño de la figura más importante, sin
consideración de su ubicación en el espacio). Es
muy importante la utilización de simbolismos y un complejo
lenguaje
iconológico.

Pintura Gótica:

La pintura en esta época era de temas seglares
realizados en aquel periodo, sobre todo en Italia. En el Palazzo
Pubblico de Siena, Ambrogio Lorenzetti pintó unos frescos,
entre 1338 y 1339, que representan la vida ciudadana y campesina
del siglo XIV, y en la sala del consejo del ayuntamiento, se
conserva un retrato ecuestre, pintado por Simone Martini, en el
que aparece un héroe militar local, con su campamento como
telón de fondo.

La pintura gótica, implica un gran cambio respecto a la
pintura románica, debido a la progresiva reducción
de los muros y su sustitución por vidrieras, lo que supone
la búsqueda de otros soportes, desarrollándose la
pintura sobre la tabla.

Aunque en pintura gótica es más difícil
hablar de características generales, se pueden destacar
las siguientes:

-         Las
técnicas empleadas son variadas según los soportes:
temple y óleo, en pintura sobre tabla,  y el fresco
en las pinturas murales.

-         Importancia
del modelado, desde tonos planos al juego de
contraluces

-         La luz contribuye a
destacar el volumen, pero en
general no es una luz real y puede tener contenido
simbólico

-         El interés
por la perspectiva también evoluciona, aparece la
preocupación por el espacio pictórico a partir del
siglo XIV, con los pintores italianos y el gótico
internacional

-         Las formas
de expresión reflejan un nuevo ideal estético hacia
un naturalismo idealizado individual  y expresivo, al igual
que en la escultura.

-         La
temática religiosa, y en menor escala
también la profana.

La evolución de la pintura gótica se
realiza en cuatro etapas que reflejan la evolución y la
personalidad
de los artistas:

• Estilo franco gótico (mediados del siglo XII hasta
  mediados del siglo XIV)

• Estilo italo-gótico (segunda mitad del siglo XIV)
  destacan: La escuela de Siena y La escuela de Florencia.

• El estilo internacional (finales del siglo XIV y primera
  mitad del siglo XV)

• La escuela de los Primitivos Flamencos (siglo XV y
  principios del siglo XVI)

Estilo Gótico Internacional

La fusión
de las tradiciones artísticas del norte de Europa y de
Italia que tuvieron lugar a principios del
siglo XV, se conoce como estilo gótico internacional.
Entre las muchas características que definen la pintura de
este estilo, se encuentra el detalle realista, que denota una
perspicaz observación de los seres humanos y de la
naturaleza, por parte del pintor.

CECI:

Pintura Renacentista:

El término renacimiento
describe la revolución
cultural de los siglos XV y XVI originada en Italia por el
despertar del interés hacia la cultura
clásica y por una fuerte confianza en el individualismo.
Se seguía rindiendo culto a los logros de la
antigüedad, pero al mismo tiempo se
producía una reactivación intelectual y
cultural.

Las iglesias y edificios seglares de Italia y los museos de
todo el mundo ofrecen una gran recopilación de la pintura
renacentista italiana.

El desarrollo de los principios de la perspectiva lineal,
llevado a cabo por varios arquitectos y escultores a principios
del siglo XV, permitió a los pintores conseguir, por medio
de la representación bidimensional, la ilusión del
espacio tridimensional. Muchos de los artistas se valieron del
empleo
dramático de la perspectiva y del escorzo en su dibujo
para producir la ilusión de la prolongación de un
objeto o figura en el espacio. La exploración de la
anatomía
condujo a un mayor entendimiento de la representación de
la forma humana. También se empezaba a utilizar la pintura
al óleo, desafiando a la antigua supremacía del
temple y del fresco. Los pintores que explotaban el potencial de
la nueva técnica trabajaban superponiendo estratos de
veladuras de óleo transparentes y los lienzos sustituyeron
a las antiguas tablas. Algo más tarde, otros artistas,
destacaron por los tonos cálidos de sus óleos.

Alto Renacimiento:

Los maestros del alto renacimiento fueron Leonardo da
Vinci, Rafael, Miguel Ángel y Tiziano. Da Vinci
Realizaba continuos experimentos con
pigmentos oleosos sobre yeso seco, y a ello se debe el deterioro
de los murales que han llegado hasta nuestros días "como
es el caso de La última cena. Rafael perfeccionó
los anteriores descubrimientos renacentistas en materia de
color y de composición, creando tipos ideales en sus
representaciones de la Virgen y del Niño y en sus estudios
de retratos de sus coetáneos. Un estilo de pintura
colorista alcanzó su clímax en Venecia con las
obras de Tiziano, cuyos retratos denotan un profundo conocimiento
de la naturaleza
humana. Entre sus obras maestras se incluyen también
representaciones de temas cristianos y mitológicos,
así como numerosos desnudos femeninos, famosos en su
género.

Estudio yo esta parte

Pintura Renacentista del Norte de Europa:

La influencia del renacimiento italiano alcanzó el
norte de Europa a principios del siglo XV, pero esta
renovación de la actividad artística y cultural no
se basaba en la antigüa edad clásica, sino que estaba
más bien marcada por un gran interés hacia los
seres humanos y su entorno y a la meticulosa
representación pictórica de los detalles naturales.
Hablando en general, el interés por el arte antiguo y
el
conocimiento de la perspectiva lineal no se desarrollaron en
el norte hasta el siglo XVI e, incluso entonces, no todos los
artistas sacaban provecho de los descubrimientos hechos en
Italia.

Pintura Barroca:

El arte barroco
del siglo XVII se caracteriza por su aspecto dinámico, en
contraste con el estilo clásico, relativamente
estático, del renacimiento. Esta tendencia se distingue
por las líneas compositivas diagonales, que proporcionan
el sentido del movimiento, y por el empleo de un marcado
claroscuro. Con ambas técnicas se consiguió un
estilo dramático, grandioso, apropiado al espíritu
fundamental de la contrarreforma. Muchos pintores de principios
del siglo XVII empezaron también a desviarse de la
artificialidad del manierismo en un intento por volver a un
reflejo más exacto del mundo natural.

El arte barroco se
caracteriza por el gran drama, los colores ricos e intensos, y
fuertes luces y sombras. En oposición al arte
renacentista, el arte barroco pretendía evocar la
emoción y la pasión en lugar de la tranquila
racionalidad que había sido apreciada durante el
Renacimiento.La pintura barroca a menudo dramatiza las
escenas usando los efectos lumínicos del claroscuro.

Pintura Rococó:

El rococó es un estilo más ligero y festivo, muy
adecuado para la decoración de las residencias parisinas.
Eran muy populares las escenas mitológicas y pastorales,
en las que aparecían mujeres en papel de madre y de ama de
casa. Como parangón a la tradición rococó
del continente, se encuentran las obras de tres destacados
artistas ingleses del siglo XVIII. William Hogarth era conocido
por sus cuadros y grabados de tono moralizante, en los que
ironizaban los disturbios sociales de su época. Thomas
Gainsborough y Sir Joshua Reynolds, siguiendo la tradición
establecida por van Dyck, se centraron en retratar a la
aristocracia inglesa. El vigor y la gracia de estos retratos, y
su penetrante interpretación psicológica, los
elevan del simple retrato social a un incomparable registro de las
modas y costumbres de las clases adineradas de la
época.

Pintura Neoclásica:

En la segunda mitad del siglo XVIII la pintura
experimentó una revolución, cuando el neoclasicismo
vino a sustituir al exuberante estilo rococó. Este
resurgimiento clásico en las artes se debió a
diferentes acontecimientos. En primer lugar, a mediados del siglo
XVIII, se iniciaron muchas excavaciones arqueológicas en
Italia y en Grecia y se publicaron libros con dibujos de
antiguas construcciones que los arquitectos ingleses y franceses
copiaron. En segundo lugar, en 1755, el historiador del arte
alemán Johann Joachim Winckelmann publicó su
ensayo
pensamientos sobre la imitación de las obras griegas en la
pintura y la escultura, ensalzando la escultura griega. Fue
Jacques-Louis David el principal defensor del neoclasicismo. El
estaba imbuido de las influencias clásicas recibidas
durante su estancia en Roma, y con
anterioridad, de las obras del clasicista francés del
siglo XVII, Poussin. El sobrio estilo de David armonizaba con los
ideales de la Revolución
Francesa. David no sólo utilizaba la historia antigua
y el mito
clásico como fuentes para
sus temas, sino que basaba la forma de sus figuras en la
escultura antigua. Su gran sucesor fue Jean Auguste Dominique
Ingres, a quien se llegó a identificar con la
tradición académica en Francia por la fría
serenidad de sus líneas y tonos, y por su esmerado
interés por el detalle, como en su sorprendente retrato de
La condesa de Haussonville (1845, colección Frick, Nueva
York). David ejerció su influencia sobre muchos otros
pintores, entre los que se encontraban varias mujeres que
destacaban como seguidoras suyas. La pintura neoclásica
participa del resto de características del Neoclasicismo.
Se trata de volver a los ideales clásicos tras los excesos
del barroco y del rococó.

El problema principal que se planteaba a los pintores
neoclásicos, a diferencia de lo que ocurría con los
arquitectos o escultores de este estilo, era la escasez de las
pinturas clásicas. Se tomaron modelos de la
antigüedad adaptándolos a las necesidades de
renovación política, social,
ética y
cultural de la época. En consonancia con el racionalismo
del momento, el predominio del dibujo es patente, mientras que la
importancia del color queda relegada. A ello también
contribuye la escasez de pintura clásica, por lo que los
pintores han de basarse en la escultura griega y romana. El
resultado es que las obras resultan, además de sobrias,
algo fríos.

Sin duda el máximo auge de la pintura neoclásica
se produce durante la Revolución Francesa y su
máximo exponente será el pintor francés
Jacques-Louis David. Francia se convierte así en el centro
artístico de esta época.

Pintura Romántica:

Sucediendo muy de cerca al neoclasicismo, el movimiento
romántico introdujo el gusto por lo medieval y lo
misterioso, así como el amor por lo
pintoresco y lo sublime de la naturaleza. Se dio rienda suelta a
la imaginación individual y a la expresión de la
emoción y del estado de
ánimo, desbancando al enfoque intelectual razonado de los
neoclasicistas. En general, los pintores románticos
preferían las técnicas coloristas y pictoricistas
al estilo neoclásico, lineal y frío.

En el siglo XIX se producen dos movimientos opuestos en la
pintura:

• Pintura neoclásica: se basa en la razón.

• Pintura romántica: se basa en los sentimientos.

Los primeros años del siglo XIX estuvieron dominados
por el neoclasicismo. El cambio se produjo cuando los filósofos alemanes, empezaron a hablar de
lo subjetivo y del sentimiento.

No hay una filosofía del romanticismo
definida, ni tampoco cronología exacta. Es una
consecuencia de una nueva sensibilidad y una nueva forma de ver
la sociedad donde se aspira a nuevas formas de expresión y
ya se han liberado las estructuras
sociales en la que ese nuevo hombre que
surge se asienta.

Por tanto, el arte romántico surge a consecuencia del
giro y del cambio. Nace como un arte revolucionario, que aspira a
conseguir cambios sociales, culturales, políticos,
etc.

Los pintores del Romanticismo más importantes son
Teodoro Gericault y Delacroix

Realismo:

Hacia mediados del siglo XIX, el pintor francés Gustave
Courbet rechazaba tanto el neoclasicismo como el romanticismo y
proclamaba un movimiento individual llamado realismo. No le
interesaba la pintura histórica, ni los retratos de los
gobernantes, ni los temas exóticos, pues creía que
el artista debía ser realista y pintar los acontecimientos
cotidianos de la gente común. El entorno elegido para
muchos de sus lienzos fue Ornan, su villa natal en el levante
francés; allí retrató a obreros construyendo
una carretera, a ciudadanos asistiendo a un funeral, o a hombres
sentados alrededor de la mesa escuchando música y fumando.
Aunque no existía ningún movimiento
artístico realista formal, la obra de algunos pintores del
siglo XIX presenta tendencias que pudieran ser identificadas como
tales. Honoré Daumier, pintó pequeños
lienzos realistas sobre la vida en las calles de
París.

La pintura realista no introdujo grandes novedades en
técnicas. Se revalorizaron los grandes maestros
naturalistas del Barroco, especialmente los españoles e
italianos. Su mayor innovación fue en los temas: el mundo del
trabajo de los
obreros y campesinos. La aparición de la fotografía
en 1839 influyó poderosamente en el arte, haciendo ver de
otra manera la realidad.

Desarrollo del Impresionismo:

Al volver sus ojos hacia los temas cotidianos, los artistas de
mediados del siglo XIX sentaron un precedente para la siguiente
generación de la vanguardia
francesa. Edouard Manet fue el principal innovador de la
década de 1860 y su estilo fue precursor del
impresionismo. Al igual que Courbet, Manet encontró muchos
de sus temas en la vida que le rodeaba (los parisinos
solazándose en restaurantes, en parques, o paseando en
barco). Estas y otras innovaciones, como su pincelada libre e
imprecisa y sus amplios parches de color superpuestos sin
transición, hacen que se considere a Manet el primer
pintor moderno.

Movimientos Post-Impresionistas

En la década de 1880, y durante un breve periodo,
Pissarro se desvió hacia una nueva técnica, una
ramificación del impresionismo desarrollada por Georges
Seurat y conocida como puntillismo. Seurat y sus seguidores
neoimpresionistas transformaron la pincelada suelta,
típica del impresionismo, en puntitos de pigmento puro,
superponiendo sobre el lienzo zonas diminutas de colores
complementarios. Las obras tempranas de tres importantes artistas
de finales del siglo XIX, Vincent van Gogh, Paul Gauguin y Henri
Toulouse-Lautrec, denotaban la influencia del impresionismo, pero
acabaron por desarrollar estilos postimpresionistas claramente
definidos. Tanto van Gogh como Pissarro hicieron breves
experimentos con la división del color. Sin embargo, en el
estilo desarrollado por van Gogh era típico el empleo del
color puro, aplicado muy denso en pinceladas vacilantes que
dotaban a la obra de intensa expresión emocional. Muchos
de sus lienzos, en especial los de cipreses azotados por el
viento y los de campos de trigo bajo cielos tormentosos, expresan
su propio estado de ánimo, tal como lo reflejan las
fuerzas de la naturaleza. El estilo de van Gogh ejerció
gran influencia sobre los pintores del norte de Europa que, a
principios del siglo XX, desarrollaron el expresionismo.

La obra de su colega Gauguin refleja también
distorsiones de línea y de color pero difiere de la suya
en que es más simbólica que expresionista. Las
zonas de colores mates fuertes forman motivos decorativos, con
los contornos muy marcados. Gauguin fue la figura central de un
nuevo movimiento conocido como sintetismo o simbolismo, activo
durante la década de 1890, cuyos inmediatos seguidores
formaban el grupo de los
Nabis.

Otro camino tomó Toulouse-Lautrec, pintor de personas,
que elegía a sus modelos entre las cantantes y bailarinas
de cabaret y las prostitutas; estas figuras eran la
expresión de la decadencia social del París de los
llamados "Alegres Noventa".

Fauvismo

A principios de siglo, los artistas, tanto franceses como
alemanes, mostraron su interés por el arte de las sociedades
no-occidentales. Después de investigar las llamadas
tradiciones artísticas primitivas en Bretaña,
Gauguin trasladó su búsqueda a los mares del sur.
Su modelo de
color decorativo y sus teorías
influyeron sobre un grupo posterior de pintores, conocidos como
los "fauves" (fieras), a la cabeza de los cuales estaba Henri
Matisse. La utilización subjetiva del color y la
simplificación del dibujo el desinterés por el
acabado y sus colores chillones le trajo el desprecio de la
crítica
cuando expuso sus paisajes, pintados en Colliure, en el
Salón de Otoño de 1906. Allí también
se expuso el Retrato de la Sra. Matisse de Matisse, que
fue interpretado como una caricatura de
la feminidad y como una excentricidad. El repudio de la
crítica convirtió a los fovistas en el grupo
más avanzado de París en ese entonces.

Aunque concebían la actividad artística como un
impulso vital, el punto de partida fue la resolución de
problemas
puramente plásticos,
como el uso del color en una función plástica y
constructiva al mismo tiempo. Para los fauvistas el cuadro
debía ser expresión, no composición y
orden.

ANTO

Expresionismo

La obra de los artistas más preocupados por plasmar
sentimientos y respuestas subjetivos, por medio de la
distorsión de la línea y del color, que por
representar fielmente la realidad externa, se fundió en un
movimiento conocido como expresionismo. Fue un movimiento
cultural surgido en Alemania a
principios del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran
número de campos: artes plásticas, literatura, música,
cine, teatro, danza,
fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el
terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la
aparición del fauvismo francés, hecho que
convirtió a ambos movimientos artísticos en los
primeros exponentes de las llamadas "vanguardias
históricas".

Suele ser entendido como la deformación de la realidad
para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el
ser humano, dando primacía a la expresión de los
sentimientos más que a la descripción objetiva de
la realidad. Con sus colores violentos y su temática de
soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura
que invadió a los círculos artísticos e
intelectuales
de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra
Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras
(1918-1939).

Cubismo

El Cubismo es un
arte mental, se desliga completamente de la interpretación
o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en
sí misma, como medio de expresión de ideas. La
desvinculación con la naturaleza se consigue a
través de la descomposición de la figura en sus
partes mínimas, en planos, que serán estudiados en
sí mismos y no en la visión global de volumen.
Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de
vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la
línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de
luz y sombra y no se utilizarán los colores de la
realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro.
Las formas geométricas invaden las composiciones. Las
formas que se observan en la naturaleza se traducirán al
lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca
cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue
respetada. Los principales temas serán los retratos y las
naturalezas muertas urbanas.

Cubismo AnalíticoCaracterizado por la
descomposición de la forma y de las figuras en
múltiples partes, todas ellas geométricas. El
objetivo es
examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más
puro y el de más difícil comprensión.

Cubismo SintéticoAl Cubismo
Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la
libre reconstitución de la imagen del objeto
disuelto. El objeto ya no es analizado y desmembrado en todas sus
partes, sino que se resume su fisonomía esencial. La
síntesis se realiza resaltando en el lienzo
las partes más significativas de la figura que
serán vistas por todos sus lados.

Algo fundamental en esta etapa es la técnica del
collage, la inserción en el cuadro de elementos de la vida
cotidiana como papeles, telas y objetos diversos. El primero en
practicarlo fue Braque. El collage nos ayuda a recuperar el
referente concreto, a
partir de aquí ya no interesa el análisis minucioso, sino la imagen
global.

Pintura Abstracta:

El arte abstracto, que abarca varios estilos bien definidos,
empezó a desarrollarse en Alemania, Estados Unidos,
Rusia y los
Países Bajos durante la segunda década del siglo
XX. Sus pinturas de cuadrículas, poniendo de relieve la
bidimensionalidad del plano pictórico, y sus
teorías estéticas fueron la base del desarrollo de
la abstracción geométrica en Estados Unidos en la
década de 1930. En esta última tendencia destaca en
América
Latina el italo-brasileño Alfredo Volpi, cuyo trabajo
desemboca en una geometría
sensible, con trazos menos exactos y más imaginativos. Se
enfatiza los aspectos cromáticos, formales y
estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y
fuerza
expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales. El
arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la
representación figurativa y tiende a sustituirla por un
lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias
significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de
forma, color y línea para crear una composición que
puede existir con independencia
de referencias visuales del mundo real.

Dadaísmo:

Surgió en Europa y en Norteamérica. Fue una
oposición al pasado violento de la Primera Guerra Mundial.
Se distingue por: la inclinación hacia lo dudoso, terrorismo,
muerte y
nihilismo, lo
fantasioso, busca renovar la expresión mediante el empleo
de materiales
inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables
y tiene una tónica general de rebeldía o
destrucción.

Caracterizado por gestos y manifestaciones provocadoras en las
que los artistas pretendían destruir todas las
convenciones con respecto al arte, creando un anti-arte. Sus
orígenes se localizan cuando una serie de artistas de
distintas nacionalidades se encontraron como refugiados en
Zúrich durante la Primera Guerra
Mundial. Se manifiesta contra la belleza eterna, contra la
eternidad de los principios, contra las leyes de la
lógica,
contra la inmovilidad del pensamiento,
contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo
universal en general.

Surrealismo

En 1924 André Bretón presentó un
manifiesto dando el nombre de surrealismo al
movimiento que proclamaba la superioridad del inconsciente y el
papel de los sueños en la creación
artística. Los surrealistas más importantes fueron
Ernst, Salvador Dalí, Joan Miró, René
Magritte, Jean Arp y André Masson. En América
Latina destaca el chileno Roberto Matta, que combina el
surrealismo con la abstracción.

Por otra parte, se podría incluir a la mexicana Frida
Kahlo dentro de una corriente surrealista influida por el arte
popular.

A partir de la II Guerra Mundial, los artistas de todo el
mundo han desempeñado un importantísimo papel en la
creación de nuevos estilos o en el desarrollo de los ya
existentes. Entre ellos se encuentran el expresionismo abstracto,
el Op Art y el Pop Art, el foto realismo y el minimalismo.

El surrealismo penetró la actividad de muchos artistas
europeos y americanos en distintas épocas. Pablo Picasso se
alió con el movimiento surrealista en 1925. Se consideran
surrealistas las obras del período Dinard (1928-1930), en
que Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la
composición de figuras medio máquinas
medio monstruos de aspecto gigantesco y a veces
terrorífico.

Expresionismo Abstracto:

La presencia en Estados Unidos de muchos surrealistas europeos
refugiados, fue sin duda el "empujón" en la
creación del expresionismo abstracto, movimiento centrado
en Nueva York entre las décadas de 1940 y 1950. La
técnica pictórica implicaba gotear colores sobre
lienzos de gran formato para crear al azar motivos
enérgicos. Otras técnicas expresionistas abstractas
implicaban, aplicar sobre el lienzo grandes extensiones de color
sutilmente modulado.

Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la
figuración. No obstante, hay excepciones y algunos emplean
trazos figurativos, apareciendo figuras reconocibles. Las telas
presentan un aspecto geométrico que las hace diferentes de
movimientos precedentes, como el surrealismo.

Una de las características principales de los
expresionistas abstractos es la concepción de la
superficie de la pintura como all over (cobertura de la
superficie), para significar un campo abierto sin límites en
la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata
con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas
partes de la tela. El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y
negro, así como los colores primarios: magenta, amarillo y
cian. Los pintores expresionistas que redujeron la obra a
prácticamente un solo color estaban ya anticipando el arte
minimal.

Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes
formatos, presenta como rasgos distintivos la angustia y el
conflicto, lo
que actualmente se considera que refleja la sociedad en la que
surgieron estas obras.

Op Art y Pop Art

En la década de 1960 se iniciaron nuevos estilos y
movimientos. Algunos pintores siguieron en la senda de la
abstracción, como muestra el Op
Art. Este se basa en producir ilusiones ópticas
generalmente abstractas, el Pop Art es figurativo, como se
aprecia en las divertidas obras de su creador, el artista
inglés
Richard Hamilton. Los artistas Pop tomaban sus imágenes
de los anuncios, de las películas, de las tiras
cómicas y de los objetos cotidianos.

El Arte Pop fue un movimiento artístico surgido a
mediados de los años 1950 en el Reino unido y finales de
los años 1950 en los Estados Unidos. El arte pop
desafió la tradición afirmando que el empleo de
imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de
comunicación es contiguo con la perspectiva de las
Bellas artes dado que el Pop remueve el material de su
contexto y aísla al objeto o lo combina con otros
elementos para su contemplación. El concepto del Arte
Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las
actitudes que
lo conducen.

La mayoría de las obras de este estilo son consideradas
incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que
generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil
comprensión.

Nuevo Realismo:

Las irónicas imágenes del Pop Art ayudaron a
despejar el camino para un renacimiento de la pintura realista.
El realismo es un estilo continuo, pero muy individualista, en el
arte de América. Los realistas que se destacaron en las
décadas de 1970 y 1980 fueron aquellos que habían
asumido algunos de los conceptos estéticos del arte
abstracto. La foto realismo se basaba en la fotografía
para conseguir una variedad de pintura realista impersonal, con
detalles precisos.

Nuevas Tendencias Abstractas:

Después de la intensa subjetividad del expresionismo
abstracto, la pintura abstracta se inclinó hacia una
pureza formal más rigurosa e impersonal. La
culminación de esta tendencia fue el minimalismo, en el
cual la pintura se reducía a simples formas
geométricas, motivos rítmicos o colores lisos. Fue
un movimiento relacionado con el anterior, que evolucionó
hacia composiciones abstractas más complejas y
dinámicas.

Bajo la influencia de la máxima de Duchamp,
según la cual la pintura debía estar "al servicio de la
mente", el arte conceptual solía consistir en una sola
palabra o en una afirmación teórica.

La Pintura Europea de la Posguerra:

En Inglaterra las
agónicas figuras de Francis Bacon y los cuadros urbanos,
llenos de lirismo, de David Hockney dan fe de la vitalidad de la
pintura figurativa inglesa. En América Latina, el
dibujante, pintor, moralista y escultor colombiano Fernando
Botero empieza e exponer desde principios de la década de
1950. La factura
ingeniosa de sus personajes obesos deja ver la influencia de los
pintores italianos del quattrocento.

Neo-expresionismo

En la década de 1980 varios artistas jóvenes,
europeos y americanos, se rebelaron contra la pureza formalista,
impersonal y austera, de gran parte del arte abstracto. El
resultado fue un resurgimiento de la pintura figurativa y
narrativa llamado neo-expresionismo. Muchos de los seguidores de
este movimiento evitaron la representación realista,
empleando en su lugar pinceladas toscas y colores fuertes para
plasmar sus visiones subjetivas, por lo general ambiguas y
enigmáticas.

Algunos de los exponentes más importantes de este
movimiento son: Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Markus
Lüpertz, Karl Horst Hödicke, Jörg Immendorff,
Dieter Krieg, Sigmar Polke, Antonius Höckelmann, Volker
Tannert, A. R. Penck y Peter Brötzmann, si bien este
último más reconocido en el ámbito de su
carrera musical, su trabajo como artista plástico
lo destaca en el nacimiento del movimiento Fluxus, en estrecha
relación con Nam June Paik, Joshep Beuys. Estos grupos
destacan por su agresividad temática y cromática,
con colores fluorescentes y temáticos frecuentemente
sexual.

Entre los artistas norteamericanos destacan Basquiat y Haring,
que combinaban la agresividad con el humor y la ironía.
Utilizaban generalmente colores básicos muy saturados,
formando manchas planas o, en el caso de Haring, líneas y
contornos muy definidos.

Aunque fue un movimiento de corta duración, éste
gozó de una gran popularidad en su momento, en parte
gracias a la fuerte promoción que recibió por parte de
gente importante dentro del medio artístico de la
época.

Autor:

Rocío

Yohana

Cecilia

Antonella