El Renacimiento en Italia (página 2)

Las obras de la época grecorromana eran desconocidas
hasta entonces y abrieron a los artistas nuevas fuentes de
inspiración. Otro factor que se sumó a crear este
caldo de cultivo para el Renacimiento,
fue la invención de la imprenta, que
permitió la difusión rápida y casi universal
de sus ideas y conocimientos.

Los últimos elementos decisivos en la gestación
y apogeo de este movimiento
fueron el desarrollo
general de la riqueza en ciudades claves en la gestación
del Renacimiento (que
en esa época eran verdaderos estados aparte), como
Florencia y Venecia, y la protección y los
estímulos dados en todos los países a las artes
por poderosos personajes llamados mecenas, que
frecuentemente eran los mismos jefes de los Estados o los
príncipes, papas y reyes.

También se produjo un cambio en las
ideas. En la Edad Media,
los hombres habían pensado más en el cielo que en
la Tierra.
Sometidos a la doctrina de la Iglesia
católica, habían aceptado el lugar que el
nacimiento y la tradición les habían impuesto en la
sociedad.

Pero en el Renacimiento se entregaron a los goces de este
mundo, se apropiaron del derecho a expresar sus ideas personales
sobre la vida y la verdad, y lucharon por el poder y la
gloria. Surgió un fuerte individualismo y nació un
nuevo concepto de la
libertad.

La imprenta sirvió de gran ayuda para
la difusión de las ideas renacentistas.

¿En cuanto influyeron los mecenas?

Estas personas poderosas influyeron considerablemente en el
desarrollo del Humanismo y
del Renacimiento. Papas y obispos, reyes y príncipes,
banqueros y comerciantes reunieron obras clásicas,
llamaron a los eruditos, distinguieron a los humanistas con su
amistad personal y los
acogieron en sus palacios.

• Entre ellos destacó en Florencia
  Lorenzo de Médicis, apodado el Magnífico, quien
  protegía a Miguel Ángel, joven escultor, al
  tiempo que también amparaba a otro escultor:
  Donatello.

• Por su parte, en Milán, Luis Sforza
  (el Moro) protegió principalmente a Leonardo da
  Vinci.

• Asimismo, entre los papas hubo grandes
  mecenas. León X quería elevar al pintor Rafael
  a cardenal.

• Julio II proclamaba que las bellas letras
  eran dinero para los plebeyos, oro para los nobles y
  diamantes para los príncipes. Inició la
  reconstrucción de la basílica de San Pedro,
  llamando a trabajar en ella al arquitecto Bramante, a Miguel
  Ángel y a Rafael.

• Y el Papa Nicolás V formó en el
  Vaticano una gran biblioteca clásica, con más
  de cinco mil manuscritos.

¿Cuales fueron
las características del Arte Renacentista?

• El renacimiento italiano fue sobre todo un
  fenómeno urbano, un producto de las ciudades que
  florecieron en el centro y norte de Italia, como Florencia,
  Ferrara, Milán y Venecia, cuya riqueza financió
  los logros culturales renacentistas.

Busto de Lorenzo de Médicis,
realizado por uno de los maestros de Leonardo da
Vinci, Andrea del Verrocchio.

Fue uno de los Mecenas poderosos que
facilito, con su ayuda material o con su protección
política,
el desarrollo del Humanismo y del Renacimiento.

• Estas mismas ciudades no eran producto del renacimiento,
  sino del periodo de gran expansión económica y
  demográfica de los siglos XII y XIII. Los comerciantes
  medievales italianos desarrollaron técnicas
  mercantiles y financieras como la contabilidad o las letras
  de cambio.

• La creación de la deuda pública (concepto
  desconocido en épocas pasadas) permitió a esas
  ciudades financiar su expansión territorial mediante
  la conquista militar. Sus mercaderes controlaron el comercio
  y las finanzas europeas; esta sociedad mercantil contrastaba
  claramente con la sociedad rural de la Europa medieval.

• De vuelta a la Antigüedad. Resurgirán tanto
  las antiguas formas arquitectónicas, como el orden
  clásico, la utilización de motivos antiguos, la
  incorporación de antiguas creencias, los temas de
  mitología, de historia, así como la
  adopción de antiguos elementos simbólicos. Con
  ello el objetivo no va a ser copiar, sino el conocimiento de
  las leyes que sustentan el arte clásico.

• Es el renacer del empleo de los elementos constructivos y
  decorativos clásicos basado en la proporción,
  la uniformidad, la perspectiva y el orden.

• Domina la horizontalidad frente la verticalidad
  gótica.

• Surge una nueva relación con la Naturaleza, que va
  unida a una concepción ideal y realista de la ciencia.
  La matemática se va a convertir en la principal ayuda
  de un arte que se preocupa incesantemente en fundamentar
  racionalmente su ideal de belleza. La aspiración de
  acceder a la verdad de la Naturaleza, como en la
  Antigüedad, no se orienta hacía el conocimiento
  del fenómeno, sino hacía la penetración
  de la idea.

• El Renacimiento hace al hombre medida de todas las cosas.
  Como arte esencialmente cultural presupone en el artista una
  formación científica, que le hace liberarse de
  actitudes medievales y elevarse al más alto rango
  social.

• Ya en el campo de la pintura los pintores renacentistas se
  plantean el problema de la representación del espacio,
  de la profundidad y de la tercera dimensión. Los
  pintores se valen de la perspectiva y del claroscuro.

• Para los pintores del Renacimiento, fue de gran ayuda el
  descubrimiento de la pintura al óleo. Del mismo modo,
  se introdujo también el uso de la tela como soporte,
  suplantando a la tabla; también se perfeccionó
  la técnica de la pintura al fresco.

• Otra innovación de la pintura del Renacimiento fue
  la composición en pirámide que organiza la obra
  de una forma clara.

Etapas del Arte del
Renacimiento en Italia

El origen del arte renacentista
estuvo en Italia, y suele
dividirse en tres etapas con los términos italianos:

Quattrocento (siglo XV) centrado en Florencia

Cinquecento (siglo XVI) centrado en Roma

Los artistas renacentistas concebían sus obras
según los modelos de la
antigüedad clásica. Sin embargo, le agregaron una
cierta idealización. Belleza y armonía se
convertían en un valor que
debía representar las reglas naturales: el principio del
orden divino sobre las cosas. Con este concepto, no
existía peligro de entrar en conflicto con
las ideas del cristianismo.

Se estableció un modelo de
belleza para las proporciones ideales del cuerpo humano
y se clasificaron los estilos clásicos en diferentes
tipos. Estas adopciones sentaron las bases de un arte más
científico, caracterizado por la luminosidad y el equilibrio. El
estudio de las leyes de la
óptica
dio como resultado la perspectiva central, que desde entonces y
por más de 500 años ha dominado en pintura y
escultura.

Durante el Renacimiento también cambió la
condición del artista, que dejó de ser un artesano
insertado en un gremio. Los principales artistas fueron acogidos
por las clases altas y surgió el concepto de artista en el
sentido moderno, libre y entregado conscientemente a la
expresión de sus actitudes
personales y puntos de vista propios.

¿Cuáles eran las principales
disciplinas artísticas que realzaron el renacimiento?

Entre las disciplinas artísticas que se
manifiestan esta la pintura, la escultura y la arquitectura.

La Escultura del
Quattrocento

Las primeras manifestaciones artísticas
del renacimiento, en los comienzos del siglo XV, se dan en el
campo de la escultura. Tres florentinos realizaron algunas
innovaciones que supusieron una ruptura con las convenciones del
estilo gótico.

El primero fue Filippo Brunelleschi precursor de la
perspectiva lineal. Convertido en arquitecto, fue el primer
constructor del renacimiento. Diseñó la enorme
cúpula octogonal de la catedral de Florencia, terminada en
el año 1436, para lo que estudió a fondo la
arquitectura clásica, especialmente el colosal
panteón de Agripa. Dicha cúpula está
considerada como una proeza tanto desde el punto de vista
artístico como del de la ingeniería desde los tiempos de los
romanos. Brunelleschi, que estudió en Roma, fue el
responsable de este resurgir clásico en la arquitectura.
Introdujo nuevas fórmulas de racionalización del
espacio aplicadas tanto a las construcciones públicas como
privadas que se convirtieron en únicas dentro del estilo
renacentista.

Lorenzo Ghiberti representa el prototipo de
artista de esta primera etapa renacentista; fue arquitecto,
escultor, pintor y, además, comentarista de arte. Sobre
todo es conocido por los relieves que realizó en bronce
dorado para la puerta del baptisterio de San Giovanni, Florencia;
ilustran temas del Antiguo
Testamento y fueron muy elogiadas por Miguel Ángel
quien la denominó la Puerta del Paraíso
(1425-1452), nombre con el que se conocen desde entonces.

Donato di Niccolò di Betto Bardi, más conocido
como Donatello fue uno de los artistas más influyentes del
renacimiento no sólo por la fuerza
expresiva de sus figuras sino porque, a pesar de ser florentino,
trabajó en Venecia, Padua, Nápoles y Roma y, de ese
modo, sirvió como vehículo de difusión de
innovaciones artísticas en Italia, sobre todo en lo que se
refería a la perspectiva. Sus esculturas representan la
figura humana en su infinita diversidad de edades, gestos,
actitudes y movimientos.

Entre sus principales obras destacan el bronce del
David (c. 1430-1435, Florencia, Museo del
Bargello), que representa al héroe bíblico con la
cabeza de Goliat a sus pies. La figura semidesnuda, concebida
para ser rodeada por otras, fue la primera escultura exenta
realizada desde la antigüedad. Otra gran obra maestra es la
Cantoria o Galería de niños
cantores (c. 1433-1439, Florencia, Museo
dell´Opera del Duomo) realizada para la catedral de
Florencia, y la escultura ecuestre del condotiero
Gattamelata (1446-1450, Padua) inspirada directamente en
la escultura ecuestre del emperador romano Marco Aurelio.
Donatello, que trabajó en terracota y madera, hizo
uso de la perspectiva de Brunelleschi para ejecutar sus relieves.
Sus esculturas exentas y expresivas, a menudo representan a
santos que fueron el modelo de los escultores de la siguiente
centuria.

La Arquitectura del
Quattrocento

Las primeras manifestaciones de arquitectura
renacentista surgen en Italia, en Florencia, ciudad que, por su
prosperidad material y gustos refinados, ofrecen condiciones al
desarrollo brillantes de las artes.

La arquitectura del Renacimiento se va a
caracterizar, naturalmente, por el empleo de los
elementos constructivos grecorromanos: arco de medio punto,
bóvedas de cañón, frontones, órdenes
clásicos, etc. Como materiales, se
utilizan la piedra -rústica o desbastada-, el
mármol y el ladrillo.Los monumentos más importantes
son las iglesias, inspiradas en la basílica cristiana, y
el palacio, que es creación renacentista.

Arquitectura religiosa

En la primera del siglo XV, la planta de la
iglesia es, como la de la basílica, de tres naves y con
testero plano, es decir, sin girola; y, a veces, con crucero. La
planta de cruz latina o griega se generaliza en la madurez del
estilo. Un elemento que adquiere gran importancia es la
cúpula. Se levanta en el crucero, sobre una linterna
octogonal, y remata en otra pequeña linterna con su
correspondiente cupulín.

Con frecuencia la cúpula es doble, formada por dos
cascarones distintos -semiesférico el de dentro y
peraltado el de fuera-, unidos por anillos y contrafuertes
interiores. Brunelleschi empleó el sistema en las
Iglesias de Santa María de las Flores (Florencia), pero ya
había antecedentes en el baptisterio de la misma catedral
y en la catedral vieja de Salamanca de España,
del siglo XII. Los cielorrasos son planos, artesonados, y las
tres naves, separadas por columnas aisladas (Brunelleschi).
Después, se impone la nave única, con bóveda
de medio cañón reforzada por los contrafuertes de
las capillas laterales (Alberti). En cuanto a los órdenes,
al principio, domina el corintio; luego se introducen
los otros, admitiéndose, al modo romano, la
superposición de órdenes en un mismo edificio. El
arco es, casi exclusivamente, de medio punto, y puede descansar,
bien sobre un pequeño establecimiento (Brunelleschi),
sobre una imposta (Alberti) o directo sobre el capitel. Columnas,
pilastras, molduras y nichos cumplen a menudo una función
ornamental. La escuela veneciana
empleó el llamado orden colosal, invento de Palladio, que
abarca dos pisos.

Arquitectura Civil

Los edificios civiles son creaciones originales de los
arquitectos renacentistas; el palacio señorial, que puede
describirse como un gran cubo de piedras rematado por una ancha
cornisa. En el siglo XV, el palacio florentino típico
tiene los sillares sin pulir (aparejo rústico). Más
tarde, estos bloques se labran, dejando sin desbastar solo las
cadenas esquineras.

Las ventanas pueden terminar en arco de medio punto o en un
pequeño frontón sostenido por columnas. El
frontón triangular es el remate obligado del cuerpo
superior en la fachada de toda iglesia renacentista, sobre todo
en el período avanzado del estilo. La ornamentación
está tomada de la romana: perlas, ovos, grecas,
dentellones, guirnaldas, etc.

En cuanto a los palacios residenciales, estos son como un
bloque cúbico o un paralelepípedo con tres pisos de
diferentes alturas. Están conformados por un patio
central, rodeado de galerías, que son iguales en todos los
pisos. Los muros son cubiertos por grandes piedras que
sobresalen. Y, en el techo sobresale una inmensa cornisa en
voladizo.

Una de las grandes obras arquitectónicas de esta
época es el Palacio Medici-Riccardi hecho por Michelozzo
Michelozzi que era discípulo de Brunelleschi.

Felipe Brunelleschi (1377-1446) y sus
obras

Fue el arquitecto que inició el
Renacimiento Italiano. Su obra más importante fue la
cúpula de Santa María de la Flor, la Catedral de
Florencia.

Esta estructura
había quedado inconclusa durante el período
gótico; le restaba cubrir el crucero y se había
proyectado una cúpula. Brunelleschi fue el único
arquitecto que no le tuvo temor a su gran estructura de 40 metros
de diámetro; se la ingenió muy bien para resolver
el empuje que esta gran cúpula.

Resolvió hacer lo siguiente; sobre un tambor octogonal
levantó una cúpula doble encajada una en la otra;
la cúpula interna estaba más baja, en forma de
casquete esférico, y la externa, en forma de perfil de
ojiva.

En esas cúpulas, debido a sus diversas
formas, la interior ejerce presión
hacia fuera y la exterior hacia adentro. Al encajarlas, se
eliminan las presiones, disminuye el empuje y queda asegurada la
estabilidad de la estructura.

Otras de las obras de relevancia de Brunelleschi
son: La Capilla de los Pazzi, la iglesia de San Lorenzo, la
Iglesia del Santo Espíritu y el proyecto del
Palacio Pitti. Todas estas, en Florencia-Italia.

León Bautista Alberti
(1402-1472)Este es el segundo de los grandes arquitectos
renacentista del quattrocento. Se dio a la tarea de escribir un
tratado sobre arquitectura con su teoría
y sus normas
prácticas. Él piensa que el proyecto es la esencia
de una obra de arte, y que el arquitecto solo tiene que formar
parte del proyecto de construcción. Alberti también
contribuyó a que el Renacimiento traspasara las fronteras
y se extendiera por otras localidades diferentes a Florencia.

La Pintura del
Quattrocento

El primer gran pintor del renacimiento italiano fue Masaccio
creador de un estilo natural y expresivo en las figuras,
así como de la perspectiva lineal y aérea. Su
pintura es realista, y claramente definida.

A pesar de que tuvo una carrera corta (murió a la edad
de 27 años) la obra de Masaccio tuvo una enorme
repercusión en el curso del arte posterior. Los frescos
que representan episodios de la vida de san Pedro pintados para
la capilla Brancacci en la iglesia de Santa Maria del Carmine en
Florencia, muestran el carácter revolucionario de su obra, sobre
todo en lo que se refiere al empleo de la luz.

En una de las escenas más famosas, El tributo de la
moneda, Masaccio reviste la figura de Cristo y de los
apóstoles con un nuevo sentido de dignidad,
monumentalidad y refinamiento. Los frescos de la capilla
Brancacci sirvieron de inspiración a pintores posteriores,
entre ellos el propio Miguel Ángel. En el fresco de la
Santísima Trinidad (Santa Maria Novella,
Florencia) Masaccio, aplicando algunos de los descubrimientos de
Brunelleschi relativos a la perspectiva lineal, creó por
primera vez la ilusión espacial.

La dirección que marcó
Masaccio fue seguida por contemporáneos suyos como Paolo
Uccello quien imprimió más potencia a la
perspectiva lineal. Entre sus mejores obras destacan las tres
versiones que realizó de la Batalla de san
Romano, realizadas a fines de 1456 para el palacio Medici en
Florencia en las cuales las figuras muestran bruscos escorzos.
Estas obras se hallan en la Galería de los Uffizi
(Florencia); National Gallery (Londres) y el Louvre
(París).

También pintó un gran fresco (1436,
catedral de Florencia) que simula un monumento ecuestre en
bronce, un medio con precedentes romanos y que resurgió en
las esculturas exentas de Donatello.

Otro maestro del mismo periodo es Fra Angelico, fraile
dominico cuyo estilo refinado alterna con formas aún
incipientes del nuevo renacimiento resueltas con un delicado
tratamiento del color.

Su obra se caracteriza por su dulce y elegante espiritualidad
religiosa que, aún siendo de espíritu medieval, se
reviste de formas renacentistas, como refleja en sus
anunciaciones (La Anunciación,
1430-1432, Museo del Prado, Madrid). Fra
Angelico fue especialmente innovador en la representación
de paisajes.

Su obra incluye una serie de frescos pintados en los
años 1430 y 1440 ayudado por sus compañeros
dominicos en el convento de San Marco en Florencia.

Otro pintor del quattrocento, olvidado durante mucho tiempo y
considerado en la actualidad como uno de los pintores más
importantes de ese momento, es Piero Della Francesca quien
escribió tratados sobre la
perspectiva y las matemáticas.

Aunque es probable que viviera en Florencia de joven,
desarrolló su carrera en otras ciudades italianas. El
estilo de Piero se puede apreciar en el ciclo de frescos que
pinta en torno al
año 1453 para el coro de San Francesco en Arezzo, La
leyenda de la cruz.

Su estilo mesurado y geométrico se hace eco de la
monumentalidad del arte de Masaccio, pero, a diferencia de
éste, es más abstracto y distante; sus
composiciones están construidas con una perfección
matemática
que imprime a sus cuadros una sensación de solidez y
estatismo.

Al final de su carrera, comenzó a alternar el temple
con el óleo. Su influencia posterior ha sido muy
grande.

La primavera

El otro pintor representativo es Sandro
Botticelli, un artista que disfrutó de la familia de
los Médicis en Florencia. Su estilo es lírico,
fluido y a menudo decorativo y abarca tanto temas religiosos como
paganos.

Sus pinturas están muy influidas por el
pensamiento
según el cual las ideas cristianas podían
conciliarse con las clásicas.

Sus dos obras más famosas, ambas en la Galería
de los Uffizi son el Nacimiento de Venus (después
de 1482) y la primavera (c. 1478). El modelo de la
figura del Nacimiento de Venus está tomado de la
escultura antigua, pero aquí la diosa se muestra de pie
emergiendo de un pálido mar azul. Botticelli realza el
contorno de las figuras con una línea que le una singular
elegancia; por el contrario, sólo en contadas ocasiones
utiliza el claroscuro.

Por ultimo el nombre de Andrés Mantegna,
sirve por sí solo para dar prestigio a esta escuela.
Interesado en las cuestiones de representación visual del
objeto, Mantegna presenta con frecuencia en sus cuadros una
dificultad en perspectiva, que resuelve con elegancia.

Sus escenarios arquitectónicos, tomados de
la antigüedad, ofrecen puntos de fuga muy a ras del suelo, huidas de
líneas hacia el centro del cuadro en ilusión de
profundidad.

San Sebastián

Los escorzos de sus figuras son, por el mismo
motivo, violentos y de complicado dibujo, como
el Cristo Muerto (Museo de la Brera, en Milán).

Su dibujo, de líneas duras, sugiere
calidades materia blanda
y flexible, como la carne. El tránsito de la
Virgen (Prado) es una de sus obras más conmovedoras,
así como el San Sebastián, del Museo Imperial de
Viena.

La Arquitectura del
Cinquecento

En la arquitectura de esta época, se
acentúa el aspecto grandioso y monumental de las obras.
Roma se convierte en el centro del arte y los Papas son los
protectores de los artistas.

Lo que hace a la arquitectura del renacimiento
tan diferente de todo lo anterior es la medida y la
proporción.

Donato Bramante (1444 – 1514)

Su primer trabajo fue en
Milán donde levantó la cúpula de Santa
María de las Gracias. Luego de esto, fue llamado por el
Papa Julio II para que se encargara de la nueva
construcción de la Basílica de San Pedro.Donato
Bramante la diseña con planta de cruz griega, y en cada
uno de los brazos, señala ábsides semicirculares
terminados en pórticos exteriores. En el centro, una gran
cúpula y otras cuatro menores en los ángulos
formados por las naves.Toda esta estructura de diseño
fue modificada por los arquitectos que después se
encargaron de la obra.Otra de las obras importantes de Bramante
en Roma fue el Templete circular de San Pietro in
Montorio.Bramante es considerado el mejor representante del
estilo del Alto Renacimiento.

No hay prueba de su actividad en la pintura en
Roma pero Vasari afirma que diseñó la arquitectura
que se encuentra en el cuadro La Escuela de Atenas de Rafael.
Precisamente Rafael será uno de sus más afamados
discípulos.

Miguel Ángel Buonarroti (1475 –
1564)

Es uno de los mayores creadores de toda la
historia del
arte y, junto con Leonardo da Vinci, la figura más
destacada del renacimiento italiano.

En su condición de arquitecto, escultor,
pintor y poeta ejerció una enorme influencia tanto en sus
contemporáneos como en todo el arte occidental posterior a
su época.

El artista protesta cuando el Papa Paulo II le
encarga la obra de la Basílica de San Pedro pero acepta y
se encarga se simplificar el proyecto de Bramante, para
así darle más desarrollo a la cúpula
central.

Esta es su obra más importante como
arquitecto.

La cúpula se asemeja a la elaborada por
Brunelleschi; se levanta sobre un tambor, con doble cúpula
y linterna, y mide 42 metros de diámetro. El principal
cambio está en la decoración: la rodean ventanas
con tímpanos, columnas dobles y un friso con guirnaldas.
Además de esto, se eleva hasta 131 metros de altura,
superando a la de Florencia que llega hasta 114 metros.Este
artista, en su rol de arquitecto elaboró al menos otras
siete obras y proyectos, entre
los cuales podemos citar: la escalera de la Biblioteca
Laurenciana, la Sacristía Nueva de San Lorenzo, ambas
en Florencia, y el proyecto para la Plaza del Capitolio en Roma.
Miguel Ángel tomó como punto de referencia el tipo
de articulación de muros desarrollado por sus predecesores
florentinos, pero infundiendo en ella la misma fuerza y
energía que caracterizó su escultura y su
pintura.En lugar de seguir con los cánones clásicos
de los griegos y romanos, Miguel Ángel utilizó
estos motivos -columnas, frontones, ménsulas- de manera
más personal y expresiva. Durante la larga etapa de
residencia en Florencia Miguel Ángel emprendió
-entre 1519 y 1534- el encargo de hacer las tumbas de los
Médicis en la Sacristía Nueva de San Lorenzo. La
Sacristía, con cubierta cupuliforme sobre pechinas, acoge
en dos de sus muros los sepulcros a modo de fachada o retablo en
los que dispone ventanas cegadas, enmarcando la calle central
donde va el sarcófago con las esculturas alegóricas
y los retratos monumentales de los allí enterrados.

La Escultura en el Cinquecento

Miguel Ángel
Buonarotti

Es uno de los más grandes escultores de
todos los tiempos. En su escultura se ve reflejada su recia
personalidad y
su profunda fe cristiana. Su estilo es personalista y
dramáticoSu calidad
excepcional, su extraordinaria sabiduría, capaz de
expresar en mármol cualquier, idea o propósito, aun
el más complejo. Sus esculturas son de gran tamaño,
grandiosas, majestuosas. Drama interior, fuerza vital, "Scorzo".
Sigue en un primer momento la línea de Donatello, pero
luego, se pone en contacto con las obras de Jacopo Della Quercia,
que marcara fuertemente su estilo futuro.El Papa Julio II lo
llama a Roma y le encarga la obra que será una
ilusión y al mismo tiempo una tragedia en su vida.

En su actividad creativa, tuvo un constante empezar y posponer
de sus obras gigantescas demostrando una entrega y una
energía poco comunes y de unidad a su vida. Es un artista
completo: músico, poeta, arquitecto, escultor y pintor. Es
un humanista convencido: a la par con los griegos piensa que
el hombre es
el modelo final y lo expresa en toda su producción

Como obras tenemos: La Piedad del Vaticano; el
David para la Plaza de la Signoria de Florencia;
Moisés obra de fuerza contenida y grandiosidad terrible;
los sepulcros de la familia
Médicis en San Lorenzo de Florencia, son las figuras de
Julián y Lorenzo, les acompañan las figuras
alegóricas del Día y la Noche, el Crepúsculo
y la Aurora; La Piedad de Rondanini; La virgen con el Niño
que también tiene figuras de esclavos desnudos.

La Pintura en el
Cinquecento

Leonardo Da Vinci (1452 –
1519)

Leonardo da Vinci es uno de los grandes genios
del Renacimiento, destacando como artista, inventor y
descubridor. Fue un genio
enciclopédico y universal. Se adelantó varios
siglos a su tiempo con sus descubrimientos.En su tratado sobre la
pintura escribió que ella es la reina de las artes; sin
embargo, no dejó muchas obras pictóricas. Es que
pasaba largos meses haciendo bocetos y estudios y la misma
realización definitiva era lenta. Pero, las obras que
dejó terminadas, son todas obras maestras.

Este artista se crió en Florencia y
aprendió en el taller de Verrocchio, continuó
ligado al taller de Verrocchio hasta prácticamente su
marcha de Florencia. En Milán estuvo durante 17
años, trabajando en variados proyectos de todo tipo, tanto
artísticos como científicos, en los que
experimentar era su principal objetivo.

Su producción estuvo marcada por el interés
hacia el claroscuro y el sfumato, la técnica con la que
difumina los contornos, consiguiendo una excelente
sensación atmosférica como se aprecia en su obra
más famosa, la Gioconda o Monna Lisa y La
ultima cena. Al final de su vida sufrió una
parálisis en el brazo derecho que le impedía
pintar, pero no continuar dibujando y enseñandoLeonardo Da
Vinci representó una ruptura con los modelos universales
establecidos durante la época del Quattrocento. Se opuso
al concepto de "belleza" ideal, defendiendo la imitación
de la naturaleza con
fidelidad, sin tratar de mejorarla.

Y así contempla la fealdad y lo grotesco,
como en sus dibujos de
personajes deformes y cómicos, que fueron considerados
como las primeras caricaturas de la historia del arte. Su
dominio del
color y la atmósfera hace que
también sea el primero en ser capaz de pintar el aire. La
perspectiva aérea o atmosférica, como hoy se
conoce, es una característica inconfundible de su obra, en
especial de los paisajes. Leonardo fue el primero en considerar
que la distancia se llenaba con aire y que éste
hacía que los objetos lejanos perdiesen nitidez y se
viesen azulados.

Miguel Ángel
Buonarroti

También brillo con luz propia en la pintura. Es el Papa
Julio II quien le encargue su obra maestra: el techo de la
Capilla Sixtina, a cuya decoración dedico cuatro
años, entre 1508 y 1512. El trabajo fue
agotador ya que no contaba con ningún ayudante y puso de
manifiesto el fuerte carácter del maestro agravado por su
insatisfacción característica, la escasez de
honorarios y las numerosas demandas de ayuda que recibe de su
familia, especialmente de su hermano Buonarroto.

La capilla es una gran sala rectangular de 40
metros de largo, 13 de ancho y 21 de altura. Allí
pintó escenas del Génesis y otras figuras.

En 1534 Miguel Ángel se instala
definitivamente en Roma, donde realizará el Juicio Final,
en la Capilla Sixtina, por encargo del Papa Paulo III, quien le
nombra pintor, escultor y arquitecto del Vaticano. En el Juicio
Final, Miguel Ángel exhibirá su admiración
hacia la anatomía que le
llevará a desnudar al propio Cristo, anticipando con sus
figuras al Barroco.

En la bóveda de la Capilla Sixtina son
343 las figuras, encuadradas en elementos arquitectónicos
fingidos. Mientas que, en el Juicio Final hay toda una
muchedumbre de 391 figuras.

En estas obras Miguel Ángel, pone de manifiesto su
preferencia por la escultura, destacando con fuerza el relieve y el
volumen.
Acentúa las musculaturas de las agigantadas figuras llenas
de energía.

Luego de acabar con el Juicio Final, llevará a cabo los
frescos de la Capilla Paolina, una vez resueltos sus problemas con
los herederos de Julio II, consintiendo éstos en la
renuncia del maestro a la ejecución de los trabajos y
admitiendo la colocación del Moisés en el
nuevo proyecto.

Rafael Sanzio (1483 – 1520)

Es considerado como uno de los más grandes
e influyentes artistas de todos los tiempos. En 1499 se
trasladó a Perugia, en Umbría, y se
convirtió en pupilo y ayudante del pintor Perugino.

Rafael Sanzio realizó durante este periodo
obras en un estilo muy parecido al de su maestro.

En 1504 Rafael se trasladó a Florencia,
donde estudió la obra de reconocidos pintores
contemporáneos suyos como Leonardo da Vinci, Miguel
Ángel y Fra Bartolommeo, de los que aprendió sus
métodos de
plasmación de luces y sombras, sus estudios
anatómicos y actitudes dramáticas. En esta
época Rafael realizó un cambio estilístico
desde la composición geométrica y el énfasis
en la perspectiva hacia una manera más natural y suave de
pintar.

Los encargos más importantes que Rafael
recibió durante su estancia en Florencia procedían
de Umbría. Su composición más original en
este periodo es El Entierro de Cristo. Forma parte de un retablo
y muestra la fuerte influencia de Miguel Ángel en la
disposición y actitudes de los cuerpos y en el tratamiento
anatómico de los mismos. En 1508 Rafael se trasladó
a Roma, requerido por el Papa Julio II, quien le encarga la
decoración mural de cuatro pequeñas habitaciones y
estancias en el Palacio del Vaticano. Debido a sus numerosas
actividades, sólo consiguió pintar parte de la
tercera estancia del Palacio del Vaticano, la del Incendio
del Borgo.

Rafael realizó trabajos como la
decoración al fresco de las estancias vaticanas, una serie
que decora las cuatro estancias del palacio Vaticano. La
más importante es la estancia de la Signatura, que
contiene La disputa, una complicada explicación
de la doctrina del sacramento de la Eucaristía.

Los hombres de iglesia discuten en torno a la doctrina en la
parte inferior; sobre ellos, Cristo aparece acompañado en
semicírculo de un grupo de
ángeles.

La disputa

En el otro lado de la estancia se encuentra la Escuela de
Atenas, que representa la filosofía clásica, haciendo pareja
con La disputa, que permanece de pie junto a la
teología cristiana. Aquí, la representación
es horizontal, más centrada en la tierra que en
el cielo. El punto de fuga se sitúa detrás de las
figuras centrales de Platón y
Aristóteles, rodeados por célebres
pensadores del pasado. Muchas de estas figuras son retratos de
artistas contemporáneos de Rafael. Rara vez la pintura ha
alcanzado la claridad y la perfección de la Escuela de
Atenas. Como fuente de inspiración pudieron servirle
a Rafael los inmensos frescos de la capilla Sixtina pintados por
Miguel Ángel.

Según algunos autores, el arte
pictórico se divide en antes y después de
Rafael.

Conclusión

Así hemos llegado al final de esta apasionante aventura
que fue recorrer el Renacimiento.

Como ya sabemos el Renacimiento, fue la consecuencia de un
interés por el pasado grecorromano, con el cual se buscaba
volver a dar vida a los ideales que habían inspirado a
aquellos pueblos.

De este movimiento surgieron las grandes figuras.

Entre los más famosos y los más grandes artistas
de todos los tiempos:

Leonardo Da Vinci

Miguel Ángel Bounarotti

VIDEOS DE MIGUEL ANGEL

http://www.youtube.com/watch?v=w5ogSsjLGa4&mode=related&search

EL DIVINO MICHELANGELO ; PRIMERA PARTE

http://www.youtube.com/watch?v=OJQE01fAO6w&mode=related&search=

EL DIVINO MICHELANGELO ; SEGUNDA PARTE

http://www.youtube.com/watch?v=bM3EnCl8WVE&mode=related&search=

EL DIVINO MICHELANGELO ; TERCERA PARTE

http://www.youtube.com/watch?v=nwVQQKAbzXw&mode=related&search=

EL DIVINO MICHELANGELO ; CUARTA PARTE – LA
PIEDAD

http://www.youtube.com/watch?v=U0dDDkbLeOE&mode=related&search=

EL DIVINO MICHELANGELO ; QUINTA PARTE – EL
DAVID

http://www.youtube.com/watch?v=59L78kxOLL8&mode=related&search=

EL DIVINO MICHELANGELO – SEXTA PARTE
– EL DAVID –

http://www.youtube.com/watch?v=t-BSW-AIf5E&mode=related&search=

EL DIVINO MICHELANGELO ; SETIMA PARTE –
INICIOS DE PINTOR –

http://www.youtube.com/watch?v=h16fYK0OM54&mode=related&search=

EL DIVINO MICHELANGELO – OCTAVA PARTE
– INICIOS DE DIBUJANTE

http://www.youtube.com/watch?v=mGPP8J9xoLI&mode=related&search=

EL DIVINO MICHELANGELO ; NOVENA PARTE –
PINTURA CAPILLA SIXTINA 1

http://www.youtube.com/watch?v=BXfDQWC1VaI&mode=related&search=

EL DIVINO MICHELANGELO – DECIMA PARTE
– PINTURA CAPILLA SIXTINA 2 –EL MOISES

http://www.youtube.com/watch?v=rDFVV7AIHBs&mode=related&search=

EL DIVINO MICHELANGELO ; PARTE ONCE –

http://www.youtube.com/watch?v=afH-Eoo1OKA&mode=related&search=

EL DIVINO MICHELANGELO ; PARTE DOCE – EL
JUICIO FINAL –CUPULA DE SAN PEDRO – LA PIETA

DAVID de michelangelo

VIDEOS DE LEONARDO DA VINCI

http://www.youtube.com/watch?v=C5hrVZ81OME

PRIMERA PARTE

http://www.youtube.com/watch?v=Jw4TluYENq0&mode=related&search

SEGUNDA PARTE

http://www.youtube.com/watch?v=4gFUTgvERNU&mode=related&search=

MONA LISA VIVA

Autor:

Roberto Arone