El teatro del absurdo, de vanguardia y la vida y obra de Lope de Vega y William Shakespeare (página 2)

El 28 de noviembre de
1582, cuando tenía 18 años,
Shakespeare
contrajo matrimonio
con Anne Hathaway, de 26, originaria de
Temple Grafton, localidad próxima a Stratford. Dos vecinos
de Anne, Fulk Sandalls y John Richardson, atestiguaron que no
existían impedimentos para la ceremonia. Parece que
había prisa en concertar la boda, tal vez porque Anne
estaba embarazada de tres meses. Tras su matrimonio, apenas hay
huellas de William Shakespeare en los registros
históricos, hasta que hace su aparición en la
escena teatral londinense. El 26 de mayo de
1583, la hija primogénita de la pareja,
Susanna, fue bautizada en Stratford. Un
hijo, Hamnet, y otra hija, Judith, nacidos mellizos, fueron
asimismo bautizados poco después, el 2 de febrero
de 1585; Hamnet murió a los once
años, y solamente llegaron a la edad adulta sus hijas. A
juzgar por el testamento del dramaturgo, que se muestra algo
desdeñoso con Anne Hathaway, el matrimonio no estaba bien
avenido.

Los últimos años de la década
de 1580 son conocidos como los
'años perdidos' del dramaturgo, ya que no hay evidencias que
permitan conocer dónde estuvo, o por qué
razón decidió trasladarse de Stratford a Londres.
Según una leyenda que actualmente resulta poco
creíble, fue sorprendido cazando ciervos en el parque de
Sir Thomas Lucy, el juez local, y se
vio obligado a huir. Según otra hipótesis, pudo haberse unido a la
compañía teatral Lord Chamberlain's
Men a su paso por Stratford. Un biógrafo
del siglo XVII, John
Aubrey, recoge el testimonio del hijo de uno de los
compañeros del escritor, según el cual Shakespeare
habría pasado algún tiempo como
maestro rural.

Londres y su paso por el
teatro

Hacia 1592 Shakespeare se
encontraba ya en Londres trabajando como dramaturgo, y era lo
suficientemente conocido como para merecer una desdeñosa
descripción de Robert
Greene, quien lo retrata como "un grajo arribista,
embellecido con nuestras plumas, que con su corazón de
tigre envuelto en piel de
cómico se cree capaz de impresionar con un verso
blanco como el mejor de
vosotros",[5] y dice
también que "se tiene por el único sacude-escenas
del país" (en el original, Greene usa la palabra
shake-scene, aludiendo tanto a la reputación del
autor como a su apellido, en un juego de
términos conocido como
paronomasia).

En 1596, con sólo once
años de edad, murió Hamnet, único hijo
varón del escritor, quien fue enterrado en Stratford el 11
de agosto de ese mismo año. Algunos críticos han
sostenido que la muerte de
su hijo pudo haber inspirado a Shakespeare la composición
de Hamlet (hacia 1601),
reescritura de una obra más antigua que, por desgracia, no
ha sobrevivido.

Hacia 1598 Shakespeare
había trasladado su residencia a la parroquia de St.
Helen, en Bishopsgate. Su nombre
encabeza la lista de actores en la obra Cada cual según
su humor (Every Man in His Humour), de
Ben Jonson.

Pronto se convertiría en actor, escritor, y,
finalmente, copropietario de la compañía teatral
conocida como Lord Chamberlain's
Men, que recibía su nombre, al igual que
otras de la época, de su aristocrático mecenas, el
lord chambelán (Lord
Chamberlain).

La compañía alcanzaría tal
popularidad que, tras la muerte de
Isabel I y la subida al trono de Jacobo I, el nuevo monarca la
tomaría bajo su protección, pasando a denominarse
los King's Men ("Hombres del
rey").

En 1604, Shakespeare hizo de casamentero para la hija de
su casero. Documentación legal de 1612, cuando el caso
fue llevado a juicio, muestra que en 1604, Shakespeare fue
arrendatario de Christopher Mountjoy, un artesano
hugonote del noroeste de Londres. El aprendiz
de Mountjoy, Stephen Belott, tenía intenciones de casarse
con la hija de su maestro, por lo que el dramaturgo fue elegido
como intermediario para ayudar a negociar los detalles de la
dote. Gracias a los servicios de
Shakespeare, se llevó a efecto el matrimonio, pero ocho
años más tarde Belott demandó a su suegro
por no hacer entrega de la totalidad de la suma acordada en
concepto de
dote. El escritor fue convocado a testificar, mas no recordaba el
monto que había propuesto.

Existen varios documentos
referentes a asuntos legales y transacciones comerciales que
demuestran que en su etapa londinense Shakespeare se
enriqueció lo suficiente como para comprar una propiedad
en Blackfriars y convertirse en el
propietario de la segunda casa más grande de
Stratford.

Últimos años

Shakespeare se retiró a su pueblo natal en
1611, pero se vio metido en diversos pleitos,
como por ejemplo un litigio respecto al cercado de tierras
comunales que, si por un lado fomentaba la existencia de pasto
para la cría de ovejas, por otro condenaba a los pobres
arrebatándoles su única fuente de subsistencia.
Como el escritor tenía cierto interés
económico en tales propiedades, para disgusto de algunos
tomó una posición neutral que sólo aseguraba
su propio beneficio. En marzo de 1613 hizo su última
adquisición, no en su pueblo, sino en Londres, comprando
por 140 libras una casa con corral cerca del teatro de
Blackfriars, de cuya suma sólo pagó en el acto
sesenta libras, pues al día siguiente hipotecó la
casa por el resto al vendedor. Por cierto que Shakespeare no hizo
la compra a su solo nombre, sino que asoció los de William
Johnson, John Jackson y John Hemynge, este último uno de
los actores que promovieron la edición
del First folio.

El efecto legal de este procedimiento,
según escribe el gran biógrafo de
Shakespeare Sidney Lee, "era privar a
su mujer, en caso de
que sobreviviera, del derecho de percibir sobre esta propiedad el
dote de viuda"; pero pocos meses después aconteció
un desastre: se incendió el Teatro del Globo, y con
él todos los manuscritos del dramaturgo, junto con su
comedia Cardenio, inspirada en
un episodio de Don Quijote de La
Mancha; se sabe de esta obra porque el 9 de
septiembre de 1653 el editor Humphrey Maseley obtuvo licencia
para la publicación de una obra que describe como
Historia de Cardenio, por Fletcher y Shakespeare; el
citado Sidney Lee dice que
ningún drama de este título ha llegado hasta
nuestros días y que probablemente haya que identificarlo
con la perdida comedia llamada Cardenno o Cardenna,
que fue representada dos veces ante la Corte por la
compañía de Shakespeare.

La primera en febrero de 1613, con ocasión de las
fiestas por el matrimonio de la princesa Isabel, y la segunda en
8 de junio, ante el embajador del Duque de Saboya, esto es, pocos
días antes de incendiarse el teatro de El
Globo.

En las últimas semanas de la vida de Shakespeare,
el hombre que
iba a casarse con su hija Judith – un tabernero de nombre Thomas
Quiney – fue acusado de promiscuidad ante el tribunal
eclesiástico local. Una mujer llamada Margaret Wheeler
había dado a luz a un
niño, y afirmó que Quiney era el padre. Tanto
la mujer como su
hijo murieron al poco tiempo. Esto afectó, no obstante, a
la reputación del futuro yerno del escritor, y Shakespeare
revisó su testamento para salvaguardar la herencia de su
hija de los problemas
legales que Quiney pudiese tener.

Shakespeare falleció el 23 de abril de 1616.
Estuvo casado con Anne hasta su muerte, y le sobrevivieron dos
hijas, Susannah y Judith. La primera se casó con el doctor
John Hall. Sin embargo, ni los hijos de Susannah ni los de Judith
tuvieron descendencia, por lo que no existe en la actualidad
ningún descendiente vivo del escritor. Se rumoreó,
sin embargo, que Shakespeare era el verdadero padre de su
ahijado, William Davenant.

Siempre se ha tendido a asociar la muerte de Shakespeare
con la bebida, -murió, según los comentarios
más difundidos, como resultado de una fuerte fiebre, producto de su
estado de
embriaguez-. Al parecer, el dramaturgo se habría reunido
con Ben Jonson y Michael
Drayton para festejar con sus colegas algunas nuevas
ideas literarias. Investigaciones
recientes llevadas a cabo por científicos
alemanes[6] afirman que es
muy posible que el escritor inglés
padeciera de cáncer.

Los restos de Shakespeare fueron sepultados en el
presbiterio de la iglesia de la
Santísima Trinidad (Holy Trinity Church) de
Stratford. El honor de ser enterrado en el presbiterio, cerca del
altar mayor de la iglesia, no se debió a su prestigio como
dramaturgo, sino a la compra de un diezmo
de la iglesia por 440 libras (una suma considerable en la
época). El monumento funerario de Shakespeare, erigido por
su familia sobre
la pared cercana a su tumba, lo muestra en actitud de
escribir, y cada año, en la conmemoración de su
nacimiento, se le coloca en la mano una nueva pluma de
ave.

Su
Obra

Las obras de Shakespeare son consideradas de mucha
complejidad por los estudiosos, debido a que abarcó
prácticamente todos los ámbitos de la existencia,
el pensamiento
y las pasiones humanas. Además, su habitual
división en dramas históricos, comedias y
tragedias resulta simplista desde el momento en que Shakespeare
unió constantemente estos géneros y los
imprimió con su visión totalizadora de la
realidad, alternando dentro de una misma obra las más
profundas reflexiones con pasajes cómicos o
grotescos.

Como primeras obras de Shakespeare suelen citarse las
tres partes de "Enrique VI" (1589-1592), inicio de un ciclo
sobre la historia de Inglaterra que
continuaría en piezas como Ricardo III (1593), Ricardo
II (1596) y las dos partes de Enrique IV (1598).

Hasta el año 1600 la labor teatral de
Shakespeare estuvo marcada por un continuo desarrollo
de sus capacidades dramáticas, reflejado en la
progresiva matización de los caracteres
sicológicos de sus personajes, el perfeccionamiento de
la estructura
argumental y un alejamiento cada vez mayor de las fuentes
literarias e históricas, por lo general
británicas, italianas o grecorromanas, que sirvieron de
motivación a casi todas sus
obras.

Ello resulta apreciable tanto en la creciente
complejidad de sus comedias "Comedia de las equivocaciones",
"La fierecilla domada", "El mercader de Venecia", como la
evolución de sus dramas clásicos,
donde la truculencia de "Tito Andrónico" daría
paso, en "Julio César", a una profunda reflexión
en torno a la
ambición y el deseo de poder. No
obstante, dos obras merecen especial atención en este período: la
célebre tragedia "Romeo y
Julieta", que además de ser una bella historia de
amor,
constituye una llamada a la conciliación y a la
superación de los antagonismos por medio del diálogo. A ella se suma la mágica
comedia "Sueño de una noche de verano", uno de los
textos más poéticos y evocadores del
autor.

A la misma época pertenecen los dos poemas
narrativos "Venus y Adonis" (1593) y "El Rapto de Lucrecia",
que junto a "Sonetos" (1609) y algunos poemas menores
constituyen toda la producción "no dramática" de
Shakespeare que, escrita probablemente entre 1593 y 1600, han
sido objeto de un profundo análisis debido a las alusiones
autobiográficas y a la intensidad lírica y
poderosa imaginación expresiva que las ubican entre las
cumbres de la poesía británica.
 

Obras de Madurez:

Bajo el nombre "Obras de madurez" se agrupan de
forma tradicional aquellas escritas por Shakespeare entre 1600
y 1608. Ellas poseen en común su visión
fundamentalmente pesimista y amarga de la existencia y su
profundidad en el tratamiento de las pasiones y contradicciones
de la naturaleza
humana. Lugar destacado ocupan en este sentido las cuatro
grandes tragedias "Hamlet", "Otelo", "El rey Lear" y
"Macbeth", donde el magistral estudio sicológico de
los protagonistas aparece realzado por la matizada
presentación de los restantes personajes y la perfecta
contraposición entre diálogos y monólogos,
en los que el lenguaje
del autor alcanzó estremecedora grandeza.
 

Dueño de una buena posición
económica y de un firme prestigio, las últimas
obras escritas por Shakespeare mostraron su paulatina
evolución hacia una concepción más serena
y mediativa del mundo, marcada por la fusión entre elementos reales y
fantásticos. Ejemplo de ello fueron "Pericles" (1609)
y "Cimbelino" (1610), piezas cercanas a la tragicomedia,.
Otras de sus obras en este período fueron "Cuento de
invierno" y "La tempestad", comedia filosófica cuyo
lirismo y originalidad trascienden todo encasillamiento y que
puede ser considerada el testamento intelectual del
autor.

Su
producción literaria

A.-Antes de llegar a la madures propiamente dicha
Shakespeare atraviesa por una etapa de imitación. Los
temas no los aborda con profundidad y se nota en él una
despreocupación por los grandes temas humanos.

B.-Ya en plena madurez, se advierten en él
dos momentos definidos:

• Un momento de Intimidad y de optimismo, muy en
  consonancia con sus triunfos, la aceptación que tiene en
  las cortes, la prosperidad y su íntima
  satisfacción.

Es el momento de sus obras: "Enrique IV", "Enrique V",
"Las Alegres Comadres de Windsor", "Como
Gustáis"…

• Un momento de pesimismo, reflejo de los sinsabores y
  contratiempos que entenebrecen su vida.

Es el momento de sus grandes tragedias y en que aborda
los grandes temas de la problemática humana: Hamlet,
Macbeth, Otelo, El Rey Lear, César, Romeo y
Julieta…

C.-Hacia el final de su vida: nuevamente sus
obras se descargan de pesimismo y aparecen los tonos alegres y
hasta de ensueño.

Es el momento de Cuentos de
Invierno", "La Tempestad"…

Una lectura de
sus tragedias más representativas nos lleva a esta
conclusión:

La más
espeluzante…………………………………Andrónico

La más
estremecedora………………………………El
Rey Lear

La más cercana a lo
griego………………………….
César

La más profunda en
reflexión……………………….
Hamlet

La más perfecta en su estructura
trágica……………
Macbeth

La más
poética………………………………………
Romeo y Julieta

La que mejor estudia la "sicologia de masa"
Corlolano

Valoración de sus
Tragedias

Por todas sus obras dramáticas, pero
especialmente por sus obras trágicas Shakespeare ha de ser
considerado como clásico de Inglaterra y del mundo. Tres
razones pueden defender este titulo para Shakespeare:

A.- La Universalidad de sus obras. Ya hemos
indicado que sus obras están hechas con sustancial
universal. Presenta pasiones que vive el hombre en
momentos excepcionales de la vida. Cualquier hombre o mujer,
sometidos al mismo cuadro de circuntacias ambientales que sus
personajes y con la misma carga temperamental de ellos,
llegaría a las mismas situaciones
trágicas.

B.- La Impersonalidad de sus obras. No hay que
buscar a Shakespeare en sus dramas y tragedias porque no
está. En su obra está la vida, no su vida. Lo que
vibra en sus tragedias está por encima de lo local,
temporal y personal.

C.-La Perfección de sus obras es otro motivo para
considerarlo clásico. Shakespeare no es ningún
inventor de argumentos. La mayoría los toma de la historia
inglesa o de los pueblos clásicos. Lo genial en él
es que ve en las cosas y en los aconteceres de la historia o de
la crónica lo que los demás no han visto. Infunde
en los personajes un espíritu nuevo. Lo que es materia inerte
y desleída, sin posibilidades aparentes, al tomarla
él lo vitaliza.

Caracteres

1.-Binomio Bien Mal:

A las obras de no van sólo seres
perversos.

Si aquellos encarnan las malas pasiones, otras encarnan
las buenas pasiones.

Frente a la debilidad, la entereza;

Frente al injusto, el honesto;

Frente al ambicioso, el generoso;

Frente al impuro, la inocencia…

2.-Armonía de Personaje – Acción
– Ambiente:

Shakespeare busca primero el "hombre" de sus tragedias.
Después busca para él la "acción" más
adecuada para revelar al público ese "hombre" y el
"ambiente" más propicio para que ese "hombre" se revele en
esa acción.

Es difícil separar esos tres elementos, pues en
definitiva la tragedia sufre. Quizás por eso haya en sus
obras multiplicidad de escenarios, pues en cada instante busca el
ambiente exigido por la situación del
personaje.

3.-Doble Trama:

En sus tragedias hay que descubrir una trama interna y
una externa. La externa está constituida por el argumento
más o menos afortunado. En él no hay que buscar
mucha originalidad…

La interna es más compleja y valiosa. Es genial.
Es la trama emocional que viven los personajes. Riquísimo
estudio psicológico.

A veces estamos por pensar que los verdaderos personajes
no son Hamlet, Macbeth, Otelo…sino la "vacilación",
la "ambición", los "celos".

4.- Presencia de Fatum: (Sino,
fatalidad)

Existe, ya que es algo inherente a la tragedia, pero no
al modo de la tragedia antigua. En la tragedia antigua es algo
independiente, que actúa operando desde fuera de los
personajes.

Es un personaje más: un anti-héroe. En
Shakespeare el "fatum" hay que buscarlo de los personajes. Es un
"fatum psíquico" incrustado irremediablemente en el
carácter de los personajes. El hombre
sucumbe porque la conciencia ha
sido derrotada pro el carácter-fatalidad, sin
superación del libre albedrío.

5.-Variedad de tipos:

En las 36 obras de Shakespeare desfila, como en el
Quijote, toda la "fauna humana". El
Rey, el esclavo, el hombre de espada y el de herramienta; el de
campo y el de la urbe; locos; asesinos, brujas, enamorados,
ladrones…

Lo más interesante es que en sus obras hay una
verdadera democracia de
personajes pues grandes y pequeños entran en ellas con el
mismo derecho a que le autor inmortalice su dolor, sus lacras, su
heroísmo.

6.- Héroe entre
héroes:

A diferencia de la tragedia clásica griega, en la
tragedia de Shakespeare el protagonista un héroe entre
héroes. Es el más destacado, pero muchas veces no
es el que más se fija en el espectador, Así MACBETH
la figura de Lady Macbeth se nos que más grabada que el
mismo Macbeth.

7.- Conflicto Paralelos:

Especialmente en las tragedias suele ocurrir que el
mismo conflicto
espiritual lo viven el protagonista y otros personajes
secundarios. Aquél en forma eminente; éstos, en
forma más sencilla como si estuviera puesto así
para que entiendan el drama de los espectadores menos
preparados…

Así el conflicto Hamlet es repetido en esquema en
el personaje Leartes, hermano de Ofelia…

8.- El lenguaje y
estilo:

Es esencialmente poético. Todo lo que pasa por
él mundo de lo bello y poético. Hay una perfecta
adecuación entre la palabra y la acción. Por eso
cada personaje tiene sus palabras que son de él y para el
momento en que vive…

Frecuentemente utiliza la prosa y el verso en una misma
obra.

Lope de
Vega

La vida y el hombre: Es muy probable que en toda la
Literatura
Española no haya otro escritor a quien sea preciso
estudiarle la vida papa poder comprender y gustar su obra. La
vida y la obra de Lope de tal manera se funden que, si no se
supiera nada de su vida profunda, bastaría buscarle en sus
obras para encontrarla entera. Por fortuna la conocemos y no
tenemos necesidad de tomarnos ese trabajo, sino
de poner una frente a la otra y gustar esa compenetración
entre el hombre y la obra.

Un estudio de este hombre Soldado, Poeta, Pecador y
Sacerdote, nos llevaría muy largo pero si es preciso hacer
un guión:

Nace: En Madrid,
recién fundada capital de
España.
Es, pues un madrileño y Madrid se le metería en el
corazón. La fecha el 25 de noviembre de
1562.

Su familia: No es de Madrid, sino del Norte de
España, de Santander. Precisamente, región de
España donde comenzó la Reconquista. Eso llevara al
vanidoso Lope a aspirar y alardear de ascendencia noble. Sus
enemigos lo satirizaran. La verdad es que sus padres eran de
condición humilde.

Su padre, es desordenado en su matrimonio, pero de una
fuerte tonificación religiosa en su vida. Este desorden
moral en la
vida y este fervor religioso son dos grandes coordenadas del
hijo: Félix Lope de Vega Carpio.

Sus estudios: aunque de haber pasado por Alcalá,
sus estudios no fueron nada profundos ni disciplinados, sino
alborotados y superficiales. Más aprende en sus viajes
(captación del paisaje español) y
en sus experiencias vitales (conocimiento
del alma humana)
que en los libros.

Como soldado: interviene en varios acontecimientos.
Sobre todo en el fracaso de la llamada Escuadra Invencible que
irónicamente es vencida por la escuadra inglesa en 1588.
Acontecimiento y fecha fatal para España.

Su vida afectiva. Es desconcertante; llena de
sinceridad, pero caminando por los caminos mas diversos y
complicados. Se puede decir que Lope amó todo lo que se
amar: lo bueno y lo malo; lo santo y vetado por la conciencia.
Ese mismo desorden afectivo le trae sinsabores, destierros,
cárceles; a la vez le arranca sus mejores versos y
escenas.

Por la línea del matrimonio: los nombres de
Isabel de Urbina y, a su muerte, Juana Guardo.

Por la línea de los amoríos y aventuras
donjuanescas hay un verdadero desfile de nombres de mujer: Elena
de Osorio, Antonia Trillio, Micaela de Luján,
Gerónima Burgos, Lucia Salcedo, Marta Nevares.

Tanto sus esposas como estas mujeres prohibidas dejaron
en sus obras una honda huella. Puede decirse que, a su manera,
una tras otra siempre las amó realmente, aunque su amor
estuviera muy dominado por el "Eros".

Su hogar: Tuvo que sufrir en carne propia y en su propio
hogar las consecuencias de su propio desorden. La vida y la
conducta de sus
numerosos hijos no fueron afortunadas. La de algunos fue un
escándalo como la del propio padre. Como el corazón
de Lope amaba a sus hijos entrañablemente, aunque no les
supo educar, las desgracias de sus hijos le herían en lo
más profundo y le arrancaban versos cargados de
sentimientos.

Su arrepentimiento: Su desconcertante desorden le lleva
a buscar sinceramente refugio en el sacerdocio y se ordena
Salcedote. No es fácil corregir pasiones tan incontroladas
ni el sacerdotal y el gustador de placeres. En un tormento que le
hace sangrar y no logra eliminar.

Muerte: Cuando en el 27 de agosto de 1635 Lope de Vega
muere, la Europa literaria
se estremece, España más y más Madrid. Ha
muerto el Fénix de los Ingenios, el Monstruo de la
naturaleza, el
Creador del Tesoro Español.

La fama: Fama que él buscaba y quería, le
corona al final de la vida como le había aplaudido
numerosas veces a través de un pueblo que lo admiraba y
era condescendiente con sus flaquezas humanas con tal de que
siquiera dándole una producción literaria, sobre
todo en el escenario, única en el mundo.

Las
principales obras de Lope de Vega son las
siguientes:

Caracteres del Teatro de Lope de
Vega

A.-Caracteres formales:

1.-Polimetría: Ni en su obra
total, ni en las escenas de cada obra, se esclaviza a un metro o
a una estrofa. El único determinante de la estrofa o el
verso son los sentimientos y el asunto que tratan los personajes.
En sus obras entramos en hermosa convivencia: el romance (para
narrar), las redondillas (para dialogar), el soneto (para los
monólogos), las décimas (para expresar los estados
de angustia o quejas).

2.-Convivencia de géneros: En sus obras
dramáticas se fusionan admirablemente "lo lírico" y
"lo dramático" sin que esto ultimo sufra por la presencia
aquello.

No solo, sino que frecuentemente entra en sus dramas El
folklore con
su mundo de danza y su
música
para enriquecer el espectáculo.

De este modo se la dan la mano "lo popular" y "lo
culto".

3.-Rompimiento con las tres unidades: rompe a
conciencia con las llamadas tres unidades clásicas y lega
español esta insubordinación.

Nada de unidad de acción: un solo asunto en cada
drama.

Nada de unidad de tiempo: que se realice en veinticuatro
horas.

Nada de unidad de lugar: dentro de un mismo
escenario.

B.-Caracteres de contenido:

Temática imperante: El honor al Rey, la fe. Son
los temas mas frecuentes, fruto de su triple
sentimiento:

Sentimiento monárquico: Al Rey lealtad y
fidelidad a toda prueba. El Rey es para todos sin
distinción de clases
sociales. El encanta la justicia. En Lope aparece por primera
vez en escena.

Sentimiento del honor: La ofensa del honor es la
más alta ofensa y exige reparación inmediata y
secreta para no revelar la pérdida del honor. No hace
falta esperar al Rey, pues por encima esta el honor.

Sentimiento Nacional, Social y Democrático: Lope
nacionaliza todo lo que toca y a la vez es la expresión de
la sociedad española en que vive: España, Madrid y
el pueblo siempre bajo su lupa y su amor.

Cantan las virtudes populares y al censurar los defectos
de la sociedad nunca lo hacen con amargura, sino en forma jovial
y hasta condescendiente.

En el teatro de Lope las masas llegan a ser
protagonistas y a actuar como unidad,

3.- La Mujer: La mujer juega en su
dramática un rol predominante: por ella el amor, los
celos y la vida por el honor.

La mujer va adquiriendo un aire de independencia
frente al varón y de autodefensa. Para defender su honor
no necesita a veces recurrir al varón. Ella toma su
venganza.

C.-Otros caracteres:

1.-Naturalidad:

Lope, no sólo escribe del pueblo, sino para el
pueblo. Por eso utiliza un lenguaje sencillo, espontáneo y
natural. Nada de rebuscamientos. Su teatro no es obra de
razonador, no es técnico. Escribe para lo que entiendan y
disfruten de sus dramas todos espectadores.

2.-Dinamismo:

Los personajes de Lope de Vega y luego el Teatro
Español no son, en general, personajes que razonan, sino
que actúan.

Lo que sienten y piensan mas lo dicen con las manos que
con las palabras. Esto imprime a la acción
dramática un ritmo acelerado y vibrante que pone al
espectador más que filosofar, a emocionarse. Son dramas
vivos y llenos de plasticidad.

3.-Superficialidad de los
caracteres:

El estudio que hace Lope de sus personajes, no es un
estudio profundo, sino más bien superficialidad. En el
estudio de los caracteres. Le ganaron los discípulos, —
Tirso, Guillén de Castro y Calderón— y otros
dramaturgos europeos, — Shakespeare Corneille—.

No los analiza minuciosamente, pero a veces con pocos
rasgos los pinta maravillosamente. Quizás no llegó
a ese estudio pormenorizado de los repliegues del alma porque
él escribía para grandes masas madrileñas
ávidas en acción y no de
análisis.

4.- Duplicidad de
acción:

Esa variedad, el público y el cuidado de no
llevar la tensión a los estados trágicos, le
fuerzan a dar carta de nacionalidad
al "gracioso" o tipo cómico que interviene en los momentos
tensos para descargarlos. Así la risa no permite que la
lágrima salga.

Junto con la acción principal de los personajes
secundarios viven otra acción casi semejante donde el tono
predominante es el humor.

5) ¿Que es Teatro de vanguardia?

El Teatro de vanguardia es un movimiento
teatral que surge paralelamente a la antinovela o nueva novela (v.),
en Francia, alrededor de
1950, un fenómeno teatral que se
caracteriza por la negación de las formas establecidas y
por la búsqueda de un nuevo y original lenguaje
escénico. Sus precedentes se hallan en las tendencias
innovadoras en el teatro desde incios del siglo
XX, uno de cuyos primeros exponentes fue la obra
"Ubu rey" de Alfred
Jarry (1896) así
como la enorme influencia de Antonin Artaud
(1896-1948) con su libro "El
Teatro y su doble"

Como en la nueva novela, no puede hablarse de escuela o de
movimiento, sino más bien de analogía entre varios
autores en orden a la problemática teatral, tanto en su
aspecto técnico como de contenido. De aquí que toda
etiqueta resulte demasiado estrecha para englobar a escritores
que proceden de distintos horizontes literarios,
ideológicos y geográficos (es curioso observar que
los más importantes autores vanguardísticos han
nacido fuera de Francia, pero su
producción dramática se hace en francés y
sobre todo pensando en París), y
que únicamente tienen en común un determinado
número de premisas.

Estas premisas son esencialmente negativas y se
concretan en un triple abandono: abandono de la intriga
convencional, abandono de la psicología como
resorte escénico y abandono de todo
realismo. En lugar de personajes bien
caracterizados, de una estructura lógicamente construida y
de diálogos brillantes, las antipiezas del nuevo teatro
nos presentan el reflejo de un mundo de pesadilla y una
reflexión sobre el lenguaje hecha de absurdo e
incongruencia.

Características

• Es un teatro "antinecdotico": no le interesan
  hechos; Le interesan "los estados de animo ". La exposición, nudo y el desenlace se dan
  a su manera…
• No siempre el ecritor los crea con textura real;
  sino que frecuentemente son invisibles y solo son percibidos
  por la "imaginación" del publico.
• Los escenarios a veces son "reales" o simplemente
  "sugeridos"; pero muchas veces son escenarios de
  ensueño, oníricos, como corresponde a seres
  invisibles que los habitan. E en otras palabras: se rompen la
  lógica espacial.
• No le brida al publico un mensaje claro. Deja que
  el respetable debata en sacar una conclusión que
  naturalmente no es coincidencia…

En el mejor de los casos la sugiere de una manera muy
precisa.

• Rompe la lógica temporal de forma que los
  personajes mezclan y entrecruzan el pasado, el presente y el
  futuro si pasarnos previo aviso para que nos
  situemos.

Hay que hacer malabarismos mentales para ubicarnos con
el personaje.

6) ¿Que es teatro del
absurdo?

El teatro del absurdo es un término que abarca un
conjunto de obras escritas por
ciertos dramaturgos
estadounidenses y europeos
en los años 1940,
'50 y '60 y, en
general, el estilo teatral que
surgió a partir de la obra de aquellos. Se caracteriza
por tramas que parecen carecer de
significado, diálogos
repetitivos y falta de secuencia dramática que a
menudo crean una atmósfera
onírica. En el teatro del absurdo tiene
fuertes rasgos existencialistas y
cuestiona a la sociedad y el
hombre. A través del
humor y la mitificación
escondían una actitud muy exigente hacia su
arte.

Precedente

Sus raíces pueden encontrarse en las obras de
"moralidad
alegórica" de la Edad Media y en
los autos
sacramentales (dramas religiosos alegóricos) de la
España barroca, en la literatura del "no-sentido" de
autores como Lewis Carroll, en las
obras de ensueño de Strindberg y las novelas de
James Joyce y Franz
Kafka, en el drama grotesco de Alfred
Jarry; y en las farsas fráticas de Georges
Feydeau.

Obras que tuvieron como continuadores directos el
movimiento dadaísta y el
surrealismo de los años 20 y 30. Una de
las fuentes teóricas más potentes del teatro del
absurdo fue El teatro y su doble, obra
originalmente publicada en 1938 de
Antonin Artaud, creador del estilo del teatro de la
crueldad.

Origen

Los autores comenzaron a aglutinarse bajo la etiqueta de
lo absurdo como una forma de acuerdo
frente a la ansiedad, lo salvaje y la duda ante un universo
inexplicable y recayeron en la
metáfora poética como un medio
de proyectar sus más íntimos estados. Es por ello
que las imágenes
del teatro absurdo tienden a asumir la calidad de
la fantasía, el
sueño y la
pesadilla, sin interesarle tanto la
aparición de la realidad objetiva como la percepción
emocional de la realidad interior del autor. Así, por
ejemplo, la obra Días felices de
Beckett
(1961) expresa una generalizada
ansiedad del hombre sobre la
aproximación de la muerte, a
través de la imagen concreta
de una mujer hundida hasta la cintura en el suelo en el
primer acto y hasta el cuello en el segundo, mientras que
en Rinocerontes de Ionesco
(1960) se muestra la ansiosa
preocupación acerca del esparcimiento de las inhumanas
tendencias totalitarias mostrando a la
población de una ciudad
transformándose en salvajes paquidermos.

Entre los principales dramaturgos del teatro del absurdo
se cuentan Alfred Jarry,
Antonin Artaud, Virgilio
Piñera, Eugène
Ionesco, Samuel
Beckett, Jean
Genet, Tom
Stoppard, Arthur
Adamov, Harold Pinter
y Slawomir Mrozek. Algunas obras
representativas son: Esperando a
Godot, de Beckett y El
rinoceronte, de Ionesco, o de este último
también La cantante
calva. Fuera del teatro: algunas de las
películas de Luis
Buñuel podrían catalogarse de
absurdistas, si bien la clasificación es
discutible.

Dramaturgo del
absurdo

La literatura del absurdo da muestra de la
filosofía del
dramaturgo de la cual Beckett es uno de los
máximos representantes. Aunque más bien a Beckett
se le relaciona con el Teatro del absurdo donde la tragedia y la
comedia chocan en una ilustración triste de la condición
humana y la absurdidad de la existencia. El dramaturgo del
absurdo viene a ser un investigador para el cual el
orden, la libertad,
la justicia, la
"psicología" y el
lenguaje no son más que una serie de
sucesivas aproximaciones a una realidad
ambigua y decepcionante. El dramaturgo del absurdo
desmantelará el viejo universo
cartesiano y su manifestación
escénica.

Término

El término lo acuñó el
crítico Martin Esslin, quien lo
convirtió en título de un libro de
1962 sobre la materia. Esslin consideró
que estos dramaturgos daban expresión artística a
la filosofía del absurdo
de Albert Camus que indica que
la vida es inherentemente absurda y tal
es su sentido. Camus, en particular, decía que la
humanidad tenía que resignarse a
reconocer que una explicación complementamente
racional del universo estaba más
allá de su alcance; en ese sentido, el mundo debe ser
visto como absurdo.

Conclusión

Un poco mas de un siglo , los griegos crearon dramas y
comedias que aun interesan y conmueven.

En cierta ocasion cuando esquilo era un niño , su
padre lo mando al viñedo , a vigilar que nadie robara la
uva madura , segun una leyenda antigua .se quedo dormido y tuvo
un sueño en el que se le aparecio dionisios , el dios del
vino y la alegria , y le ordeno que escribiera una tragedia. la
escribio ,y otra y despues otra mas hasta cerca de noventa
llegando a convertirse en uno de los tres mejores poetas
dramaticos que jamas hayan existido .

Se llama teatro al edificio
destinado a la representacion de obras dramaticas o a otros
espectaculos propios de la escena. teatro
es, tambien, el arte de componer
obreas dramaticaso de representarlas. el en el oriente antiguo
las representaciones teatrales se niciaron en festividades
dedicados a danza y representaciones
mimicas. pero estads escenas tienen su origen en el
hombre primitivo, que al realizar danzas y ciertos
movimientos ritmicos en honor al fuego, al sol, a la
lluvia el agua y otros fenomenos
naturales, inicia los ritos religiosos y las representaciones
aunque muy rudementarios, son el origen del teatro.

Estas escenas tuvieron repercusion en la
china antigua, en el japon y en la
india, en ceremonias en honor
brahama.

En la coronacion de los faranes egipcios se hacian
representaciones teatrales del significado simbolico pero
correspondio a grecia la creacion de un
edificio destinado al teatro. para las fiestas que se celebran en
el campo en la epoca de la vendimia, llamadas pequeñas
dionisiacas, de levantaban tabladillos debajo de emparrados. pero
a medida que la literatura dramatica se
fue desarrollando, exigio que el lugar de la representacion de
las obras tuviera caracteristicas especiales. los griegos tomaron
como modelos para sus primitivos
teatros los estadios y los hipodromos, cuyas ganaderias permitian
al publico presenciar el espectaculo. los arquitectos helenos
buscaron terrenos accidentados , generalmente en la vertiente de
una colina , para construir ganaderias en forma de
semicirculo.

Los primeros teatros griegos coonstaban de dos partes
escenciales: un espacio circular en cuyo centro se alzaba la
estatua de dionisios y el hemiciclo con para los espectadores. a
medida de que los coros se ciñeron al
texto de la obra representada , los teatros se
transformaron.

El primer teatro de piedra construido en
grecia fue dedicado a dionisio en atenas y
sirvio de modelo para otros. este
teatrose termino de construir bajo la
administracion de licurgo , entre los años
330 a 340 antes de jesucristo. se dividia en tres partes
fundamentales : la orquesta , que formaba un circulo casi
completo , el lugar para los espectadores y la escena.

Autor:

Nestor Sanz

Jesus Chávez