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Movimientos artísticos (página 2)




Enviado por Digicentro Famal



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  1. Artículo principal: Arquitectura
    barroca

    La arquitectura barroca se desarrolla desde
    el principio del siglo XVII hasta dos tercios del siglo
    XVIII. En esta última etapa se denomina estilo
    rococó. Se manifiesta en casi todos los
    países europeos y en lo que eran por aquel entonces
    los territorios de España y Portugal en América, hoy países
    independientes. El barroco
    se da también en otras artes, como Música, Literatura,
    Pintura
    y Escultura.

    Fresco barroco Catedral de la
    Sanción de Valladolid

  2. Arquitectura

    Artículo principal: Escultura
    barroca

    La escultura barroca se desarrolla a
    través de las creaciones arquitectónicas,
    sobre todo en estatuas, y también en la
    ornamentación de ciudades en plazas, jardines o
    fuentes.
    En España también se manifestó en
    imágenes religiosas talladas en
    madera,
    en la llamada imaginería que esperaban despertar la
    fe del pueblo.

    Éxtasis de Santa
    Teresa

  3. Escultura

    Artículo principal: Pintura
    barroca

    Durante el Barroco la pintura
    adquiere un papel prioritario dentro de las manifestaciones
    artísticas. Siendo la expresión más
    característica del peso de la religión en los países
    católicos y del gusto burgués en los
    países protestantes.

    Se desarrollan nuevos géneros como los
    bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas, así
    como se enriquece la iconografía de asunto
    religioso. Existe una tendencia y una búsqueda del
    realismo
    que se conjuga con lo teatral y lo efectista.

    Venus del espejo Las
    Meninas

  4. Pintura
  5. Música

Artículo principal: Música
barroca

La música barroca es el estilo musical
relacionado con una época cultural europea, que abarca
desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII
(aproximadamente en 1600) hasta la mitad del siglo
XVIII

  1. El petit Trianon, apartamento que
    Madame de Pompadour, amante de Luis XV y promotora del
    Rococó, se hizo construir para alejarse del ambiente
    palaciego de Versalles.

    El columpio, obra maestra de Fragonard, donde
    se recoge el espíritu refinado, exótico y
    sensual propio del Rococó.

    El Rococó es un movimiento
    artístico nacido en Francia,
    que se desarrolla de forma progresiva entre los años
    1730 y 1760.

    El Rococó se define por el gusto por los
    colores
    luminosos, suaves y claros. Predominan las formas inspiradas
    en la naturaleza, en la mitología, en la belleza de los cuerpos
    desnudos, en el arte oriental
    y especialmente en los temas galantes y amorosos. Es un arte
    básicamente mundano, sin influencias religiosas, que
    trata temas de la vida diaria y de las relaciones
    humanas. Es un estilo que busca reflejar lo que es
    agradable, refinado, exótico y sensual.

      1. Su precedente se sitúa en los inicios
        del siglo XVIII coincidiendo con la regencia de
        Felipe de Orleans, cuando empezaron los
        tímidos cambios que anunciaban el final del
        estilo tardobarroco y su evolución hacia la
        expresión de un gusto más
        contemporáneo, independiente y hedonista,
        contrapuesto al arte oficial, inflexible y ostentoso
        del reinado de Luis XIV. La transición del
        Rococó, también conocido como el
        «estilo Luis XV», a nuevas formas y
        expresiones artísticas, empezó hacia el
        1760. Las excavaciones entre 1738 y 1748 de Pompeya y
        Herculano y su divulgación despertaron una
        verdadera fascinación por el «gusto a la
        griega», embrión del que, una vez
        consolidado, conoceríamos como Neoclasicismo y que coincide con el
        reinado de Luis XVI.

        Del Barroco al
        Rococó

        La basílica de
        Ottobeuren (Baviera): los espacios
        arquitectónicos confluyen y se dispersan, como
        si tomasen vida.

        Durante el reinado de Luis XV la vida de la
        corte se aleja del palacio de Versalles, extendiendo
        el cambio artístico del palacio
        real y permiten su difusión a toda la alta
        sociedad francesa. La delicadeza y la
        alegría de los motivos Rococó han sido
        vistos a menudo como una reacción a los
        excesos del régimen de Luis XIV.

        Si lo Barroco estaba al servicio del poder absolutista, el Rococó
        está al servicio de la aristocracia y la
        burguesía. El artista deja de ser un servidor del poder y trabaja con
        más libertad y se inicia el mercado del arte. El Rococó se
        presenta como un arte al servicio de la comodidad, el
        lujo y la fiesta. Las escenas de su pintura recogen
        este nuevo estilo
        de vida y la arquitectura se transforma y se
        modifica la forma de vivir.

      2. Contexto histórico y
        social

        Palacio Solitude (Stuttgart, Alemania) – un exponente de la
        arquitectura Rococó en la Alemania
        meridional.

        Una de las características del estilo
        Rococó será la marcada diferencia entre
        exteriores e interiores. El interior será un
        lugar de fantasía y colorido mientras la
        fachada se caracterizará por la sencillez y la
        simplicidad. Se abandonan los órdenes
        clásicos y las fachadas de los edificios se
        distinguirán por ser lisas, teniendo, como
        mucho, unas molduras para separar plantas o enmarcar puertas y ventanas.
        La forma dominante en las edificaciones
        rococós era la circular. Un pabellón
        central, generalmente entre dos alas bajas y curvas
        y, siempre que era posible, rodeado de un
        jardín o un inmerso parque natural. Otras
        edificaciones podían tomar la forma de
        pabellones encadenados, en contra del típico
        edificio «bloque», propio de la etapa
        anterior.

      3. Arquitectura

        Artículo principal: Pintura
        rococó

        Peregrinación a
        Cythera
        de Jean-Antoine Watteau (1721,
        Louvre).

        A pesar de que el Rococó debe de su
        origen puramente a las artes decorativas, el estilo
        mostró su influencia también en la
        pintura, llegando a su máximo esplendor en la
        década de 1730. Esta pintura debe llamarse
        propiamente como Pintura Galante y no como Pintura
        Rococó, pues este término engloba el
        contexto estético en que se encontraba. Los
        pintores usaron colores claros y delicados y las
        formas curvilíneas, decoran las telas con
        querubines y mitos de amor. Sus paisajes con fiestas
        galantes y pastorales a menudo recogían
        comidas sobre la hierba de personajes
        aristocráticos y aventuras amorosas y
        cortesanas. Se recuperaron personajes
        mitológicos que se entremezclan en las
        escenas, dotándolas de sensualidad,
        alegría y frescura.

      4. Pintura

        Cupido de Edmé
        Bouchardon (1750).

        La escultura es otra área en la cual
        intervinieron los artistas rococó.
        Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) es
        considerado uno de los mejores representantes del
        rococó francés. En general, este estilo
        fue expresado mejor mediante la delicada escultura de
        porcelana, más que con estatuas
        marmóreas e imponentes. El mismo Falconet era
        director de una famosa fabrica de porcelana en
        Sèvres. Los motivos amorosos y alegres son
        representados en la escultura, así como la
        naturaleza y la línea curva y
        asimétrica.

      5. Escultura
      6. Música
    1. Historia
  2. Rococó

  3. El estilo galante fue el equivalente del
    Rococó en la historia de la
    música, situado entre la música barroca y la
    música clásica, y no es fácil definir este
    concepto con
    palabras. La música rococó se desarrolló
    al margen de la música barroca, particularmente en
    Francia. Puede ser considerada como una música muy
    intimista realizada de forma extremadamente refinada. Entre los
    máximos exponentes de esta corriente se puede citar a
    Jean Philippe Rameau y Carl Philipp Emanuel Bach.
  4. Romanticismo

Viajero frente al mar de niebla de Caspar
David Friedrich (Kunsthalle, Hamburgo)

El Romanticismo es un movimiento cultural y
político originado en el Reino Unido y Alemania a finales
del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el
racionalismo
de la
Ilustración y el Neoclasicismo, dándole
importancia al sentimiento. Su característica fundamental
es la ruptura con la tradición neoclasicista basada en un
conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica
es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo
revolucionario es incuestionable. Debido a que el romanticismo es
una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al
hombre mismo
es que se presenta de manera distinta y particular en cada
país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma
nación
se desarrollan distintas tendencias proyectándose
también en todas las artes.

Características

El Romanticismo es una reacción contra el
espíritu racional e hipercrítico de la
Ilustración y el Neoclasicismo, y
favorecía, ante todo:

  • La conciencia
    del Yo como entidad autónoma.
  • La primacía del Genio creador de un Universo
    propio.
  • La supremacía del sentimiento frente a la
    razón neoclásica
    .
  • La fuerte tendencia nacionalista.
  • La del liberalismo
    frente al despotismo ilustrado.
  • La de la originalidad frente a la tradición
    clasicista
    .
  • La de la creatividad frente a la imitación
    neoclásica
    .
  • La de la obra imperfecta, inacabada y abierta
    frente a la obra perfecta, concluida y cerrada.
  1. Manifestaciones culturales

  1. Saturno devorando a un hijo, una de las pinturas
    negras de Goya, realizada durante el Trienio Liberal
    (1820-1823), y que, so capa mitológica, alude a la
    famosa frase de Vergniaud poco antes de ser guillotinado: La
    Revolución devora a sus propios
    hijos
  2. El movimiento literario Sturm und Drang (en
    alemán: tormenta e ímpetu), desarrollado durante
    la última mitad del siglo XVIII, fue el precedente
    importante del Romanticismo Alemán.
  3. Los autores importantes fueron (el joven) Johann
    Wolfgang von Goethe, (el joven) Friedrich Schiller y
    Friedrich Gottlieb Klopstock.

    Claude Monet, Impression: soleil
    levant 1872-1873. Cuadro al que debe su nombre el
    movimiento.

    Aunque el término Impresionismo se
    aplica en diferentes artes como música y literatura,
    su vertiente más conocida, y aquélla que fue la
    precursora, es la pintura impresionista. El movimiento
    plástico impresionista se
    desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX
    en Europa
    -principalmente en Francia- caracterizado, a grandes rasgos,
    por el intento de plasmar la luz (la
    "impresión" visual) y el instante, sin reparar en la
    identidad
    de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores
    pintaban formas con identidad, los impresionistas
    pintarán el momento de luz, más allá de
    las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue
    bautizado por la crítica como Impresionismo
    con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet
    "Impresión: sol naciente". Siendo diametralmente
    opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en
    el desarrollo
    del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las
    vanguardias.

      1. Édouard Manet

      Édouard Manet, Le
      déjeuner sur L'Herbe (1863).
      Museo de
      Orsay

      Édouard Manet, El bar
      del Folies-Bergère (1881-1882)
      Courtauld
      Institute de Londres

      Si hay un autor clave entre los precursores del
      movimiento impresionista, éste es Édouard
      Manet. Dos trabajos son esenciales en la
      comprensión de su influencia sobre el grupo.

      1. Con anterioridad al Impresionismo, el marco
        artístico, era dominado por un eclecticismo,
        al que respondió la generación de
        las rupturas estilísticas
        , una serie de
        rupturas que darán personalidad propia al arte moderno.
        La primera de ellas o, si se prefiere, su
        preámbulo, es el Impresionismo, un movimiento,
        resultado de una prolongada evolución, que
        coloca definitivamente al siglo XIX bajo el signo del
        paisaje y que busca un lenguaje nuevo basado en un
        naturalismo extremo.

        Tiende a usar con creciente frecuencia
        colores puros y sin mezcla, sobre todo los tres
        colores primarios y sus complementarios, y a
        prescindir de negros, pardos y tonos terrosos.
        Aprendieron también a manejar la pintura
        más libre y sueltamente, sin tratar de ocultar
        sus pinceladas fragmentadas y la luz se fue
        convirtiendo en el gran factor unificador de la
        figura y el paisaje.

      2. Inicios
      3. Florecimiento y primera exposición

      Nadar
      Autorretrato

      El año 1873 marcará un giro
      característico del Impresionismo: el paso de la
      fase preparatoria a la fase de florecimiento. Los tanteos
      estaban olvidados y el
      trabajo adelantado. Pisarro y Monet habían
      hecho en Londres estudios de edificios envueltos en
      nieblas; Alfred Sisley, aún más vaporoso,
      se les había adelantado por ese camino; Renoir se
      hallaba, de momento, bajo la total influencia de Monet; y
      Edgar Degas empezaba a tratar los tutús de sus
      bailarinas del mismo modo que Monet o Renoir las flores
      del campo.

    1. Historia

      1. 'Claude Monet, Catedral en
        Rouen. En la entrada principal de la catedral
        distinguimos azul ultramar y violeta para las sombras
        (colores más saturados que la parte superior,
        más iluminada) al igual que naranja dentro de
        la misma zona de sombra para definir los reflejos en
        la oscuridad.

        La segunda mitad del siglo XIX
        presenció importantes evoluciones
        científicas y técnicas que permitieron la
        creación de nuevos pigmentos con los que los
        pintores darían nuevos colores a su pintura,
        generalmente al óleo. Los pintores
        consiguieron una pureza y saturación del
        color hasta entonces impensables, en
        ocasiones, con productos no naturales. A partir del
        uso de colores puros o saturados, los artistas dieron
        lugar a la ley del "contraste cromático",
        es decir: "todo color es relativo a los colores que
        le rodean", y la "ley de colores complementarios
        enriqueciendo el uso de colores puros bajo
        contrastes, generalmente de fríos y
        cálidos.

      2. Colores Puros

        'Claude Monet, Catedral de
        Londres . Pinceladas lineales de colores puros dan
        lugar a una visión unitaria de atmósfera y gradación de
        cálidos a fríos.

        Seurat, La Parade. Los
        neoimpresionistas llevaron al extremo esta pincelada
        gestáltica, en este caso en forma de puntos,
        dando lugar a un color y forma unitarios.

        Aunque la teoría gestáltica
        apareció más adelante, los pintores
        impresionistas mostraron plásticamente lo que
        la psicología de la Gestalt vendría a demostrar
        psicológica y científicamente
        más adelante: perceptivamente, si se dan
        ciertas condiciones, partes inconexas dan lugar a un
        todo unitario.

        El uso de pequeñas pinceladas de
        colores puros resultó en un todo vibrante; y,
        aunque las pinceladas aisladamente no obedecieran a
        la forma o al color local del modelo, en conjunto -al ser percibidas
        global y unitariamente- adquirían la unidad
        necesaria para percibir un todo definido. Este
        recurso fue llevado al máximo por los
        neoimpresionistas, también conocidos como
        puntillistas como Seurat o Signac

      3. Pincelada
        Gestáltica
      4. "Forma"

      'Auguste Renoir, La
      Balançoire. La plasmación de la luz sobre
      el cuerpo es más importante que la descripción de su forma

    2. Técnica y estética impresionista

      1. Grupo impresionista
    3. Lista de autores
  4. Impresionismo

  • Frédéric Bazille
  • Gustave Caillebotte
  • Mary Cassatt
  1. Algunos impresionistas
    españoles
  • Aureliano Beruete
  • Adolfo Guiard
  • Anselmo Guinea Ugalde
  1. Galería de
    imágenes

Trouville. 1864. Eugène
Boudin

  1. Realismo

    Literatura proviene del
    latín "litterae", y es posiblemente un calco griego de
    "grammatikee". En latín, literatura significaba
    una instrucción o un conjunto de saberes o habilidades
    de escribir y leer bien, y se la relacionaba con el arte de
    la gramática, la retórica y la
    poética. Por extensión, se refiere a cualquier
    obra o texto
    escrito, aunque más específicamente al arte u
    oficio de escribir de carácter artístico y/o las
    teorías estudios de dichos textos.
    También se usa como referencia a un cuerpo o conjunto
    acotado de textos como, por ejemplo, la literatura
    médica o también conocida literatura
    española del siglo de oro,
    etc.

    1. La literatura se define por su
      literariedad

  2. Literatura
  3. Don Quijote y Sancho Panza, personajes de Don Quijote de la
    Mancha.
  4. En la búsqueda de definir qué es
    literatura y qué es lo literario, surgieron
    movimientos de teoría literaria para estudiar y
    delimitar su objeto de Estudio: La literatura. A comienzos
    del siglo XX, el formalismo ruso se interesa por el
    fenómeno literario, e indaga qué hace que un
    texto sea literario, o sobre la literaturidad de la obra.
    Roman Jakobson plantea que la literatura tiene
    particularidades en la forma, que la hacen diferente a otros
    discursos;
    una que llama función poética, que hace al
    lenguaje llamar la atención sobre sí mismo. En
    efecto, en la lengua de
    uso hay determinadas expresiones que se producen sólo
    porque producen un placer, un placer de naturaleza
    estética, en línea con lo que pensaba Aristóteles. El
    lenguaje combinaría recurrencias (repeticiones) y
    desvíos de la norma para enrarecerse, impresionar la
    imaginación y la memoria
    y llamar la atención sobre su forma expresiva.

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    búsqueda

    Una de las Bellas
    Artes es la pintura, por lo que se entiende como
    pintura artística al área en la
    clasificación clásica de las artes como el arte
    que trata la expresión empleando la teoría del
    color, por lo que se constituye como un arte primordialmente
    visual.

    Pinturas en
    Yucatán.

  5. Pintura artística

    Para otros usos de este término
    véase
    Política
    (desambiguación).

    La política (del griego
    πολιτικος
    (politikσs), «ciudadano, civil,
    relativo al ordenamiento de la ciudad») es el proceso y
    actividad orientada, ideológicamente, a la toma de
    decisiones de un grupo para la consecución de unos
    objetivos.
    La ciencia
    política estudia dicha conducta,
    mientras quienes desempeñan actividades de esta
    índole se denominan políticos. El
    término fue ampliamente utilizado en Atenas a partir
    del siglo V antes de Cristo, en especial gracias a la obra de
    Aristóteles titulada, precisamente,
    Política.

  6. Política
  7. Postimpresionismo

Este termino se aplica a los estilos pictóricos
de finales del siglo XIX y principios del XX
– tras el impresionismo. Fue acuñado por el crítico
británico Roger Fry en 1910, con motivo de la
exposición celebrada en Londres de pinturas de Paul
Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh. Este
término era sólo una extensión del
impresionismo como un rechazo a sus limitaciones. Los
post-impresionistas continuaron utilizando colores vivos, una
aplicación compacta de la pintura, pinceladas
distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar
más emoción y expresión a su
pintura.

Aunque los post-impresionistas basaron su obra en el uso
del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron
contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron
una visión más subjetiva del mundo. Seurat,
denominado neo-impresionista por sus criterios más
próximos al impresionismo, inventó una
técnica denominada puntillismo, cuyo ejemplo más
destacado es el cuadro Un domingo de verano en la Grande
Jatte
(1884-1886, Instituto de Arte de Chicago).

La obra de Cézanne, Gauguin y Van Gogh se
caracterizó por un uso expresivo del color y una mayor
libertad formal. Cézanne se interesó por resaltar
las cualidades materiales de
la pintura, representando seres vivos y paisajes,
volúmenes y relaciones entre superficies, como en Pinos
y rocas
(1895-1898, Museo de Arte Moderno, Nueva York). Su
interés
por las formas geométricas y la luz prismática
inherente en la percepción
de la naturaleza anticipó los experimentos del
cubismo.

Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad
comunicadora del arte popular, se centró en la
representación a base de superficies planas y decorativas,
como se aprecia en la obra Calvario bretón (1889,
Palacio de Bellas Artes, Bruselas). Van Gogh, por su parte, se
aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas
coloristas, evocadoras de las emociones
internas del artista. Su experimentación subjetiva,
ejemplificada en Noche estrellada (1889, Museo de Arte
Moderno de Nueva York), preludió el expresionismo.
Henri de Toulouse-Lautrec estuvo fuertemente influido por las
composiciones lineales de los grabados japoneses, y su obra se
caracterizó por los intensos grabados de contorno y los
colores planos.

Otros movimientos artísticos posteriores, como el
cubismo, el expresionismo, el fauvismo, el surrealismo y
el futurismo, presentaron algunas de las características
de la pintura impresionista: la libertad expresiva del artista y
el énfasis en el concepto abstracto del arte.

Fueron artistas post-impresionistas los
siguientes:

  • Paul Cézanne
  • Paul Gauguin
  • Harry Lachman
  • Georges Seurat
  • Henri de Toulouse-Lautrec
  1. Vincent van Gogh Postimpresionismo

Este termino se aplica a los estilos pictóricos
de finales del siglo XIX y principios del XX – tras el
impresionismo. Fue acuñado por el crítico
británico Roger Fry en 1910, con motivo de la
exposición celebrada en Londres de pinturas de Paul
Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh. Este
término era sólo una extensión del
impresionismo como un rechazo a sus limitaciones. Los
post-impresionistas continuaron utilizando colores vivos, una
aplicación compacta de la pintura, pinceladas
distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar
más emoción y expresión a su
pintura.

Aunque los post-impresionistas basaron su obra en el uso
del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron
contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron
una visión más subjetiva del mundo. Seurat,
denominado neo-impresionista por sus criterios más
próximos al impresionismo, inventó una
técnica denominada puntillismo, cuyo ejemplo más
destacado es el cuadro Un domingo de verano en la Grande
Jatte
(1884-1886, Instituto de Arte de Chicago).

La obra de Cézanne, Gauguin y Van Gogh se
caracterizó por un uso expresivo del color y una mayor
libertad formal. Cézanne se interesó por resaltar
las cualidades materiales de la pintura, representando seres
vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre
superficies, como en Pinos y rocas (1895-1898, Museo de
Arte Moderno, Nueva York). Su interés por las formas
geométricas y la luz prismática inherente en la
percepción de la naturaleza anticipó los
experimentos del cubismo.

Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad
comunicadora del arte popular, se centró en la
representación a base de superficies planas y decorativas,
como se aprecia en la obra Calvario bretón (1889,
Palacio de Bellas Artes, Bruselas). Van Gogh, por su parte, se
aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas
coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Su
experimentación subjetiva, ejemplificada en Noche
estrellada
(1889, Museo de Arte Moderno de Nueva York),
preludió el expresionismo. Henri de Toulouse-Lautrec
estuvo fuertemente influido por las composiciones lineales de los
grabados japoneses, y su obra se caracterizó por los
intensos grabados de contorno y los colores planos.

Otros movimientos artísticos posteriores, como el
cubismo, el expresionismo, el fauvismo, el surrealismo y el
futurismo, presentaron algunas de las características de
la pintura impresionista: la libertad expresiva del artista y el
énfasis en el concepto abstracto del arte.

Fueron artistas post-impresionistas los
siguientes:

  • Paul Cézanne
  • Paul Gauguin
  • Harry Lachman
  • Georges Seurat
  • Henri de Toulouse-Lautrec
  • Vincent van Gogh

  1. Clima gris. Seurat (1888) Puntillismo
    musical

Método de composición musical derivado del
puntillismo.

Algunos músicos, trasladaron las conclusiones del
método
"puntillista" y lo contrastaron con lo musical. Así como
el ojo compone colores que no están ahí, el
oído
hace lo propio: relaciona los sonidos separados y los interpreta
como una melodía. Pero, al contrario que el movimiento
pictórico, el puntillismo musical persiguen la
disociación.

Son piezas de gran riqueza contrapuntística (ver:
contrapunto), que consisten de grandes bloques temporales de
pocos sonidos muy espaciados entre si (rarefacción), que
ocasional y eventualmente se condensan para volver a dispersarse.
Por ejemplo la "Polifónica-Monodia-Rítmica" de
Luigi Nono (1951), "Kontra-Punkte" de Stockhause.

  1. Fovismo o Fauvismo (del francés
    fauve pronunciado "fov": fiera), término
    español para denominar el estilo
    pictórico de características expresionistas
    tales como el uso de colores intensos, principalmente el
    verde. Destaca sobre todo por ese cromatismo antinatural.
    Buscan la fuerza
    expresiva del color aplicando colores distintos a los que
    pueden verse en la realidad, por ejemplo, árboles amarillo limón o rostros
    de color verde esmeralda.

    En 1904 Henri Matisse (padre del fovismo),
    pintó Lujo, Calma y Voluptuosidad, considerada como la
    obra síntesis del postimpresionismo,
    manipulado en un ejercicio personal, y
    virtualmente un manifiesto de lo que sería el fovismo
    poco después. La utilización subjetiva del
    color y la simplificación del dibujo
    sorprendieron a todos cuando fue expuesto en el Salón
    de los Independientes en 1905. André Derain se
    sintió inmediatamente influido y comenzó a
    pintar utilizando nada más que la línea y el
    color. Su desinterés por el acabado y sus colores
    chillones le granjearon el desprecio de la crítica
    cuando expuso sus paisajes, pintados en Colliure, en el
    Salón de Otoño de 1906. Allí
    también se expuso el Retrato de la Sra. Matisse de
    Matisse, que fue interpretado como una caricatura de la
    feminidad y como una excentricidad. La repulsa de la
    crítica convirtió a los fovistas en el grupo
    más avanzado de París.

    1. Pintores fauves
  2. Fauvismo

  • Henri Matisse
  • Maurice de Vlaminck
  • André Derain
  • Albert Marquet
  • Georges Rouault
  • Raoul Dufy
  • Georges Braque

    1. Cubismo

Juan Gris,Guitarra y mandolina,
1919, Galerie Beyeler, Basel

El cubismo fue un movimiento artístico
desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado
por Guillaume Apollinaire, pero también teniendo como
principales fundadores a Pablo Picasso,
Georges Braque y Juan Gris. El cubismo trata las formas de la
naturaleza por medio de figuras geométricas,
representando todas las partes de un objeto en un mismo plano.
Es considerada la primera vanguardia
ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente
a principios del siglo XX, la perspectiva. La
representación del mundo pasaba a no tener ningún
compromiso con la apariencia real de las cosas. Además
es un avance pues el arte acepta su condición de arte, y
permite que esta condición se vea en la obra, es decir
es parte intrínseca de la misma. Nació en el
Salón de los Independientes.

El término cubismo fue acuñado por el
crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que
había desdeñado a los fauvistas
motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y
sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente,
que era una pintura compuesta por «pequeños
cubos». Se originó así el concepto de
«cubismo», que maduró entre 1908 y
1914.

A pesar de ser pintura de vanguardia los
géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se
encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos. Picasso y
Braque crean dos tendencias del cubismo.

La primera es el cubismo analítico
(1910-1912), en donde la pintura es casi monocroma. Los colores
en este momento no interesaban pues lo importante eran los
diferentes puntos de vista y la geometrización, no el
cromatismo. En este período se incluye otro tipo de
cubismo: el cubismo hermético. Estas obras
parecen casi abstractas por la cantidad de puntos de vista
representados, de este modo la imagen
representada era casi imposible de ver, a no ser por algunos
objetos como una pipa, o letras de periódico, que permiten distinguir lo que
se está representando. El cubismo hermético se
llevó tan lejos, que con miedo de caer en la
abstracción, se transformó en lo que se conoce
como el segundo período que es el cubismo
sintético
(1912-1914). El cubismo sintético
lo inició Braque al poner papel collé
pegado directamente en la pintura. Picasso y Braque comenzaron
a poner periódicos y esto evolucionó en lo que es
hoy en día el collage. Estas obras son más
sencillas y parecen estar ensambladas, formadas por diversos
materiales cotidianos como tiras de papel de periódico,
cajetillas de cigarros o cajas de cerillas.

El primer estudio teórico del cubismo lo
hicieron Albert Gleizes y Jean Metzinger, con su obra Du
cubisme
(1912). El cubismo es esencial como movimiento pues
da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo
XX.

Fue el francés Apollinaire quien lo
adaptó en la literatura. Busca recomponer la realidad
mezclando imágenes y conceptos al azar. Una de sus
aportaciones fue el caligrama. Igualmente, en defensa de la
pintura cubista escribió Les peintres cubistes
(1913).

  1. Pintores cubistas
  • Albert Gleizes
  • Juan Gris
  • Fernand Léger
  • Francis Picabia
  • Pablo Picasso Famoso pintor cubista y otras
    más
  • Georges Braque
  • Wifredo Lam
  • Louis Marcoussis
  • Jean Metzinger
  • Henri Le Fauconnier
  1. Diseño urbanístico
    futurista de Antonio Sant'Elia

    Futurismo, movimiento inicial de las
    corrientes de vanguardia artística, fundado en
    Italia por
    Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste
    du Futurisme, el 20 de febrero de 1909, en el diario Le
    Figaro de París.

    El futurismo surge en Milán, Italia impulsado
    por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento rompía
    con la tradición, el pasado y los signos
    convencionales de la historia del
    arte. Consideraba como elementos principales de la
    poesía el valor, la
    audacia y la revolución, ya que se pregonaba el
    movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso
    gimnástico, el salto peligroso y la bofetada.
    Tenía como postulados: la exaltación de lo
    sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la
    máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo
    objetivo
    de lo literario y la disposición especial de lo
    escrito, con el fin de darle una expresión
    plástica. Rechazaba la estética tradicional e
    intentó ensalzar la vida contemporánea,
    basándose en sus dos temas dominantes: la
    máquina y el movimiento. Se recurría, de este
    modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas,
    arquitectura, urbanismo, publicidad, moda,
    cine,
    música, poesía) capaz de crear un verdadero
    arte de acción, con el propósito de
    rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo. El poeta
    egipcio Filippo Tommaso Marinetti recopiló y
    publicó los principios del futurismo en el manifiesto
    de 1909. Al año siguiente los artistas italianos
    Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi
    Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto del
    futurismo.

    El futurismo se caracterizó por el intento de
    captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso
    acciones
    consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una
    serie de fotografías tomadas a gran velocidad
    e impresas en un solo plano.

    1. Formas únicas de la
      continuidad en el espacio
      , escultura de bronce obra
      de Umberto Boccioni, 1913, Museo de Arte Moderno de Nueva
      York

      Marinetti concibió esta nueva
      estética, inspirado en la Patafísica de
      Alfred Jarry y Remy de Gourmont y en procedimientos estilísticos, que
      este movimiento literario, no asumió, respecto de
      ninguna tradición formal, ni cultural previa. El
      futurismo fue llamado así por su intención
      de romper absolutamente con el arte del pasado (el
      llamado Pasadismo), y por considerar que los museos, en
      especial en Italia, eran sitios equivalentes a los
      cementerios, donde la tradición artística
      común, lo impregnaba todo.

    2. Estética
    3. Trascendencia del Futurismo
  2. Futurismo

La importancia que tuvo el Futurismo, más
allá de sus méritos artísticos, a comienzos
del siglo XX, fue la de recrear una estética desde cero,
posibilitando, de este modo, una renovación espectacular
de los principios y técnicas artísticas, que
aún tiene consecuencias, incluso, en la actualidad. Fue el
primero de los ismos o vanguardias artísticas y su valor
como movimiento rupturista allanó el camino a las
demás corrientes que refrescaron el panorama
artístico en los albores del siglo XX.

Neoplatisismo

O termo Neoplasticismo refere-se ao movimento
artístico de vanguarda capitaneado pela figura de Piet
Mondrian, relacionado à arte abstrata. O Neoplasticismo
defendia uma total limpeza espacial para a pintura, reduzindo-a a
seus elementos mais puros e buscando suas características
mais próprias. Muitos de seus ideais foram expostos na
revista De
Stijl (O Estilo).

A necessidade de ressaltar o aspecto artificial da arte
(criação humana) fez com que os artistas deste
movimento (notadamente Mondrian e Theo van Doesburg) usassem
apenas as cores primárias (vermelho, amarelo, azul) em seu
estado menos
saturado (artificial), assim como o branco e o preto
(inexistentes na Natureza, o primeiro sendo presença total
e o segundo ausência total de luz).

Claramente um movimento de arte de pesquisa, os
experimentos realizados pelos artistas neoplásticos foram
essenciais para a arquitetura moderna, assim como para a
formulação do que hoje se conhece por design.
Apesar de afastados da Bauhaus devido a questões pontuais,
ambos os movimentos fazem parte de um mesmo universo
cultural.

Embora muitos vejam o Neo-Plasticismo como produto da
revolta moral contra a
violência irracional que assolava a Europa, alguns outros
fatores foram essenciais para o nascimento do movimento, como o
cubismo, que desfigurou os modos tradicionais de
representação; o idealismo e a
austeridade do protestantismo holandês; o viés
místico da teosofia, movimento do qual Piet Mondrian era
membro.

O movimento teosófico, fundado por Helena
Petrovna Blavatsky (1831-1891), alegava ter resolvido o conflito
entre espiritualidade e ciência (conflito evidenciado,
principalmente, pela teoria da evolução de Darwin) ao
aplicar o conceito de evolução a uma escala
cósmica – todo o universo estaria evoluindo,
não só as espécies, e nós
estaríamos vivendo sucessivas encarnações
rumo à perfeição. A teosofia exerceu grande
influência no trabalho do matemático M.H.J.
Schoenmaekers, especialmente no tratado "Matemática
Expressiva", que influenciou fortemente a concepção
artística de Piet Mondrian na fase inicial do
Neo-Plasticismo.

Como resultado, o De Stijl era visto por seus
integrantes como mais do que um estilo artístico,
possuindo um caráter quase messiânico, sendo uma
forma de filosofia e
religião. Seus ideais primários eram
promover uma síntese místico-racional, uma busca
pela ordem, pela harmonia perfeita existente que poderia ser
acessível ao homem (e à sociedade) desde que este
se subordinasse a ela. Trata-se, portanto, de uma missão
de caráter ético-espiritual, a tentativa de
alcançar a "beleza universal" citada por
Mondrian.

Essa harmonia, essa ordem perfeita e universal poderia
ser alcançada, segundo os membros do De Stijl, com a
obediência às leis que regem a
produção artística, que previam uma arte
não-figurativa pois, "como representação
pura do espírito humano a arte expressar-se-á numa
forma esteticamente purificada, vale dizer, abstrata" . Como tal,
visando a expressão de um princípio universal, o
Neoplasticismo bania o individualismo excessivo (presente na arte
figurativa) e reduzia a pintura aos elementos constitutivos da
linha, do espaço, da cor (segundo Theo Van Doesburg, "o
quadrado é para nós o que a cruz era para os
antigos cristãos" ). Nas palavras do próprio
Mondrian:

"Uma expressão individual não se torna uma
expressão universal por meio da
representação figurativa, que se baseia em nossa
concepção do sentimento, seja clássica,
romântica, religiosa ou surrealista."

A arte não-figurativa, forma encontrada para
atingir a "expressão universal", não é,
todavia, fruto do inconsciente, do Id Freudiano, de
lembranças individuais e pré-natais. Esta forma de
expressão artística é fruto da
intuição pura, do pensamento puro, embora tanto
Mondrian quanto Van Doesburg admitam que os estímulos do
mundo exterior são indispensáveis, pois eles
provocam o desejo de criação, o desejo de tornar
concreto
(através da obra de arte) aquilo que só podemos
sentir de forma vaga e imprecisa, mas que é inerente
à vida e subjacente à realidade
visível.

Um paralelo pode ser traçado entre esse
sentimento voltado para a essência, além da
representação figurativa, e o pensamento
artístico de Platão – em certa medida, o De
Stijl corrobora o pensamento do filósofo grego acerca dos
méritos da arte enquanto cópia do mundo
físico ("cópia da cópia", segundo
Platão), colocando o "mundo das idéias" (na
visão do De Stijl, o princípio uno essencial
harmônico) como prioritário.

É importante ressaltar que os participantes do De
Stijl, em especial Piet Mondrian, não concebiam a arte
abstrata como sendo antagônica ou oposta à natureza.
Para os artistas, a arte abstrata opõe-se à
natureza animal e primitiva do homem, uma natureza grosseira que
não corresponde à verdadeira natureza humana,
encontrada nas leis universais, na essência que os
Neo-Plasticistas objetivavam alcançar.

De forma alternativa, a concepção do De
Stijl como uma tentativa de atingir o mundo como "Coisa-em-si"
também é justificável embora uma ressalva
importante tenha de ser feita – enquanto Schopenhauer
caracteriza o mundo como "Coisa-em-si" como incognoscível
e caótico, cuja única força motriz é
a Vontade, os teóricos do Neoplasticisimo afirmavam que
esse estado, a "Coisa-em-si", era dotado da mais perfeita
harmonia e equilíbrio, podendo ser alcançado
através de um processo de
‘purificação’.

A redução a formas elementares, neutras,
que por si só não provocam qualquer
reação individual –as linhas retas e cores
primárias – nos leva a duas outras
preocupações essenciais do teóricos do De
Stijl: a ênfase estrutural e a necessidade vital do
equilíbrio assimétrico.

Pelo equilíbrio assimétrico, entende-se o
comportamento dos artistas em atribuir valores
semelhantes a combinações de linhas e cores
diferentes, balanceando suas composições. Este
exercício quase matemático transforma a tela em um
plano e transforma o dualismo conteúdo-forma em uma
unidade inseparável. A noção de unidade
é fundamental – as relações
equilibradas devem ser a mais pura representação do
caráter universal da ordem, da harmonia e da unidade,
características que também estão presentes
na mente (se focalizarmos nela, seremos capazes de ver a unidade
natural).

Este dualismo conteúdo-forma é apenas um
entre os vários dualismos tratados por
Mondrian em seus escritos. Para o pintor holandês, o
Neo-Plasticismo tinha como missão reconciliar o dualismo
matéria-espírito, além de resolver o
dualismo entre individual e coletivo, resultado de uma
visão artística onde a expressão pela arte
deve refletir a consciência temporal do homem e
vice-versa.

Para Van Doesburg e Mondrian, portanto, o De Stijl
estaria cumprindo o papel de resolver o questionamento do homem
moderno e ilustrar o desenvolvimento da consciência do
homem do individual para o universal, a rejeição da
ênfase no individualismo (o Neo-Plasticismo seria, de certa
forma, a primeira expressão artística puramente
plástica porque não aceitava a predominância
da consciência individual). Nas palavras de Van
Doesburg:"Aquilo que se expressa positivamente na plasticidade
moderna – uma proporção equilibrada do
peculiar e da generalidade – manifesta-se mais ou menos
também na vida do homem moderno e constitui a causa
original da reconstrução social de que somos
testemunhas."

A composição, como forma principal de
expressão pela pintura, não renuncia ao elemento
humano, permitindo ao artista expressar sua subjetividade
enquanto for necessário, dando certa liberdade de escolha
quanto à disposição dos elementos e do
ritmo. O que ocorre é a redução
drástica dessa influência individual, aumentando
significativamente o caráter universal da obra.

Dentre as obras arquitetônicas do De Stijl, a
"Casa Schröder" projetada por Thomas Gerrit Rietveld
(1888-1964), artista extremamente fiel àas premissas
teóricas do movimento, é uma das mais
típicas – construída em Utrecht, em 1923-24,
caracteriza-se pelo uso de linhas retas, planos e cores
básicas como elementos constitutivos, "uma casa que se
diria feita não para, e sim pelos moradores, utilizando
elementos pré-fabricados" , abolindo elementos
ornamentais, com superfícies lisas, rejeitando a
aparência rústica (conforme pregou Mondrian em sua
obra "Le Néo-plasticisme: principe général
de l’équivalence plastique").

A preocupação estrutural, em detrimento de
quaisquer floreios ornamentais, expressa-se, portanto, não
só na pintura de Mondrian como na arquitetura dos adeptos
do De Stijl. O racionalismo de fundo místico, partindo da
premissa de uma essência harmônica universal (isto
é, um conceito impessoal de Deus), opera em todos os
níveis artísticos do Neo-Plasticismo.

Lista de importantes figuras do neoplásticismo,
incluindo artistas, designers e arquitetos:

  • Piet Mondriaan (1872 – 1944)
  • Theo van Doesburg (1883 – 1931)
  • Gerrit Rietveld (1888 – 1964)
  • Ilya Bolotowsky (1907 – 1981)
  • Marlow Moss (1890 – 1958)
  • Amédée Ozenfant (1886 –
    1966)
  1. El dadaismo se caracterizó por
    el empleo de
    materiales no convencionales con intención
    provocadora. Fountain de Marcel Duchamp. 1917.

    El dadá o dadaísmo fue
    un movimiento antiarte que surgió en Zúrich
    (Suiza) en 1916, que se caracterizó por gestos y
    manifestaciones provocadoras en las que los artistas
    pretendían destruir todas las convenciones con
    respecto al arte, creando una especie de anti-arte o
    rebelión contra el orden establecido.

    1. Movimiento artístico surgido en Europa y
      en Norteamérica. Apareció en Zúrich,
      Suiza entre 1916 y 1922 con Tristan Tzara como su
      fundador. Fue una oposición al pasado violento de
      la Primera Guerra
      Mundial. El poema dadaísta suele ser una
      sucesión de palabras y sonidos, lo que hace
      difícil encontrarle lógica. Se distingue por: la
      inclinación hacia lo dudoso, terrorismo, muerte
      y nihilismo, lo fantasioso, busca renovar la
      expresión mediante el empleo de materiales
      inusuales o manejando planos de pensamientos antes no
      mezclables y tiene una tónica general de
      rebeldía o destrucción.

      Caracterizado por gestos y manifestaciones
      provocadoras en las que los artistas pretendían
      destruir todas las convenciones con respecto al arte,
      creando un anti-arte. Sus orígenes se localizan
      cuando una serie de artistas de distintas nacionalidades
      se encontraron como refugiados en Zúrich durante
      la Primera
      Guerra Mundial.

      Artistas reconocidos de este movimiento fueron:
      Tristan Tzara y Marcel Jank de Rumanía, el
      francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball, Hans
      Richter y Richard Huelsenbeck. Tras varios encuentros
      informales en distintos cafés, empezó a
      tomar forma la idea de crear un cabaret internacional. La
      primera celebración tuvo lugar el 5 de febrero de
      1916 en el Cabaret Voltaire, y consistió en un
      espectáculo de variedades con canciones francesas
      y alemanas, música rusa, música negra y
      exposiciones de arte. El nombre Dadá lo
      encontraron casualmente en un diccionario Ball y Huelsenbeck mientras
      buscaban nombre artístico a una de las cantantes:
      pongámosle Dadá "…El primer sonido
      que dice el niño expresa el primitivismo, el
      empezar desde cero, lo que nuestro arte tiene de nuevo".
      En ese mismo año se publicó un panfleto
      titulado Cabaret Voltaire conteniendo aportaciones de
      Guillaume Apollinaire, Marinetti, Pablo Picasso, Amedeo
      Modigliani y Wassily Kandinsky; en la cubierta
      aparecía un dibujo de Arp. En 1917 se
      inauguró la Galería Dadá y
      Tristán Tzara comenzó la
      publicación.

      Dadá se presenta como una ideología total, como una forma de
      vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición
      o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo
      entendiendo por humanismo la tradición anterior,
      tanto filosófica como artística o
      literaria. No por casualidad en una de sus primeras
      publicaciones había escrito como cabecera la
      siguiente frase de Descartes: «No quiero ni siquiera
      saber si antes de mí hubo otro
      hombre.»

    2. Introducción
    3. Dadá en Berlín

    En Alemania es donde Dadá adquiere un cariz
    más marcadamente político.
    Ideológicamente, las posturas de los artistas
    dadaístas eran comunistas y, en algunos casos,
    anarquistas. Tras la guerra,
    Alemania entra en una crítica situación. Tras
    la revolución bolchevique, el partido Espartaquista
    alemán -la izquierda socialista- ensaya también
    la revolución en Alemania. En toda esa
    agitación social un grupo de artistas van a
    incorporarse a las tesis
    izquierdistas: será el Movimiento
    dadaísta.

    Procedente del grupo de Zúrich, Richard
    Huelsenbeck, trae a Berlín el espíritu
    dadaísta, pero mucho más radical contra las
    anteriores escuelas vanguardistas futurismo, cubismo. En
    1918, en el Salón de la Nueva secesión,
    Huelsenbeck da el primer discurso
    Dadá en Alemania, solidarizándose en primer
    lugar con los dadaístas de Zúrich para
    después atacar violentamente al cubismo, al
    expresionismo y al futurismo. Poco después
    elaboró el primer manifiesto dadaísta en
    Alemania. Huelsenbeck con el poeta Raoul Hausman promueve
    declaraciones y manifiestos a partir del "dadá
    Club".

    Al club Dadá que se unieron Kurt Schwitters,
    Georg Grosz,Hanna Höch y los hermanos Herfelde. El
    pintor Georg Grosz tenía marcadas tendencias políticas.

    La constitución de la República de
    Weimar en 1919 marca el fin
    de los proyectos
    políticos dadaístas y la resituación de
    este grupo en los marcos artísticos.

    El movimiento dadá berlinés
    pasará a la historia por la incorporación de
    las nuevas técnicas artísticas de
    difusión de ideas entre las masas, principalmente el
    fotomontaje. Los dadaístas utilizaron la
    técnica del fotomontaje para plasmar la realidad que
    les circundaba, utilizando material visual sacado de los
    medios de
    comunicación.

  2. Dadaísmo

    El término minimalista, en su ambito
    más general, es referido a cualquier cosa que se haya
    desnudado a lo esencial, despojada de elementos sobrantes, o
    que proporciona solo un esbozo de su estructura, y minimalismo es la
    tendencia a reducir a lo esencial. Se aplica también a
    los grupos o
    individuos que practican el ascetismo y que reducen sus
    pertenencias físicas y necesidades al mínimo,
    es tambien el signficado a simplificar todo a lo
    minimo.

    El término "minimal" fue utilizado por
    primera vez por el filósofo Richard Wolheim en 1965,
    para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt y a otros
    objetos de muy bajo contenido artístico como los
    ready-made de Marcel Duchamp

    1. Como movimiento artístico, se identifica
      con un desarrollo del arte occidental posterior a
      la Segunda
      Guerra Mundial, iniciado en los años 60 Segun
      el diccionario de la real academia española, el
      minimalismo es una corriente artística que utiliza
      elementos mínimos y básicos, como colores
      puros, formas geométricas simples, tejidos naturales, lenguaje sencillo,
      etc.

    2. Cultura

      1. Música
    3. Campos de acción
  3. Minimalismo

Artículo principal: Música
minimalista

En el mundo de la música, en los 35
últimos años, el término minimalismo se
aplica a veces a la música que muestra alguna de
las características siguientes (o todas):

  • repetición de frases musicales cortas, con
    variaciones mínimas en un período largo de
    tiempo;
  • estasis (movimiento lento), a menudo bajo la forma
    de zumbidos y tonos largos;
  • énfasis en una armonía
    tonal;
  • un pulso constante.

La primera composición que se considera
minimalista fue la obra de 1964 In C, de Terry Riley, a la
que siguieron, en la década de 1970 las obras de Steve
Reich y Philip Glass entre otros.

La música minimalista puede sonar a veces similar
a diferentes formas de música electrónica (e.g. Basic Channel),
así como a algunas composiciones basadas en la textura,
como alguna de las obras de Gyorgy Ligeti. A veces el resultado
final es similar, pero el procedimiento de
acercamiento no lo es.

El término minimalismo en música
—aplicado independientemente por los compositores y
críticos Michael Nyman y Tom Johnson— ha sido
polémico, pero tuvo un uso muy amplio desde mediados de
los años setenta. El uso de un término del mundo
del arte visual ha sido muy contestado; sin embargo, no
sólo la escultura minimalista y la música comparten
una cierta simplicidad de medios y una aversión al detalle
ornamental, sino que muchos de los primeros conciertos
minimalistas lo fueron en exposiciones de arte minimalista, como
las de Sol LeWitt y otros. ¡Varios compositores asociados
con el minimalismo han rechazado el término, sobre todo
Philip Glass, que ha dicho "¡que la palabra se debe echar a
patadas! " [1]

Se habla a veces de música minimal, como una
evolución musical, y de totalismo, como un movimiento
musical de reacción al minimalismo. Tambien se habla de
techno minimal, un género secundario de la música
de techno, se caracteriza por un bajo desnudo, sonido
entrecortado, un compas ritimico de 4/4 simple (generalmente,
alrededor de 120-135 BPM), una repetición de bucles
cortos, y cambios sutiles.

Algunos de los compositores que frecuentemente se
asocian con este movimiento son:

  • Philip Glass.
  • Steve Reich.
  • Terry Riley.
  • La Monte Young.
  • Michael Nyman.
  1. El minimalismo en otras artes

Museo de Arte de Bregenz, un ejemplo
de arquitectura minimalista. Su arquitecto es Peter
Zumthor.

  1. El Expresionismo abstracto es un movimiento
    pictórico contemporáneo dentro de la
    abstracción, en concreto, las tendencias informalistas
    y matéricas posteriores a la Segunda Guerra
    Mundial. Surgió en los años 1940 en
    Estados
    Unidos y se difundió, décadas
    después, por todo el mundo. Se considera el primer
    movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte
    abstracto, y ejemplo del liderazgo
    que, en materia de
    artes plásticas, asumió Estados Unidos
    después de la Segunda Guerra Mundial.

    Terminología

    Los críticos estadounidenses pronto captaron
    la emergencia de este nuevo estilo, destacando Clement
    Greenberg, que escribió en The Nation y
    Partisan review, así como Harold Rosenberg y
    Thomas B. Hess. Fueron estos críticos los que hablaron
    de American type painting, Abstract expressionism, Action
    painting, Drip painting
    o Gestural
    painting
    .

    Obra de Pollock.

    1. Inicialmente, se trató de un movimiento
      marcado por influencia del surrealismo . La primera
      generación del expresionismo abstracto la forman
      una quincena de pintores que trabajaron en Nueva York
      entre 1942 y 1957, entre ellos: Willem de Kooning
      (1904-1997), Arshile Gorky (1904-1948) a quien se reputa
      líder y precursor, William
      Baziotes, Adolph Gottlieb, Philip Guston, Franz Kline,
      Robert Motherwell (1915-1991), Ad Reinhardt, Mark Rothko
      (1903-1970) y Clyfford Still.

      1. Otros artistas
    2. Evolución
  2. Expresionismo abstracto

  3. En esta misma línea de la action painting
    trabajaron Willem de Kooning y Franz Kline, con pinturas
    abstractas y vigorosas, siendo el primero de ellos otro pintor
    muy influyente en otros autores posteriores.
  4. Willem de Kooning (1904-1997) realiza obras más
    figurativas que las de Pollock, siendo algo intermedio entre
    la figuración y la abstracción, es gestual y
    representativo a la vez. A partir de 1946 pintó
    abstracciones de figuras biomórficas. Su obra se
    centró en representar primero la figura masculina,
    dedicándose, desde 1950, a su serie más
    conocida, Mujeres. La figura femenina se identificaba gracias
    a unos senos de enorme tamaño, y sus formas agresivas
    hacían de ellas símbolos de fertilidad y de madre
    nutricia, pero también de la mujer
    erótica o devoradora de hombres. Recurría a
    colores primarios intensos y vivos, sirviéndole el
    blanco y el negro para dar toques que realzan las figuras.
    Sus pinceladas eran violentas, aplicando la pintura de manera
    totalmente impulsiva.

    El arte callejero o street art
    del término inglés, en su concepción
    más amplia y literal describe todo el arte
    desarrollado en la calle, normalmente de manera ilegal. Esto
    incluiría tanto al Grafiti como a otras formas
    diversas de intervención artística en la
    calle.

    Plantillazo de
    Banksy.

    Sin embargo, desde mediados del los años 90
    el término street art o su equivalente de
    Post-Graffiti se vienen usando para describir el trabajo de
    un conjunto heterogéneo de artistas que han ido
    desarrollando acciones artísticas en la calle mediante
    el uso de plantillas, posters, pegatinas y otras
    técnicas y códigos que se alejan del
    Grafiti.

    El uso de plantillas (stencil), a menudo con un
    mensaje político, cobra especial relevancia en
    París en la segunda mitad de los años 60. Sin
    embargo, no es hasta mediados de los años 90, con la
    aparición de artistas como el norteamericano Shepard
    Fairey y su campaña "Obey" (Obey Giant) (Obedece al
    gigante
    ), ideada a partir de la imagen del personaje de
    circo Andre The Giant y llevada a cabo mediante el uso de
    posters y plantillas, cuando las diversas propuestas de este
    tipo cobran auge en distintas partes del mundo y son
    percibidas en su conjunto como parte de un mismo
    fenómeno o escena.

    El mensaje original de esta campaña fue nulo,
    se erigió haciendo referencia a sí mismo, sin
    otro significado de por medio. Sin embargo, desde mediados de
    los noventa ha sido una de la imágenes de cultura
    urbana más veces retomada por otros artistas. Se ha
    parafraseado a manera de homenaje y otras como ironía,
    pero ha servido como base importante para el desarrollo del
    arte callejero en todas las capitales del mundo.

    Póster de Mañoso en
    Mexicali, México.

    1. Literatura
  5. Arte
    callejero

  • Claudia Walde: Sticker City: Paper Graffiti
    Art
    . Thames & Hudson, 2007. ISBN-13:
    978-0500286685

      

  1. El arte contemporáneo se suele definir
    como el arte elaborado después de la Segunda Guerra
    Mundial. Los museos de arte denominan arte
    contemporáneo a las colecciones de este
    periodo.

    En sentido amplio, el arte contemporáneo es
    el hacer artístico que se desarrolla en nuestra
    época. En el caso del arte contemporáneo, se
    desarrolla desde la teoría postestructuralista la cual
    ha acuñado el término "postmoderno", ya que
    desde esa teoría se vislumbra la imposibilidad de
    seguir creando desde los preceptos de la originalidad y la
    novedad (elementos propios de la modernidad); en lugar de ello se apunta a
    elementos como reinterpretaciones, resignificaciones y el
    giro lingüistico con el fin de ampliar el concepto de
    arte y establecerlo como un acto comunicativo.

    Este tipo de prácticas se inician desde la
    obra de Marcel Duchamp (fuente 1917) y sus cuestionamientos
    de la institución del arte. Pero este pensamiento se comienza a ampliar y a tomar
    seriamente desde la década de los setenta hasta
    nuestros días con el redescubrimiento de la obra de
    Duchamp y de los Dadaistas de principios del siglo XX a manos
    de artistas como Robert Rauschemberg, teóricos como
    Roslind Krauss y toda la escuela
    postestructuralista, que pusierón este pensamiento
    dentro del main stream internacional.

    1. Centros de Arte
      Contemporáneo

    Contrariamente a los museos, su objetivo no es la
    conservación ni la constitución de un patrimonio. Es decir su función no es
    coleccionar. Ellos realizan exposiciones o proyectos
    artísticos en función a su perfil editorial,
    teniendo como objetivo la difusión y la promoción del Arte
    contemporáneo.

     

  2. Arte
    contemporáneo

Digicentro Famal

Partes: 1, 2
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