Movimientos artísticos (página 2)

Partes: 1, 2

Artículo principal: Arquitectura
barroca
La arquitectura barroca se desarrolla desde
el principio del siglo XVII hasta dos tercios del siglo
XVIII. En esta última etapa se denomina estilo
rococó. Se manifiesta en casi todos los
países europeos y en lo que eran por aquel entonces
los territorios de España y Portugal en América, hoy países
independientes. El barroco
se da también en otras artes, como Música, Literatura,
Pintura
y Escultura.
Fresco barroco Catedral de la
Sanción de Valladolid
Arquitectura
Artículo principal: Escultura
barroca
La escultura barroca se desarrolla a
través de las creaciones arquitectónicas,
sobre todo en estatuas, y también en la
ornamentación de ciudades en plazas, jardines o
fuentes.
En España también se manifestó en
imágenes religiosas talladas en
madera,
en la llamada imaginería que esperaban despertar la
fe del pueblo.
Éxtasis de Santa
Teresa
Escultura
Artículo principal: Pintura
barroca
Durante el Barroco la pintura
adquiere un papel prioritario dentro de las manifestaciones
artísticas. Siendo la expresión más
característica del peso de la religión en los países
católicos y del gusto burgués en los
países protestantes.
Se desarrollan nuevos géneros como los
bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas, así
como se enriquece la iconografía de asunto
religioso. Existe una tendencia y una búsqueda del
realismo
que se conjuga con lo teatral y lo efectista.
Venus del espejo Las
Meninas
Pintura
Música

Artículo principal: Música
barroca

La música barroca es el estilo musical
relacionado con una época cultural europea, que abarca
desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII
(aproximadamente en 1600) hasta la mitad del siglo
XVIII

El petit Trianon, apartamento que
Madame de Pompadour, amante de Luis XV y promotora del
Rococó, se hizo construir para alejarse del ambiente
palaciego de Versalles.
El columpio, obra maestra de Fragonard, donde
se recoge el espíritu refinado, exótico y
sensual propio del Rococó.
El Rococó es un movimiento
artístico nacido en Francia,
que se desarrolla de forma progresiva entre los años
1730 y 1760.
El Rococó se define por el gusto por los
colores
luminosos, suaves y claros. Predominan las formas inspiradas
en la naturaleza, en la mitología, en la belleza de los cuerpos
desnudos, en el arte oriental
y especialmente en los temas galantes y amorosos. Es un arte
básicamente mundano, sin influencias religiosas, que
trata temas de la vida diaria y de las relaciones
humanas. Es un estilo que busca reflejar lo que es
agradable, refinado, exótico y sensual.
1. 1. Su precedente se sitúa en los inicios
    del siglo XVIII coincidiendo con la regencia de
    Felipe de Orleans, cuando empezaron los
    tímidos cambios que anunciaban el final del
    estilo tardobarroco y su evolución hacia la
    expresión de un gusto más
    contemporáneo, independiente y hedonista,
    contrapuesto al arte oficial, inflexible y ostentoso
    del reinado de Luis XIV. La transición del
    Rococó, también conocido como el
    «estilo Luis XV», a nuevas formas y
    expresiones artísticas, empezó hacia el
    1760. Las excavaciones entre 1738 y 1748 de Pompeya y
    Herculano y su divulgación despertaron una
    verdadera fascinación por el «gusto a la
    griega», embrión del que, una vez
    consolidado, conoceríamos como Neoclasicismo y que coincide con el
    reinado de Luis XVI.
    Del Barroco al
    Rococó
    La basílica de
    Ottobeuren (Baviera): los espacios
    arquitectónicos confluyen y se dispersan, como
    si tomasen vida.
    Durante el reinado de Luis XV la vida de la
    corte se aleja del palacio de Versalles, extendiendo
    el cambio artístico del palacio
    real y permiten su difusión a toda la alta
    sociedad francesa. La delicadeza y la
    alegría de los motivos Rococó han sido
    vistos a menudo como una reacción a los
    excesos del régimen de Luis XIV.
    Si lo Barroco estaba al servicio del poder absolutista, el Rococó
    está al servicio de la aristocracia y la
    burguesía. El artista deja de ser un servidor del poder y trabaja con
    más libertad y se inicia el mercado del arte. El Rococó se
    presenta como un arte al servicio de la comodidad, el
    lujo y la fiesta. Las escenas de su pintura recogen
    este nuevo estilo
    de vida y la arquitectura se transforma y se
    modifica la forma de vivir.
  2. Contexto histórico y
    social
    Palacio Solitude (Stuttgart, Alemania) – un exponente de la
    arquitectura Rococó en la Alemania
    meridional.
    Una de las características del estilo
    Rococó será la marcada diferencia entre
    exteriores e interiores. El interior será un
    lugar de fantasía y colorido mientras la
    fachada se caracterizará por la sencillez y la
    simplicidad. Se abandonan los órdenes
    clásicos y las fachadas de los edificios se
    distinguirán por ser lisas, teniendo, como
    mucho, unas molduras para separar plantas o enmarcar puertas y ventanas.
    La forma dominante en las edificaciones
    rococós era la circular. Un pabellón
    central, generalmente entre dos alas bajas y curvas
    y, siempre que era posible, rodeado de un
    jardín o un inmerso parque natural. Otras
    edificaciones podían tomar la forma de
    pabellones encadenados, en contra del típico
    edificio «bloque», propio de la etapa
    anterior.
  3. Arquitectura
    Artículo principal: Pintura
    rococó
    Peregrinación a
    Cythera de Jean-Antoine Watteau (1721,
    Louvre).
    A pesar de que el Rococó debe de su
    origen puramente a las artes decorativas, el estilo
    mostró su influencia también en la
    pintura, llegando a su máximo esplendor en la
    década de 1730. Esta pintura debe llamarse
    propiamente como Pintura Galante y no como Pintura
    Rococó, pues este término engloba el
    contexto estético en que se encontraba. Los
    pintores usaron colores claros y delicados y las
    formas curvilíneas, decoran las telas con
    querubines y mitos de amor. Sus paisajes con fiestas
    galantes y pastorales a menudo recogían
    comidas sobre la hierba de personajes
    aristocráticos y aventuras amorosas y
    cortesanas. Se recuperaron personajes
    mitológicos que se entremezclan en las
    escenas, dotándolas de sensualidad,
    alegría y frescura.
  4. Pintura
    Cupido de Edmé
    Bouchardon (1750).
    La escultura es otra área en la cual
    intervinieron los artistas rococó.
    Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) es
    considerado uno de los mejores representantes del
    rococó francés. En general, este estilo
    fue expresado mejor mediante la delicada escultura de
    porcelana, más que con estatuas
    marmóreas e imponentes. El mismo Falconet era
    director de una famosa fabrica de porcelana en
    Sèvres. Los motivos amorosos y alegres son
    representados en la escultura, así como la
    naturaleza y la línea curva y
    asimétrica.
  5. Escultura
  6. Música
2. Historia
Rococó
El estilo galante fue el equivalente del
Rococó en la historia de la
música, situado entre la música barroca y la
música clásica, y no es fácil definir este
concepto con
palabras. La música rococó se desarrolló
al margen de la música barroca, particularmente en
Francia. Puede ser considerada como una música muy
intimista realizada de forma extremadamente refinada. Entre los
máximos exponentes de esta corriente se puede citar a
Jean Philippe Rameau y Carl Philipp Emanuel Bach.
Romanticismo

Viajero frente al mar de niebla de Caspar
David Friedrich (Kunsthalle, Hamburgo)

El Romanticismo es un movimiento cultural y
político originado en el Reino Unido y Alemania a finales
del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el
racionalismo
de la
Ilustración y el Neoclasicismo, dándole
importancia al sentimiento. Su característica fundamental
es la ruptura con la tradición neoclasicista basada en un
conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica
es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo
revolucionario es incuestionable. Debido a que el romanticismo es
una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al
hombre mismo
es que se presenta de manera distinta y particular en cada
país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma
nación
se desarrollan distintas tendencias proyectándose
también en todas las artes.

Características

El Romanticismo es una reacción contra el
espíritu racional e hipercrítico de la
Ilustración y el Neoclasicismo, y
favorecía, ante todo:

La conciencia
del Yo como entidad autónoma.
La primacía del Genio creador de un Universo
propio.
La supremacía del sentimiento frente a la
razón neoclásica.
La fuerte tendencia nacionalista.
La del liberalismo
frente al despotismo ilustrado.
La de la originalidad frente a la tradición
clasicista.
La de la creatividad frente a la imitación
neoclásica.
La de la obra imperfecta, inacabada y abierta
frente a la obra perfecta, concluida y cerrada.

Manifestaciones culturales

Saturno devorando a un hijo, una de las pinturas
negras de Goya, realizada durante el Trienio Liberal
(1820-1823), y que, so capa mitológica, alude a la
famosa frase de Vergniaud poco antes de ser guillotinado: La
Revolución devora a sus propios
hijos
El movimiento literario Sturm und Drang (en
alemán: tormenta e ímpetu), desarrollado durante
la última mitad del siglo XVIII, fue el precedente
importante del Romanticismo Alemán.
Los autores importantes fueron (el joven) Johann
Wolfgang von Goethe, (el joven) Friedrich Schiller y
Friedrich Gottlieb Klopstock.
Claude Monet, Impression: soleil
levant 1872-1873. Cuadro al que debe su nombre el
movimiento.
Aunque el término Impresionismo se
aplica en diferentes artes como música y literatura,
su vertiente más conocida, y aquélla que fue la
precursora, es la pintura impresionista. El movimiento
plástico impresionista se
desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX
en Europa
-principalmente en Francia- caracterizado, a grandes rasgos,
por el intento de plasmar la luz (la
"impresión" visual) y el instante, sin reparar en la
identidad
de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores
pintaban formas con identidad, los impresionistas
pintarán el momento de luz, más allá de
las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue
bautizado por la crítica como Impresionismo
con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet
"Impresión: sol naciente". Siendo diametralmente
opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en
el desarrollo
del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las
vanguardias.
1. 2. Édouard Manet
  Édouard Manet, Le
  déjeuner sur L'Herbe (1863). Museo de
  Orsay
  Édouard Manet, El bar
  del Folies-Bergère (1881-1882) Courtauld
  Institute de Londres
  Si hay un autor clave entre los precursores del
  movimiento impresionista, éste es Édouard
  Manet. Dos trabajos son esenciales en la
  comprensión de su influencia sobre el grupo.
  1. Con anterioridad al Impresionismo, el marco
    artístico, era dominado por un eclecticismo,
    al que respondió la generación de
    las rupturas estilísticas, una serie de
    rupturas que darán personalidad propia al arte moderno.
    La primera de ellas o, si se prefiere, su
    preámbulo, es el Impresionismo, un movimiento,
    resultado de una prolongada evolución, que
    coloca definitivamente al siglo XIX bajo el signo del
    paisaje y que busca un lenguaje nuevo basado en un
    naturalismo extremo.
    Tiende a usar con creciente frecuencia
    colores puros y sin mezcla, sobre todo los tres
    colores primarios y sus complementarios, y a
    prescindir de negros, pardos y tonos terrosos.
    Aprendieron también a manejar la pintura
    más libre y sueltamente, sin tratar de ocultar
    sus pinceladas fragmentadas y la luz se fue
    convirtiendo en el gran factor unificador de la
    figura y el paisaje.
  2. Inicios
  3. Florecimiento y primera exposición
  Nadar
  Autorretrato
  El año 1873 marcará un giro
  característico del Impresionismo: el paso de la
  fase preparatoria a la fase de florecimiento. Los tanteos
  estaban olvidados y el
  trabajo adelantado. Pisarro y Monet habían
  hecho en Londres estudios de edificios envueltos en
  nieblas; Alfred Sisley, aún más vaporoso,
  se les había adelantado por ese camino; Renoir se
  hallaba, de momento, bajo la total influencia de Monet; y
  Edgar Degas empezaba a tratar los tutús de sus
  bailarinas del mismo modo que Monet o Renoir las flores
  del campo.
2. Historia
  1. 'Claude Monet, Catedral en
    Rouen. En la entrada principal de la catedral
    distinguimos azul ultramar y violeta para las sombras
    (colores más saturados que la parte superior,
    más iluminada) al igual que naranja dentro de
    la misma zona de sombra para definir los reflejos en
    la oscuridad.
    La segunda mitad del siglo XIX
    presenció importantes evoluciones
    científicas y técnicas que permitieron la
    creación de nuevos pigmentos con los que los
    pintores darían nuevos colores a su pintura,
    generalmente al óleo. Los pintores
    consiguieron una pureza y saturación del
    color hasta entonces impensables, en
    ocasiones, con productos no naturales. A partir del
    uso de colores puros o saturados, los artistas dieron
    lugar a la ley del "contraste cromático",
    es decir: "todo color es relativo a los colores que
    le rodean", y la "ley de colores complementarios
    enriqueciendo el uso de colores puros bajo
    contrastes, generalmente de fríos y
    cálidos.
  2. Colores Puros
    'Claude Monet, Catedral de
    Londres . Pinceladas lineales de colores puros dan
    lugar a una visión unitaria de atmósfera y gradación de
    cálidos a fríos.
    Seurat, La Parade. Los
    neoimpresionistas llevaron al extremo esta pincelada
    gestáltica, en este caso en forma de puntos,
    dando lugar a un color y forma unitarios.
    Aunque la teoría gestáltica
    apareció más adelante, los pintores
    impresionistas mostraron plásticamente lo que
    la psicología de la Gestalt vendría a demostrar
    psicológica y científicamente
    más adelante: perceptivamente, si se dan
    ciertas condiciones, partes inconexas dan lugar a un
    todo unitario.
    El uso de pequeñas pinceladas de
    colores puros resultó en un todo vibrante; y,
    aunque las pinceladas aisladamente no obedecieran a
    la forma o al color local del modelo, en conjunto -al ser percibidas
    global y unitariamente- adquirían la unidad
    necesaria para percibir un todo definido. Este
    recurso fue llevado al máximo por los
    neoimpresionistas, también conocidos como
    puntillistas como Seurat o Signac
  3. Pincelada
    Gestáltica
  4. "Forma"
  'Auguste Renoir, La
  Balançoire. La plasmación de la luz sobre
  el cuerpo es más importante que la descripción de su forma
3. Técnica y estética impresionista
  2. Grupo impresionista
4. Lista de autores
Impresionismo

Frédéric Bazille
Gustave Caillebotte
Mary Cassatt

Algunos impresionistas
españoles

Aureliano Beruete
Adolfo Guiard
Anselmo Guinea Ugalde

Galería de
imágenes

Trouville. 1864. Eugène
Boudin

Realismo
Literatura proviene del
latín "litterae", y es posiblemente un calco griego de
"grammatikee". En latín, literatura significaba
una instrucción o un conjunto de saberes o habilidades
de escribir y leer bien, y se la relacionaba con el arte de
la gramática, la retórica y la
poética. Por extensión, se refiere a cualquier
obra o texto
escrito, aunque más específicamente al arte u
oficio de escribir de carácter artístico y/o las
teorías estudios de dichos textos.
También se usa como referencia a un cuerpo o conjunto
acotado de textos como, por ejemplo, la literatura
médica o también conocida literatura
española del siglo de oro,
etc.
2. La literatura se define por su
  literariedad
Literatura
Don Quijote y Sancho Panza, personajes de Don Quijote de la
Mancha.
En la búsqueda de definir qué es
literatura y qué es lo literario, surgieron
movimientos de teoría literaria para estudiar y
delimitar su objeto de Estudio: La literatura. A comienzos
del siglo XX, el formalismo ruso se interesa por el
fenómeno literario, e indaga qué hace que un
texto sea literario, o sobre la literaturidad de la obra.
Roman Jakobson plantea que la literatura tiene
particularidades en la forma, que la hacen diferente a otros
discursos;
una que llama función poética, que hace al
lenguaje llamar la atención sobre sí mismo. En
efecto, en la lengua de
uso hay determinadas expresiones que se producen sólo
porque producen un placer, un placer de naturaleza
estética, en línea con lo que pensaba Aristóteles. El
lenguaje combinaría recurrencias (repeticiones) y
desvíos de la norma para enrarecerse, impresionar la
imaginación y la memoria
y llamar la atención sobre su forma expresiva.
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búsqueda
Una de las Bellas
Artes es la pintura, por lo que se entiende como
pintura artística al área en la
clasificación clásica de las artes como el arte
que trata la expresión empleando la teoría del
color, por lo que se constituye como un arte primordialmente
visual.
Pinturas en
Yucatán.
Pintura artística
Para otros usos de este término
véase Política
(desambiguación).
La política (del griego
πολιτικος
(politikσs), «ciudadano, civil,
relativo al ordenamiento de la ciudad») es el proceso y
actividad orientada, ideológicamente, a la toma de
decisiones de un grupo para la consecución de unos
objetivos.
La ciencia
política estudia dicha conducta,
mientras quienes desempeñan actividades de esta
índole se denominan políticos. El
término fue ampliamente utilizado en Atenas a partir
del siglo V antes de Cristo, en especial gracias a la obra de
Aristóteles titulada, precisamente,
Política.
Política
Postimpresionismo

Este termino se aplica a los estilos pictóricos
de finales del siglo XIX y principios del XX
– tras el impresionismo. Fue acuñado por el crítico
británico Roger Fry en 1910, con motivo de la
exposición celebrada en Londres de pinturas de Paul
Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh. Este
término era sólo una extensión del
impresionismo como un rechazo a sus limitaciones. Los
post-impresionistas continuaron utilizando colores vivos, una
aplicación compacta de la pintura, pinceladas
distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar
más emoción y expresión a su
pintura.

Aunque los post-impresionistas basaron su obra en el uso
del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron
contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron
una visión más subjetiva del mundo. Seurat,
denominado neo-impresionista por sus criterios más
próximos al impresionismo, inventó una
técnica denominada puntillismo, cuyo ejemplo más
destacado es el cuadro Un domingo de verano en la Grande
Jatte (1884-1886, Instituto de Arte de Chicago).

La obra de Cézanne, Gauguin y Van Gogh se
caracterizó por un uso expresivo del color y una mayor
libertad formal. Cézanne se interesó por resaltar
las cualidades materiales de
la pintura, representando seres vivos y paisajes,
volúmenes y relaciones entre superficies, como en Pinos
y rocas (1895-1898, Museo de Arte Moderno, Nueva York). Su
interés
por las formas geométricas y la luz prismática
inherente en la percepción
de la naturaleza anticipó los experimentos del
cubismo.

Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad
comunicadora del arte popular, se centró en la
representación a base de superficies planas y decorativas,
como se aprecia en la obra Calvario bretón (1889,
Palacio de Bellas Artes, Bruselas). Van Gogh, por su parte, se
aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas
coloristas, evocadoras de las emociones
internas del artista. Su experimentación subjetiva,
ejemplificada en Noche estrellada (1889, Museo de Arte
Moderno de Nueva York), preludió el expresionismo.
Henri de Toulouse-Lautrec estuvo fuertemente influido por las
composiciones lineales de los grabados japoneses, y su obra se
caracterizó por los intensos grabados de contorno y los
colores planos.

Otros movimientos artísticos posteriores, como el
cubismo, el expresionismo, el fauvismo, el surrealismo y
el futurismo, presentaron algunas de las características
de la pintura impresionista: la libertad expresiva del artista y
el énfasis en el concepto abstracto del arte.

Fueron artistas post-impresionistas los
siguientes:

Paul Cézanne
Paul Gauguin
Harry Lachman
Georges Seurat
Henri de Toulouse-Lautrec

Vincent van Gogh Postimpresionismo

Este termino se aplica a los estilos pictóricos
de finales del siglo XIX y principios del XX – tras el
impresionismo. Fue acuñado por el crítico
británico Roger Fry en 1910, con motivo de la
exposición celebrada en Londres de pinturas de Paul
Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh. Este
término era sólo una extensión del
impresionismo como un rechazo a sus limitaciones. Los
post-impresionistas continuaron utilizando colores vivos, una
aplicación compacta de la pintura, pinceladas
distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar
más emoción y expresión a su
pintura.

La obra de Cézanne, Gauguin y Van Gogh se
caracterizó por un uso expresivo del color y una mayor
libertad formal. Cézanne se interesó por resaltar
las cualidades materiales de la pintura, representando seres
vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre
superficies, como en Pinos y rocas (1895-1898, Museo de
Arte Moderno, Nueva York). Su interés por las formas
geométricas y la luz prismática inherente en la
percepción de la naturaleza anticipó los
experimentos del cubismo.

Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad
comunicadora del arte popular, se centró en la
representación a base de superficies planas y decorativas,
como se aprecia en la obra Calvario bretón (1889,
Palacio de Bellas Artes, Bruselas). Van Gogh, por su parte, se
aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas
coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Su
experimentación subjetiva, ejemplificada en Noche
estrellada (1889, Museo de Arte Moderno de Nueva York),
preludió el expresionismo. Henri de Toulouse-Lautrec
estuvo fuertemente influido por las composiciones lineales de los
grabados japoneses, y su obra se caracterizó por los
intensos grabados de contorno y los colores planos.

Otros movimientos artísticos posteriores, como el
cubismo, el expresionismo, el fauvismo, el surrealismo y el
futurismo, presentaron algunas de las características de
la pintura impresionista: la libertad expresiva del artista y el
énfasis en el concepto abstracto del arte.

Fueron artistas post-impresionistas los
siguientes:

Paul Cézanne
Paul Gauguin
Harry Lachman
Georges Seurat
Henri de Toulouse-Lautrec
Vincent van Gogh

Clima gris. Seurat (1888) Puntillismo
musical

Método de composición musical derivado del
puntillismo.

Algunos músicos, trasladaron las conclusiones del
método
"puntillista" y lo contrastaron con lo musical. Así como
el ojo compone colores que no están ahí, el
oído
hace lo propio: relaciona los sonidos separados y los interpreta
como una melodía. Pero, al contrario que el movimiento
pictórico, el puntillismo musical persiguen la
disociación.

Son piezas de gran riqueza contrapuntística (ver:
contrapunto), que consisten de grandes bloques temporales de
pocos sonidos muy espaciados entre si (rarefacción), que
ocasional y eventualmente se condensan para volver a dispersarse.
Por ejemplo la "Polifónica-Monodia-Rítmica" de
Luigi Nono (1951), "Kontra-Punkte" de Stockhause.

Fovismo o Fauvismo (del francés
fauve pronunciado "fov": fiera), término
español para denominar el estilo
pictórico de características expresionistas
tales como el uso de colores intensos, principalmente el
verde. Destaca sobre todo por ese cromatismo antinatural.
Buscan la fuerza
expresiva del color aplicando colores distintos a los que
pueden verse en la realidad, por ejemplo, árboles amarillo limón o rostros
de color verde esmeralda.
En 1904 Henri Matisse (padre del fovismo),
pintó Lujo, Calma y Voluptuosidad, considerada como la
obra síntesis del postimpresionismo,
manipulado en un ejercicio personal, y
virtualmente un manifiesto de lo que sería el fovismo
poco después. La utilización subjetiva del
color y la simplificación del dibujo
sorprendieron a todos cuando fue expuesto en el Salón
de los Independientes en 1905. André Derain se
sintió inmediatamente influido y comenzó a
pintar utilizando nada más que la línea y el
color. Su desinterés por el acabado y sus colores
chillones le granjearon el desprecio de la crítica
cuando expuso sus paisajes, pintados en Colliure, en el
Salón de Otoño de 1906. Allí
también se expuso el Retrato de la Sra. Matisse de
Matisse, que fue interpretado como una caricatura de la
feminidad y como una excentricidad. La repulsa de la
crítica convirtió a los fovistas en el grupo
más avanzado de París.
2. Pintores fauves
Fauvismo

Henri Matisse
Maurice de Vlaminck
André Derain
Albert Marquet
Georges Rouault
Raoul Dufy
Georges Braque
1. Cubismo

Juan Gris,Guitarra y mandolina,
1919, Galerie Beyeler, Basel

El cubismo fue un movimiento artístico
desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado
por Guillaume Apollinaire, pero también teniendo como
principales fundadores a Pablo Picasso,
Georges Braque y Juan Gris. El cubismo trata las formas de la
naturaleza por medio de figuras geométricas,
representando todas las partes de un objeto en un mismo plano.
Es considerada la primera vanguardia
ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente
a principios del siglo XX, la perspectiva. La
representación del mundo pasaba a no tener ningún
compromiso con la apariencia real de las cosas. Además
es un avance pues el arte acepta su condición de arte, y
permite que esta condición se vea en la obra, es decir
es parte intrínseca de la misma. Nació en el
Salón de los Independientes.

El término cubismo fue acuñado por el
crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que
había desdeñado a los fauvistas
motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y
sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente,
que era una pintura compuesta por «pequeños
cubos». Se originó así el concepto de
«cubismo», que maduró entre 1908 y
1914.

A pesar de ser pintura de vanguardia los
géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se
encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos. Picasso y
Braque crean dos tendencias del cubismo.

La primera es el cubismo analítico
(1910-1912), en donde la pintura es casi monocroma. Los colores
en este momento no interesaban pues lo importante eran los
diferentes puntos de vista y la geometrización, no el
cromatismo. En este período se incluye otro tipo de
cubismo: el cubismo hermético. Estas obras
parecen casi abstractas por la cantidad de puntos de vista
representados, de este modo la imagen
representada era casi imposible de ver, a no ser por algunos
objetos como una pipa, o letras de periódico, que permiten distinguir lo que
se está representando. El cubismo hermético se
llevó tan lejos, que con miedo de caer en la
abstracción, se transformó en lo que se conoce
como el segundo período que es el cubismo
sintético (1912-1914). El cubismo sintético
lo inició Braque al poner papel collé
pegado directamente en la pintura. Picasso y Braque comenzaron
a poner periódicos y esto evolucionó en lo que es
hoy en día el collage. Estas obras son más
sencillas y parecen estar ensambladas, formadas por diversos
materiales cotidianos como tiras de papel de periódico,
cajetillas de cigarros o cajas de cerillas.

El primer estudio teórico del cubismo lo
hicieron Albert Gleizes y Jean Metzinger, con su obra Du
cubisme (1912). El cubismo es esencial como movimiento pues
da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo
XX.

Fue el francés Apollinaire quien lo
adaptó en la literatura. Busca recomponer la realidad
mezclando imágenes y conceptos al azar. Una de sus
aportaciones fue el caligrama. Igualmente, en defensa de la
pintura cubista escribió Les peintres cubistes
(1913).

Pintores cubistas

Albert Gleizes
Juan Gris
Fernand Léger
Francis Picabia
Pablo Picasso Famoso pintor cubista y otras
más
Georges Braque
Wifredo Lam
Louis Marcoussis
Jean Metzinger
Henri Le Fauconnier

Diseño urbanístico
futurista de Antonio Sant'Elia
Futurismo, movimiento inicial de las
corrientes de vanguardia artística, fundado en
Italia por
Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste
du Futurisme, el 20 de febrero de 1909, en el diario Le
Figaro de París.
El futurismo surge en Milán, Italia impulsado
por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento rompía
con la tradición, el pasado y los signos
convencionales de la historia del
arte. Consideraba como elementos principales de la
poesía el valor, la
audacia y la revolución, ya que se pregonaba el
movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso
gimnástico, el salto peligroso y la bofetada.
Tenía como postulados: la exaltación de lo
sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la
máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo
objetivo
de lo literario y la disposición especial de lo
escrito, con el fin de darle una expresión
plástica. Rechazaba la estética tradicional e
intentó ensalzar la vida contemporánea,
basándose en sus dos temas dominantes: la
máquina y el movimiento. Se recurría, de este
modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas,
arquitectura, urbanismo, publicidad, moda,
cine,
música, poesía) capaz de crear un verdadero
arte de acción, con el propósito de
rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo. El poeta
egipcio Filippo Tommaso Marinetti recopiló y
publicó los principios del futurismo en el manifiesto
de 1909. Al año siguiente los artistas italianos
Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi
Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto del
futurismo.
El futurismo se caracterizó por el intento de
captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso
acciones
consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una
serie de fotografías tomadas a gran velocidad
e impresas en un solo plano.
1. Formas únicas de la
  continuidad en el espacio, escultura de bronce obra
  de Umberto Boccioni, 1913, Museo de Arte Moderno de Nueva
  York
  Marinetti concibió esta nueva
  estética, inspirado en la Patafísica de
  Alfred Jarry y Remy de Gourmont y en procedimientos estilísticos, que
  este movimiento literario, no asumió, respecto de
  ninguna tradición formal, ni cultural previa. El
  futurismo fue llamado así por su intención
  de romper absolutamente con el arte del pasado (el
  llamado Pasadismo), y por considerar que los museos, en
  especial en Italia, eran sitios equivalentes a los
  cementerios, donde la tradición artística
  común, lo impregnaba todo.
2. Estética
3. Trascendencia del Futurismo
Futurismo

La importancia que tuvo el Futurismo, más
allá de sus méritos artísticos, a comienzos
del siglo XX, fue la de recrear una estética desde cero,
posibilitando, de este modo, una renovación espectacular
de los principios y técnicas artísticas, que
aún tiene consecuencias, incluso, en la actualidad. Fue el
primero de los ismos o vanguardias artísticas y su valor
como movimiento rupturista allanó el camino a las
demás corrientes que refrescaron el panorama
artístico en los albores del siglo XX.

Neoplatisismo

O termo Neoplasticismo refere-se ao movimento
artístico de vanguarda capitaneado pela figura de Piet
Mondrian, relacionado à arte abstrata. O Neoplasticismo
defendia uma total limpeza espacial para a pintura, reduzindo-a a
seus elementos mais puros e buscando suas características
mais próprias. Muitos de seus ideais foram expostos na
revista De
Stijl (O Estilo).

A necessidade de ressaltar o aspecto artificial da arte
(criação humana) fez com que os artistas deste
movimento (notadamente Mondrian e Theo van Doesburg) usassem
apenas as cores primárias (vermelho, amarelo, azul) em seu
estado menos
saturado (artificial), assim como o branco e o preto
(inexistentes na Natureza, o primeiro sendo presença total
e o segundo ausência total de luz).

Claramente um movimento de arte de pesquisa, os
experimentos realizados pelos artistas neoplásticos foram
essenciais para a arquitetura moderna, assim como para a
formulação do que hoje se conhece por design.
Apesar de afastados da Bauhaus devido a questões pontuais,
ambos os movimentos fazem parte de um mesmo universo
cultural.

Embora muitos vejam o Neo-Plasticismo como produto da
revolta moral contra a
violência irracional que assolava a Europa, alguns outros
fatores foram essenciais para o nascimento do movimento, como o
cubismo, que desfigurou os modos tradicionais de
representação; o idealismo e a
austeridade do protestantismo holandês; o viés
místico da teosofia, movimento do qual Piet Mondrian era
membro.

O movimento teosófico, fundado por Helena
Petrovna Blavatsky (1831-1891), alegava ter resolvido o conflito
entre espiritualidade e ciência (conflito evidenciado,
principalmente, pela teoria da evolução de Darwin) ao
aplicar o conceito de evolução a uma escala
cósmica – todo o universo estaria evoluindo,
não só as espécies, e nós
estaríamos vivendo sucessivas encarnações
rumo à perfeição. A teosofia exerceu grande
influência no trabalho do matemático M.H.J.
Schoenmaekers, especialmente no tratado "Matemática
Expressiva", que influenciou fortemente a concepção
artística de Piet Mondrian na fase inicial do
Neo-Plasticismo.

Como resultado, o De Stijl era visto por seus
integrantes como mais do que um estilo artístico,
possuindo um caráter quase messiânico, sendo uma
forma de filosofia e
religião. Seus ideais primários eram
promover uma síntese místico-racional, uma busca
pela ordem, pela harmonia perfeita existente que poderia ser
acessível ao homem (e à sociedade) desde que este
se subordinasse a ela. Trata-se, portanto, de uma missão
de caráter ético-espiritual, a tentativa de
alcançar a "beleza universal" citada por
Mondrian.

Essa harmonia, essa ordem perfeita e universal poderia
ser alcançada, segundo os membros do De Stijl, com a
obediência às leis que regem a
produção artística, que previam uma arte
não-figurativa pois, "como representação
pura do espírito humano a arte expressar-se-á numa
forma esteticamente purificada, vale dizer, abstrata" . Como tal,
visando a expressão de um princípio universal, o
Neoplasticismo bania o individualismo excessivo (presente na arte
figurativa) e reduzia a pintura aos elementos constitutivos da
linha, do espaço, da cor (segundo Theo Van Doesburg, "o
quadrado é para nós o que a cruz era para os
antigos cristãos" ). Nas palavras do próprio
Mondrian:

"Uma expressão individual não se torna uma
expressão universal por meio da
representação figurativa, que se baseia em nossa
concepção do sentimento, seja clássica,
romântica, religiosa ou surrealista."

A arte não-figurativa, forma encontrada para
atingir a "expressão universal", não é,
todavia, fruto do inconsciente, do Id Freudiano, de
lembranças individuais e pré-natais. Esta forma de
expressão artística é fruto da
intuição pura, do pensamento puro, embora tanto
Mondrian quanto Van Doesburg admitam que os estímulos do
mundo exterior são indispensáveis, pois eles
provocam o desejo de criação, o desejo de tornar
concreto
(através da obra de arte) aquilo que só podemos
sentir de forma vaga e imprecisa, mas que é inerente
à vida e subjacente à realidade
visível.

Um paralelo pode ser traçado entre esse
sentimento voltado para a essência, além da
representação figurativa, e o pensamento
artístico de Platão – em certa medida, o De
Stijl corrobora o pensamento do filósofo grego acerca dos
méritos da arte enquanto cópia do mundo
físico ("cópia da cópia", segundo
Platão), colocando o "mundo das idéias" (na
visão do De Stijl, o princípio uno essencial
harmônico) como prioritário.

É importante ressaltar que os participantes do De
Stijl, em especial Piet Mondrian, não concebiam a arte
abstrata como sendo antagônica ou oposta à natureza.
Para os artistas, a arte abstrata opõe-se à
natureza animal e primitiva do homem, uma natureza grosseira que
não corresponde à verdadeira natureza humana,
encontrada nas leis universais, na essência que os
Neo-Plasticistas objetivavam alcançar.

De forma alternativa, a concepção do De
Stijl como uma tentativa de atingir o mundo como "Coisa-em-si"
também é justificável embora uma ressalva
importante tenha de ser feita – enquanto Schopenhauer
caracteriza o mundo como "Coisa-em-si" como incognoscível
e caótico, cuja única força motriz é
a Vontade, os teóricos do Neoplasticisimo afirmavam que
esse estado, a "Coisa-em-si", era dotado da mais perfeita
harmonia e equilíbrio, podendo ser alcançado
através de um processo de
‘purificação’.

A redução a formas elementares, neutras,
que por si só não provocam qualquer
reação individual –as linhas retas e cores
primárias – nos leva a duas outras
preocupações essenciais do teóricos do De
Stijl: a ênfase estrutural e a necessidade vital do
equilíbrio assimétrico.

Pelo equilíbrio assimétrico, entende-se o
comportamento dos artistas em atribuir valores
semelhantes a combinações de linhas e cores
diferentes, balanceando suas composições. Este
exercício quase matemático transforma a tela em um
plano e transforma o dualismo conteúdo-forma em uma
unidade inseparável. A noção de unidade
é fundamental – as relações
equilibradas devem ser a mais pura representação do
caráter universal da ordem, da harmonia e da unidade,
características que também estão presentes
na mente (se focalizarmos nela, seremos capazes de ver a unidade
natural).

Este dualismo conteúdo-forma é apenas um
entre os vários dualismos tratados por
Mondrian em seus escritos. Para o pintor holandês, o
Neo-Plasticismo tinha como missão reconciliar o dualismo
matéria-espírito, além de resolver o
dualismo entre individual e coletivo, resultado de uma
visão artística onde a expressão pela arte
deve refletir a consciência temporal do homem e
vice-versa.

Para Van Doesburg e Mondrian, portanto, o De Stijl
estaria cumprindo o papel de resolver o questionamento do homem
moderno e ilustrar o desenvolvimento da consciência do
homem do individual para o universal, a rejeição da
ênfase no individualismo (o Neo-Plasticismo seria, de certa
forma, a primeira expressão artística puramente
plástica porque não aceitava a predominância
da consciência individual). Nas palavras de Van
Doesburg:"Aquilo que se expressa positivamente na plasticidade
moderna – uma proporção equilibrada do
peculiar e da generalidade – manifesta-se mais ou menos
também na vida do homem moderno e constitui a causa
original da reconstrução social de que somos
testemunhas."

A composição, como forma principal de
expressão pela pintura, não renuncia ao elemento
humano, permitindo ao artista expressar sua subjetividade
enquanto for necessário, dando certa liberdade de escolha
quanto à disposição dos elementos e do
ritmo. O que ocorre é a redução
drástica dessa influência individual, aumentando
significativamente o caráter universal da obra.

Dentre as obras arquitetônicas do De Stijl, a
"Casa Schröder" projetada por Thomas Gerrit Rietveld
(1888-1964), artista extremamente fiel àas premissas
teóricas do movimento, é uma das mais
típicas – construída em Utrecht, em 1923-24,
caracteriza-se pelo uso de linhas retas, planos e cores
básicas como elementos constitutivos, "uma casa que se
diria feita não para, e sim pelos moradores, utilizando
elementos pré-fabricados" , abolindo elementos
ornamentais, com superfícies lisas, rejeitando a
aparência rústica (conforme pregou Mondrian em sua
obra "Le Néo-plasticisme: principe général
de l’équivalence plastique").

A preocupação estrutural, em detrimento de
quaisquer floreios ornamentais, expressa-se, portanto, não
só na pintura de Mondrian como na arquitetura dos adeptos
do De Stijl. O racionalismo de fundo místico, partindo da
premissa de uma essência harmônica universal (isto
é, um conceito impessoal de Deus), opera em todos os
níveis artísticos do Neo-Plasticismo.

Lista de importantes figuras do neoplásticismo,
incluindo artistas, designers e arquitetos:

Piet Mondriaan (1872 – 1944)
Theo van Doesburg (1883 – 1931)
Gerrit Rietveld (1888 – 1964)
Ilya Bolotowsky (1907 – 1981)
Marlow Moss (1890 – 1958)
Amédée Ozenfant (1886 –
1966)

El dadaismo se caracterizó por
el empleo de
materiales no convencionales con intención
provocadora. Fountain de Marcel Duchamp. 1917.
El dadá o dadaísmo fue
un movimiento antiarte que surgió en Zúrich
(Suiza) en 1916, que se caracterizó por gestos y
manifestaciones provocadoras en las que los artistas
pretendían destruir todas las convenciones con
respecto al arte, creando una especie de anti-arte o
rebelión contra el orden establecido.
1. Movimiento artístico surgido en Europa y
  en Norteamérica. Apareció en Zúrich,
  Suiza entre 1916 y 1922 con Tristan Tzara como su
  fundador. Fue una oposición al pasado violento de
  la Primera Guerra
  Mundial. El poema dadaísta suele ser una
  sucesión de palabras y sonidos, lo que hace
  difícil encontrarle lógica. Se distingue por: la
  inclinación hacia lo dudoso, terrorismo, muerte
  y nihilismo, lo fantasioso, busca renovar la
  expresión mediante el empleo de materiales
  inusuales o manejando planos de pensamientos antes no
  mezclables y tiene una tónica general de
  rebeldía o destrucción.
  Caracterizado por gestos y manifestaciones
  provocadoras en las que los artistas pretendían
  destruir todas las convenciones con respecto al arte,
  creando un anti-arte. Sus orígenes se localizan
  cuando una serie de artistas de distintas nacionalidades
  se encontraron como refugiados en Zúrich durante
  la Primera
  Guerra Mundial.
  Artistas reconocidos de este movimiento fueron:
  Tristan Tzara y Marcel Jank de Rumanía, el
  francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball, Hans
  Richter y Richard Huelsenbeck. Tras varios encuentros
  informales en distintos cafés, empezó a
  tomar forma la idea de crear un cabaret internacional. La
  primera celebración tuvo lugar el 5 de febrero de
  1916 en el Cabaret Voltaire, y consistió en un
  espectáculo de variedades con canciones francesas
  y alemanas, música rusa, música negra y
  exposiciones de arte. El nombre Dadá lo
  encontraron casualmente en un diccionario Ball y Huelsenbeck mientras
  buscaban nombre artístico a una de las cantantes:
  pongámosle Dadá "…El primer sonido
  que dice el niño expresa el primitivismo, el
  empezar desde cero, lo que nuestro arte tiene de nuevo".
  En ese mismo año se publicó un panfleto
  titulado Cabaret Voltaire conteniendo aportaciones de
  Guillaume Apollinaire, Marinetti, Pablo Picasso, Amedeo
  Modigliani y Wassily Kandinsky; en la cubierta
  aparecía un dibujo de Arp. En 1917 se
  inauguró la Galería Dadá y
  Tristán Tzara comenzó la
  publicación.
  Dadá se presenta como una ideología total, como una forma de
  vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición
  o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo
  entendiendo por humanismo la tradición anterior,
  tanto filosófica como artística o
  literaria. No por casualidad en una de sus primeras
  publicaciones había escrito como cabecera la
  siguiente frase de Descartes: «No quiero ni siquiera
  saber si antes de mí hubo otro
  hombre.»
2. Introducción
3. Dadá en Berlín
En Alemania es donde Dadá adquiere un cariz
más marcadamente político.
Ideológicamente, las posturas de los artistas
dadaístas eran comunistas y, en algunos casos,
anarquistas. Tras la guerra,
Alemania entra en una crítica situación. Tras
la revolución bolchevique, el partido Espartaquista
alemán -la izquierda socialista- ensaya también
la revolución en Alemania. En toda esa
agitación social un grupo de artistas van a
incorporarse a las tesis
izquierdistas: será el Movimiento
dadaísta.
Procedente del grupo de Zúrich, Richard
Huelsenbeck, trae a Berlín el espíritu
dadaísta, pero mucho más radical contra las
anteriores escuelas vanguardistas futurismo, cubismo. En
1918, en el Salón de la Nueva secesión,
Huelsenbeck da el primer discurso
Dadá en Alemania, solidarizándose en primer
lugar con los dadaístas de Zúrich para
después atacar violentamente al cubismo, al
expresionismo y al futurismo. Poco después
elaboró el primer manifiesto dadaísta en
Alemania. Huelsenbeck con el poeta Raoul Hausman promueve
declaraciones y manifiestos a partir del "dadá
Club".
Al club Dadá que se unieron Kurt Schwitters,
Georg Grosz,Hanna Höch y los hermanos Herfelde. El
pintor Georg Grosz tenía marcadas tendencias políticas.
La constitución de la República de
Weimar en 1919 marca el fin
de los proyectos
políticos dadaístas y la resituación de
este grupo en los marcos artísticos.
El movimiento dadá berlinés
pasará a la historia por la incorporación de
las nuevas técnicas artísticas de
difusión de ideas entre las masas, principalmente el
fotomontaje. Los dadaístas utilizaron la
técnica del fotomontaje para plasmar la realidad que
les circundaba, utilizando material visual sacado de los
medios de
comunicación.
Dadaísmo
El término minimalista, en su ambito
más general, es referido a cualquier cosa que se haya
desnudado a lo esencial, despojada de elementos sobrantes, o
que proporciona solo un esbozo de su estructura, y minimalismo es la
tendencia a reducir a lo esencial. Se aplica también a
los grupos o
individuos que practican el ascetismo y que reducen sus
pertenencias físicas y necesidades al mínimo,
es tambien el signficado a simplificar todo a lo
minimo.
El término "minimal" fue utilizado por
primera vez por el filósofo Richard Wolheim en 1965,
para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt y a otros
objetos de muy bajo contenido artístico como los
ready-made de Marcel Duchamp
1. Como movimiento artístico, se identifica
  con un desarrollo del arte occidental posterior a
  la Segunda
  Guerra Mundial, iniciado en los años 60 Segun
  el diccionario de la real academia española, el
  minimalismo es una corriente artística que utiliza
  elementos mínimos y básicos, como colores
  puros, formas geométricas simples, tejidos naturales, lenguaje sencillo,
  etc.
2. Cultura
  2. Música
3. Campos de acción
Minimalismo

Artículo principal: Música
minimalista

En el mundo de la música, en los 35
últimos años, el término minimalismo se
aplica a veces a la música que muestra alguna de
las características siguientes (o todas):

repetición de frases musicales cortas, con
variaciones mínimas en un período largo de
tiempo;
estasis (movimiento lento), a menudo bajo la forma
de zumbidos y tonos largos;
énfasis en una armonía
tonal;
un pulso constante.

La primera composición que se considera
minimalista fue la obra de 1964 In C, de Terry Riley, a la
que siguieron, en la década de 1970 las obras de Steve
Reich y Philip Glass entre otros.

La música minimalista puede sonar a veces similar
a diferentes formas de música electrónica (e.g. Basic Channel),
así como a algunas composiciones basadas en la textura,
como alguna de las obras de Gyorgy Ligeti. A veces el resultado
final es similar, pero el procedimiento de
acercamiento no lo es.

El término minimalismo en música
—aplicado independientemente por los compositores y
críticos Michael Nyman y Tom Johnson— ha sido
polémico, pero tuvo un uso muy amplio desde mediados de
los años setenta. El uso de un término del mundo
del arte visual ha sido muy contestado; sin embargo, no
sólo la escultura minimalista y la música comparten
una cierta simplicidad de medios y una aversión al detalle
ornamental, sino que muchos de los primeros conciertos
minimalistas lo fueron en exposiciones de arte minimalista, como
las de Sol LeWitt y otros. ¡Varios compositores asociados
con el minimalismo han rechazado el término, sobre todo
Philip Glass, que ha dicho "¡que la palabra se debe echar a
patadas! " [1]

Se habla a veces de música minimal, como una
evolución musical, y de totalismo, como un movimiento
musical de reacción al minimalismo. Tambien se habla de
techno minimal, un género secundario de la música
de techno, se caracteriza por un bajo desnudo, sonido
entrecortado, un compas ritimico de 4/4 simple (generalmente,
alrededor de 120-135 BPM), una repetición de bucles
cortos, y cambios sutiles.

Algunos de los compositores que frecuentemente se
asocian con este movimiento son:

Philip Glass.
Steve Reich.
Terry Riley.
La Monte Young.
Michael Nyman.

El minimalismo en otras artes

Museo de Arte de Bregenz, un ejemplo
de arquitectura minimalista. Su arquitecto es Peter
Zumthor.

El Expresionismo abstracto es un movimiento
pictórico contemporáneo dentro de la
abstracción, en concreto, las tendencias informalistas
y matéricas posteriores a la Segunda Guerra
Mundial. Surgió en los años 1940 en
Estados
Unidos y se difundió, décadas
después, por todo el mundo. Se considera el primer
movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte
abstracto, y ejemplo del liderazgo
que, en materia de
artes plásticas, asumió Estados Unidos
después de la Segunda Guerra Mundial.
Terminología
Los críticos estadounidenses pronto captaron
la emergencia de este nuevo estilo, destacando Clement
Greenberg, que escribió en The Nation y
Partisan review, así como Harold Rosenberg y
Thomas B. Hess. Fueron estos críticos los que hablaron
de American type painting, Abstract expressionism, Action
painting, Drip painting o Gestural
painting.
Obra de Pollock.
1. Inicialmente, se trató de un movimiento
  marcado por influencia del surrealismo . La primera
  generación del expresionismo abstracto la forman
  una quincena de pintores que trabajaron en Nueva York
  entre 1942 y 1957, entre ellos: Willem de Kooning
  (1904-1997), Arshile Gorky (1904-1948) a quien se reputa
  líder y precursor, William
  Baziotes, Adolph Gottlieb, Philip Guston, Franz Kline,
  Robert Motherwell (1915-1991), Ad Reinhardt, Mark Rothko
  (1903-1970) y Clyfford Still.
  2. Otros artistas
2. Evolución
Expresionismo abstracto
En esta misma línea de la action painting
trabajaron Willem de Kooning y Franz Kline, con pinturas
abstractas y vigorosas, siendo el primero de ellos otro pintor
muy influyente en otros autores posteriores.
Willem de Kooning (1904-1997) realiza obras más
figurativas que las de Pollock, siendo algo intermedio entre
la figuración y la abstracción, es gestual y
representativo a la vez. A partir de 1946 pintó
abstracciones de figuras biomórficas. Su obra se
centró en representar primero la figura masculina,
dedicándose, desde 1950, a su serie más
conocida, Mujeres. La figura femenina se identificaba gracias
a unos senos de enorme tamaño, y sus formas agresivas
hacían de ellas símbolos de fertilidad y de madre
nutricia, pero también de la mujer
erótica o devoradora de hombres. Recurría a
colores primarios intensos y vivos, sirviéndole el
blanco y el negro para dar toques que realzan las figuras.
Sus pinceladas eran violentas, aplicando la pintura de manera
totalmente impulsiva.
El arte callejero o street art
del término inglés, en su concepción
más amplia y literal describe todo el arte
desarrollado en la calle, normalmente de manera ilegal. Esto
incluiría tanto al Grafiti como a otras formas
diversas de intervención artística en la
calle.
Plantillazo de
Banksy.
Sin embargo, desde mediados del los años 90
el término street art o su equivalente de
Post-Graffiti se vienen usando para describir el trabajo de
un conjunto heterogéneo de artistas que han ido
desarrollando acciones artísticas en la calle mediante
el uso de plantillas, posters, pegatinas y otras
técnicas y códigos que se alejan del
Grafiti.
El uso de plantillas (stencil), a menudo con un
mensaje político, cobra especial relevancia en
París en la segunda mitad de los años 60. Sin
embargo, no es hasta mediados de los años 90, con la
aparición de artistas como el norteamericano Shepard
Fairey y su campaña "Obey" (Obey Giant) (Obedece al
gigante), ideada a partir de la imagen del personaje de
circo Andre The Giant y llevada a cabo mediante el uso de
posters y plantillas, cuando las diversas propuestas de este
tipo cobran auge en distintas partes del mundo y son
percibidas en su conjunto como parte de un mismo
fenómeno o escena.
El mensaje original de esta campaña fue nulo,
se erigió haciendo referencia a sí mismo, sin
otro significado de por medio. Sin embargo, desde mediados de
los noventa ha sido una de la imágenes de cultura
urbana más veces retomada por otros artistas. Se ha
parafraseado a manera de homenaje y otras como ironía,
pero ha servido como base importante para el desarrollo del
arte callejero en todas las capitales del mundo.
Póster de Mañoso en
Mexicali, México.
1. Literatura
Arte
callejero

Claudia Walde: Sticker City: Paper Graffiti
Art. Thames & Hudson, 2007. ISBN-13:
978-0500286685

El arte contemporáneo se suele definir
como el arte elaborado después de la Segunda Guerra
Mundial. Los museos de arte denominan arte
contemporáneo a las colecciones de este
periodo.
En sentido amplio, el arte contemporáneo es
el hacer artístico que se desarrolla en nuestra
época. En el caso del arte contemporáneo, se
desarrolla desde la teoría postestructuralista la cual
ha acuñado el término "postmoderno", ya que
desde esa teoría se vislumbra la imposibilidad de
seguir creando desde los preceptos de la originalidad y la
novedad (elementos propios de la modernidad); en lugar de ello se apunta a
elementos como reinterpretaciones, resignificaciones y el
giro lingüistico con el fin de ampliar el concepto de
arte y establecerlo como un acto comunicativo.
Este tipo de prácticas se inician desde la
obra de Marcel Duchamp (fuente 1917) y sus cuestionamientos
de la institución del arte. Pero este pensamiento se comienza a ampliar y a tomar
seriamente desde la década de los setenta hasta
nuestros días con el redescubrimiento de la obra de
Duchamp y de los Dadaistas de principios del siglo XX a manos
de artistas como Robert Rauschemberg, teóricos como
Roslind Krauss y toda la escuela
postestructuralista, que pusierón este pensamiento
dentro del main stream internacional.
2. Centros de Arte
  Contemporáneo
Contrariamente a los museos, su objetivo no es la
conservación ni la constitución de un patrimonio. Es decir su función no es
coleccionar. Ellos realizan exposiciones o proyectos
artísticos en función a su perfil editorial,
teniendo como objetivo la difusión y la promoción del Arte
contemporáneo.
Arte
contemporáneo