La
fotografía
en blanco y negro
A pesar de que se usa en la actualidad fotos a color,
fotografías digitales y muchos programas para el
montaje (como Photoshop),
todavía se sigue usando la fotografía en blanco
y negro, aunque con menor frecuencia. Algunas de las razones
son para obtener buenos resultados, aunque el revelado de la
película y el tiraje de las copias lo debe hacer el mismo
fotógrafo. Eso se deba a que los laboratorios están
automatizados y el blanco y negro requiere un cuidado especial,
muy personal. Por eso
es importante enumerar las características de la
fotografía en blanco y negro para conocer mejor sus
diferenciar de la fotografía a color:
- Se le da prioridad al objeto, ya que gracias a esta
técnica se pueden observar mejor los detalles como
volumen, luces,
sombras, textura, profundidad, entre otros. En cambio, si
fuese a color, estos detalles no se podrían observar con
mejor claridad porque los que más resalta es el color
mismo. - Brinda más posibilidades que el color para que
el fotógrafo haga su propia interpretación de la
realidad. - A partir del mismo negativo, el fotógrafo
puede obtener imágenes
muy distintas desde el punto de vista expresivo. - Ofrece más posibilidades de
intervención que el color. La fotografía se hace
en dos etapas, la toma y la fase de revelado y tiraje. Por eso
se comprende que en la actualidad los aficionados y los
auténticos artistas de la fotografía suelan
preferir el blanco y negro.
Partes y funciones de la
cámara fotográfica
Toda cámara posee una abertura en su parte
frontal y, en su parte posterior, el material que va a ser
impresionado por la luz. Al mismo
tiempo,
está compuesta por:
- Caja o cuerpo de la cámara: Estuche
cerrado a la luz que constituye el cuerpo de la cámara,
valga la redundancia. - Película. Material fotosensible que
experimenta una alteración química cuando es
iluminado. Esta modificación es la que guarda la
información visual del objeto en cada
fotografía. Hay diferentes tipos de películas y
varios formatos que determinan las características
requeridas del conjunto de rayos necesario. - Diafragma: Dispositivo a base de laminillas
móviles intercaladas, que se cierran un poco para dejar
paso a la luz para que la película se pueda imprimir. El
diafragma regula esa luz según unos números que
pertenecen a las distintas aberturas. Cuanto mayor sea la
apertura, dichos números son menores. - Obturador: Regula el tiempo que actúa
la luz sobre la película sensible. Existen dos
tipos:
- Central: Cuando está situado en el
propio objetivo - De cortinilla o plano focal: Cuando
está colocado ante la película, como parte de la
propia cámara y no del objetivo.
Corrientemente, cuanta más luz haya, menor será
la abertura.
- Visor: Pequeña ventana para mirar por
ella, puede tener una lente propia o utilizar un aparato que le
permita ver a través del cuerpo de la cámara.
Gracias a él, el fotógrafo ve y compone el
tema, - Objetivo: Reproduce, sobre la película,
el motivo. Puede acoplarse a las cámaras. Hay de varios
tipos, los cuales diferencia por su distancia
focal:
- Los de 50 mm: Reproducen la imagen en sus
proporciones reales. Son los más comunes. - Los de foco largo o teleobjetivos: Tienen una
distancia focal más larga que los objetivos
corrientes y permiten "aproximar" los objetos
lejanos. - Gran angular: Posee una distancia focal menor
que los usuales e incluye una mayor superficie del objeto, la
gran mayoría de las veces con cierta deformación
en sus extremos. - El ojo de pez: Objetivo de gran angular de
mínima distancia focal que deforma la imagen de forma
exagerada, como consecuencia las líneas rectas se
presentan curvadas y se estrechan los detalles de los bordes.
Solamente suele aplicarse cuando se busca deliberadamente dicho
efecto. - Control de perspectiva: Corrigen la
convergencia de líneas paralelas -distorsión
común al resto de los objetivos- y se emplean sobretodo
en la fotografía arquitectónica. - Los zoom: Originalmente fueron usados en las
cámaras cinematográficas. Pueden acercar o alejar
la imagen que se desea fotografiar. - Objetivo macro: Cuando se retratan objetos a
muy corta distancia, se tiene la posibilidad de corregir las
aberraciones ópticas.
- Teleobjetivos: Es necesario incrementar la
amplificación (distancia focal) y la apertura del
sistema cuando
se procura fotografiar imágenes de objetos lejanos para
que capte la máxima energía posible. Evitar las
excesivas dimensiones de la cámara, se prepara una lente
convergente y otra divergente. Esto permitirá que
aún con una distancia focal grande, la imagen
esté enfocada. - Flash: Su función
es iluminar objetos sin luz, o con luz insuficiente. El
flash se
desarrolló desde los primitivos sistemas que
recurrían a la explosión de polvos de magnesio
hasta las modernas bombillas y dispositivos
electrónicos, que controlan la intensidad
lumínica requerida.
Diafragma, obturador y lentes hacen posible la
proyección de la imagen sobre el material sensible de una
manera adecuada. Para que esto ocurra claramente es preciso
ajustar la distancia entre las lentes del objetivo y la
película, variable según la cercanía o
alejamiento del objeto por fotografiar respecto de la
cámara. Según esto, existe una relación
numérica en el objetivo, a través de la cual el
experto ajusta la imagen a la distancia. Algunas cámaras
automáticas pueden realizar por sí solas esta
operación.
También es primordial señalar otros
elementos de la cámara, así como por ejemplo uno
que está relacionado con el enfoque denominado
profundidad de campo, que se vincula con el intervalo de
distancias dentro del cual la imagen por fotografiar, la cual
resulta bien definida en el enfoque. Ésta será
menor cuanto más abierto esté el diafragma y mayor
a medida que se cierre.
Otros elementos que pueden formar parte de la
cámara son los filtros, que cambian la forma en que
una película registra colores o
valores
tonales. Son discos de cristal y gelatina que se colocan delante
del objetivo. A veces, están coloreados en función
del efecto que se persigue. Hay otros de carácter especial, como los
polarizados, que corrigen el efecto de los reflejos; los
ultravioletas, que absorben los rayos ultravioletas; y los
infrarrojos, que se usan para hacer visibles efectos
pobremente iluminados para la visión
común.
Tipos
de cámara
Aunque hay una gran variedad de tipos de cámara
en el mercado, pero las
más comunes son:
- Cámaras técnicas: Por lo general son
más grandes y pesadas que las medianas y
pequeñas, y se suelen usar para trabajos de estudio,
paisajes y fotografía de obras
arquitectónicas. - Cámaras de visor directo: Tienen un
visor a través del cual el aficionado ve y encuadra la
escena o el objeto. El visor no muestra la
escena a través del objetivo, pero se aproxima bastante
a lo que se retratará. A mayores distancias el efecto de
paralaje es insignificante, a distancias cortas se aprecia
más; esto hace que para el fotógrafo sea
más difícil encuadrar con acierto. - Cámaras réflex: Las
cámaras réflex, tanto la SLR como la TLR,
incluyen espejos que reflejan en el visor la escena que va a
ser fotografiada. La imagen que toma el objetivo superior o
visor se muestra en la pantalla de enfoque gracias a un espejo
colocado a un ángulo de 45º.
Historia de la cámara
Leonardo Da Vinci creó el antecedente
rudimentario de la cámara fotográfica, el cual
consistía en una caja con un orificio circular en uno de
sus lados y un vidrio en el lado
opuesto, en el que se reflejaban los objetos exteriores de manera
invertida.
Sin embargo, después de la invención hecha
por Ibn al-Haitham con respecto a la cámara oscura, se
descubrió más adelante la manera de lograr una
imagen más clara al colocar una lente de una distancia
focal apropiada en el agujero porque a raíz de esto,
comenzaron a usarse cámaras que consistían en
tiendas de campaña como instrumentos de dibujo para
reproducir edificios, campos, entre muchas cosas. Esto
sucedió entre los siglos XVII y XVIII.
Niépce también estuvo involucrado en la
historia de la
cámara fotográfica porque en 1826 usó una
hecha de madera
fabricada por Charles y Vincent Chavalier en París,
Francia.
La primera cámara portable fue construida por
Johann Zahn en 1865. Las primeras cámaras
fotográficas eran similares al modelo de
Zahn, aunque generalmente con una mejora en el enfoque. Antes de
cada exposición
una placa sensibilizada era insertada en frente de la pantalla de
observación para poder grabar
la imagen. El famoso daguerrotipo de Daguerre utilizaba placas
cobre en el
proceso,
mientras que el proceso calotipo inventado por William Fox Talbot
grababa las imágenes en papel.
La invención del proceso de placa mojada con
colodión de Archer redujo drásticamente el tiempo
de exposición, pero requería que el aficionado
preparara y diseñara sus propios lentes, por lo general en
un cuarto oscuro móvil. El complejo uso de las
técnicas de ambrotipia y tintipia estuvo en auge a finales
del siglo XIX. La técnica de la "placa mojada" fue un poco
diferente de los diseños anteriores, aunque algunos
modelos como
el sofisticado Dubroni fueron incorporando las placas dentro de
la cámara misma, dejando a un lado el cuarto oscuro. Otras
cámaras incluso tenían múltiples lentes para
hacer cartes de visite. Es importante mencionar también
que en esta etapa estaba de moda el uso de
los "bellows" para enfocar.
Iniciando el siglo XX, los expertos pudieron comprar las
cámaras del tipo de caja y de fuelle. Después, la
industria
fotográfica inventó las cámaras del tipo de
película de 35 mm y la cámara reflex. En esta
época las fotografías en color se tomaban con
cámaras de tres exposiciones.
En 1925 apareció en Alemania la
cámara de 35 mm, la cual estaba creada originalmente para
hacer cine. Como era
pequeña y económica, se hizo popular entre los
fotógrafos
profesionales y los aficionados. Durante esta etapa, los primeros
utilizaban polvos finos de magnesio como fuente de luz
artificial. Pulverizados sobre un soporte que se prendía
con un detonador, producían un destello de luz brillante y
una nube de humo cáustico. A partir de 1930, la
lámpara de flash sustituyó al polvo de magnesio
como fuente de luz.
En plena II Guerra Mundial,
surgieron muchas nuevas lentes que incluían las de tipo
intercambiable para las cámaras de aquella época.
En 1947, el estadounidense Edwin Herbert Land creó la
cámara Polaroid Land, la cual adquirió fama
porque se podían adquirir fotos totalmente reveladas pocos
minutos después de haberlas tomado.
En la década de los 50’s se inventó
la nueva forma de aumentar la velocidad y la
sensibilidad a la luz de las películas en color y en
blanco y negro. La velocidad de estas últimas se
elevó de 100 ISO a de 5.000
ISO, mientras que en las de color se multiplicó por diez.
También entraron al mercado los dispositivos
electrónicos (llamados amplificadores de luz), cuya
función era incrementar la luz débil y registrar la
tenue luz procedente de estrellas muy lejanas. Dichos avances en
los dispositivos mecánicos consiguieron elevar
sistemáticamente el nivel técnico de la
fotografía para aficionados y profesionales.
En la siguiente década, salió la
película Itek RS, que permitía utilizar el zinc, el
sulfuro de cadmio, el óxido de titanio y otros productos
químicos más económicos, sustituyendo a los
costosos compuestos de plata. La fotopolimerización
hizo posible la producción de copias por contacto sobre
papel normal no sensibilizado.
A finales del siglo XX, nacieron las cámaras
digitales. Éstas resultaron ser más sencillas
porque las imágenes son capturadas por un sensor
electrónico que tiene a su disposición
múltiples unidades fotosensibles y desde allí se
archivan en otro elemento electrónico que constituye
la memoria.
Así, se pueden tomar miles de fotografías
-dependiendo de la capacidad de la cámara-, en vez de
comprar un rollo de 12, 24 ó 36 fotos y limitarnos a
cierta cantidad de fotografías. Sumándole al
revelado, los costos son
elevados.
Técnicas de
iluminación
Existen diversos factores importantes que se deben tomar
en cuenta en la iluminación fotográfica:
Origen:
- Luz natural: Es la que aporta el sol, la luna
y las estrellas. Estas dos últimas, a diferencia del
astro rey, se caracterizan su poca intensidad, y por eso
raramente se utilizan. En cambio, el sol posee una luz
más intensa. No obstante, la luz natural es más
difícil de controlar porque cambia constantemente de
intensidad,
dirección, calidad y
color. - Luz artificial: Este tipo de luz se puede
controlar, pero es más costosa e incómoda de
usar, aparte de limitar la extensión de la superficie
que se va a alumbrar. De ahí su complejidad. Puede ser
continua (bombillo) o discontinua (flash).
Número de fuentes
luminosas: Influye sobre el contraste y el modelado de la
imagen. Para este caso, es recomendable usar el menor
número posible de fuentes y emplear siempre una como luz
principal. Con luz natural puede aprovecharse, como luz
secundaria o de relleno, una pantalla reflectante o un destello
de flash.
Color: La longitud de onda de la luz y el color
que posee el objeto lo determinan, excepto las sustancias
fluorescentes.
Dirección o posición de la fuente
respecto a la cámara y el motivo: Es preciso tomar
en cuenta la luz y la altura, pues influyen enormemente en la
fotografía. Los detalles principales dependerán
de la posición de la fuente, incluso se pueden ocultar
aquellos que no tienen importancia para el fotógrafo.
Además, la sensación de volumen, la textura y la
intensidad de los colores tendrán mucho que ver con la
dirección de la luz. Y si se manipula la
luz de manera horizontal, pueden significar tranquilidad o
ambientes de atardecer. La dirección de la luz se pueden
usar de varias maneras, aunque las tres primeras son las
más estudiadas y utilizadas por los expertos:
- Frontal: La iluminación es directa y da
al frente. Con ella, hacen que los objetos sean planos, los
colores son más brillantes. e incrementa la cantidad de
detalles. No obstante, posee una desventaja: Anula la
textura. - Lateral: Cuando la iluminación
está de lado. Este tipo de dirección
acentúa el volumen y la profundidad de los objetos
tridimensionales. Al mismo tiempo, realza la textura e
intensifica el contraste de la imagen. A pesar de dichos
atributos, da menor "información" sobre los detalles,
como lo hace la luz frontal. - El contraluz: Cuando damos la espalda a la
luz. Cuando se quiere simplificar un tema conocido, éste
hace que los motivos se transformen en siluetas y se logra su
contemplación. Sin embargo, anula los
colores. - Alta: A diferencia de la luz frontal y para
evitar confusiones, se aplica desde un punto alto y a una
determinada altura, por ejemplo: una persona
está de pie y la lámpara está a la altura
de su rostro. - Cenital: Ocurre cuando se alumbra desde
arriba. - Contrapicado: Cuando se ilumina desde abajo
hacia arriba, es decir de manera diagonal. Es utilizado mucho
en fotografías de temas relacionados con el terror.
Verbigracia de ello es cuando una persona ilumina su rostro con
una linterna y lo apunta desde el mentón. - Contrapicado lateral: A diferencia de la luz
anterior, se ilumina de un lado, sea el izquierdo o el
derecho.
Difusión o forma de emanar y llegar al
objeto: Hace que el borde de las sombras sean
nítidas y podemos verificar la dureza o suavidad de la
imagen. Se nombrarán a continuación los tipos de
iluminación, los cuales están determinados por el
tamaño y proximidad de la fuente luminosa:
- La luz dura: Proviene de fuentes
pequeñas y alejadas, como por ejemplo como el sol y
los bombillos. El grado de dureza está establecido por
la distancia y el tamaño. Asimismo, si se quiere
destacar la textura, la forma y el color, este tipo de luz es
ideal porque ofrece el mayor grado de contraste.
También es importante destacar que produce efectos
fuertes y espectaculares - La iluminación semidifusa: Proviene
de fuentes más grandes y cercanas al objeto. No
obstante forma sombras definidas sin bordes nítidos.
Aunque subraya el volumen y la textura, no se producen
sombras negras y vacías y ni el gran contraste de la
luz dura. Los colores son parecen apagados, en otras
palabras, sin brillo. - La luz suave: Es sumamente difusa y apenas
genera sombras. La fuente luminosa debe ser muy extensa o,
más bien proyectarse sobre una superficie muy grande y
próxima (techo, pantallas, lienzos, etc.). A pesar de
ser la más agradable y fácil de controlar, es
la menos impresionante. Este tipo de luz resuelve los
problemas
de contraste. Las sombras son menos importantes y le da
dominancia al volumen del motivo.
Composición
fotográfica
La composición fotográfica es la
manera en la que se organizan los objetos vistos dentro del
encuadre, dentro de lo que realmente queda en cuadro. Es decir,
ordenan las figuras dentro del espacio visual disponible y
dándole un sentido de unidad, de modo que resulte
armoniosa y artísticamente equilibrada.
Los elementos que hay que percatarnos para formar el
cuadro son la perspectiva, el horizonte, la diagonal, la
línea "S", la imagen horizontal, la imagen vertical, el
centro de interés,
el fondo, el contraste, el equilibrio y
el ritmo.
Si le queremos dar un nuevo nivel de significado al
encuadre, podemos variar la posición de la cámara
para seguir el desarrollo de
la acción,
en otras palabras la capacidad de movimiento del
encuadre. También es importante destacar los diversos
aspectos en cada escena. En este proceso participa del montaje y
se produce el "montaje dentro del plano".
Sin embargo, dentro de la composición, de todos
los elementos citados con anterioridad hay dos que influyen en la
composición que describiremos enseguida:
- El equilibrio: Mientras más equilibrada
sea la situación de los elementos que la componen,
más agradable resulta la fotografía. Su "peso
visual" se debe a cómo se distribuyen las figuras. Los
elementos de mayor masa visual se podrían colocar
más al centro, y los más ligeros hacia los
márgenes. La noción de "peso visual" se toma en
un sentido de mancha o masa. También se toma en el
volumen y el peso que instintivamente se relaciona con cada
elemento. Además, el equilibrio se asocia a las
composiciones verticales, a la intensidad y al contraste de los
colores. Una imagen mal equilibrada es rechazada
inconscientemente por cualquier observador y su mensaje no
podrá ser captado. - El ritmo: Se define como el resultado de la
repetición de líneas, formas, volúmenes,
tonos y colores. Cuando se repite un motivo, la armonía
de una escena aumenta. El ritmo permite unir los diferentes
elementos de la escena para otorgarles unidad y fluidez. Las
composiciones con ritmo excesivamente rígido (olas,
cartones de huevos, campos de dunas, terrenos de cultivo,
etc.), es aconsejable romperlas con algún pequeño
objeto que no tenga nada que ver, pero que disminuya su rigidez
y proporcione un centro de interés.
Enumeraremos las reglas básicas de
composición que pueden servir como norte:
- Elegir bien el encuadre y el punto de vista:
Para ellos se escoge el objeto que queremos fotografiar y
buscar el punto de vista en el que sobresalga más. De
esta manera dejaremos de lado aquellos elementos que nos
desconcentren en pleno proceso. - La regla de los tercios: De manera imaginaria
y tanto horizontal y verticalmente, fraccionamos la pantalla en
tercios. El objeto debe estar en uno de los puntos de
intersección de la cuadrícula imaginaria y no en
el centro de la imagen. - Las líneas dominantes: Deben centrar la
atención, no desviarla. Una de las
normas
más famosas de la composición es repetir las
líneas y objetos, sobretodo si el motivo es una estructura.
Las líneas pueden ser horizontales, verticales, curvas o
cruzadas. Las diagonales y líneas en "S" se emplean para
imprimir un cierto movimiento a las
fotografías.
El fotógrafo puede hacer su composición de
mil maneras, pero hay normas que si se llevan a cabo notaremos
cómo la imagen obtenida produce sensaciones de mayor
intensidad. En otras palabras, estas son algunas de las formas de
composición más comunes:
- Composición simétrica:
Generalmente, muchos de los temas que se fotografían
como personas, animales u
objetos tienen uno o varios planos de simetría, incluso
la línea del horizonte pueden actuar de cierta manera.
Si los motivos ubicados a ambos lados del eje simétrico
tienen el mismo "peso visual", la imagen puede ser agradable.
Este tipo de composición es sencilla, solemne y formal.
Sin embargo, resulta fría y sumamente mecánica. - Composición asimétrica: Las
variantes que este tipo son infinitas. Es conocida con el
nombre de las formas de letras o figuras que toman. Las
más empleadas son la triangular y las realizadas en
forma de "S", "L", o "C". - Composición con líneas: Las
líneas pueden estar presentes en la imagen o existir
tácitamente al unir sus elementos constituyentes.
Aquí las líneas pueden actuar de distintas
maneras como haciendo ingresar nuestra visión en la
fotografía, guiando nuestra mirada por la imagen hasta
el centro de interés, o haciendo salir nuestra mirada de
la foto lo más levemente posible.
Fotografía y publicidad
La fotografía es muy usada en publicidad,
sobretodo cuando se toman fotos para vallas, anuncios,
ilustraciones en libros y otras
publicaciones. Se ha recurrido a ella para inspirar e influir
opiniones políticas
o sociales. Además, desde la década de 1920 se ha
usado mucho con la intención de impulsar y dirigir el
consumo, y
como un elemento más de la publicidad. Los aficionados
utilizan una amplia gama de sofisticadas técnicas para que
sus imágenes sean atractivas. Y en mucho de los casos,
hacen retoques en ellas para que se aproxime a la
perfección que los medios y la
publicidad han establecido en cuanto a la belleza
humana.
Esta clase de
imágenes ha tenido un fuerte impacto dentro de la cultura porque
ha representado también un gran impulso en la industria
gráfica junto con los avances en las técnicas de
reproducción fotográfica de gran
calidad. Los que más se destacaron en esta área
son: Irving Penn y Cecil Beaton, fotógrafos de la alta
sociedad;
Richard Avedon, quien se hizo popular como fotógrafo de
moda, y Helmut Newton,
polémico fotógrafo de moda y retratista cuyos
trabajos poseen habitualmente un gran contenido
erótico.
Conclusión
La fotografía ha ido evolucionando con el paso
del tiempo. Muchos expertos han ido descubriendo la forma
más sencilla de hacer las fotografías, tomando como
referencia a los antecedentes para que este tipo de arte vaya
mejorando cada vez más. A pesar de su evolución, a estas alturas hay expertos que
se inclinan por las fotos en blanco y negro. Cada uno de ellos le
da un significado, dependiendo del tipo de mensaje que quiera
dejar. Gracias al blanco y negro, los detalles se pueden observar
mejor, cosas que no ocurre en la fotografía a color. Por
ser un arte, hay gente que está dedicada a ella como
profesión y otra como hobbie. Para estimular esto, se han
hecho cursos y concursos de fotografía, la cual va
adquiriendo más y más aficionados.
También la cámara también se ha ido
desarrollando. Además, hay muchos fotógrafos que no
les gusta lo digital y prefieren lo tradicional. Este es el caso
de los reporteros gráficos y los
artísticos.
Pero en el caso de las cámaras digitales, se ha
provocado una disminución en la industria
fotográfica porque, como ya se dijo anteriormente, los
consumidores optan por ella por su facilidad y toma
fotografías de manera casi "ilimitada", es decir, en vez
de limitarse a un rollo de 36 fotos, pueden tomar con la digital
200 fotos. No obstante, se ha hecho un estudio de
mercado y se descubrió que mucha gente, aunque les
guste tomar fotos a través de las cámaras
digitales, les gusta verlas en formato revelado. Prestando
atención a las necesidades de los clientes, se
creó un sistema donde el cliente puede
enviar sus fotografías a la página web
y las mandan a imprimir. De esta manera, las tiendas
fotográficas evitarán que quiebren y
continúen en el mercado.
Con este trabajo, nos
hemos dado cuanta que la mayoría de las veces, cuando se
busca información acerca de la fotografía, se
mezclan las historias de la fotografía con la de la
cámara. Aunque ambas están estrechamente
relacionadas, son diferentes entre sí. En la historia de
la fotografía tomamos en cuenta su evolución de los
químicos y el revelado, pero en la de la cámara, en
el aparato en sí.
Las partes básicas de la cámara que
señalamos con anterioridad, a veces cambian de nombre y
otras no poseen flash. Todo dependerá del tipo de
cámara que se va a usar.
Las técnicas de iluminación son ayudan a
una mejor orientación en cuanto a la luz, ya que esta
tiene una gran influencia en la fotografía. También
es fundamental tomar en cuenta los factores nombrados
anteriormente porque nos sirven como base para una exitosa
sesión fotográfica.
Podría decirse que la composición es uno
de los métodos
donde el fotógrafo expresa su mayor creatividad
porque él mismo selecciona los elementos y los va
ordenando se acuerdo con el mensaje que quiera
expresar.
Con respecto a la fotografía y publicidad, muchas
modelos, actores, actrices y cantantes han sido retocados
fotográficamente para que se acerquen a la teoría
de la "perfección" de la belleza humana. Esta es la causa
por la que muchas mujeres mueren cada año de anorexia y
bulimia. Y cada año muchos hombres se han inyectado
esteroides en los músculos para parecerse a aquellos que
salen en las revista. Por
eso mismo, una actriz famosa llama Jaime Lee Curtis, cuando fue
fotografiada para la portada de cierta prestigiosa revista,
prohibió que sus piernas sean retocadas por programas de
computadoras
para mostrar al mundo cómo son sus piernas en realidad. De
esta forma dejó un claro mensaje: Ni las celebridades de
Hollywood son perfectas. Son simplemente humanos.
Como una conclusión total, podemos afirmar que,
sin importar la tendencia que se está utilizando, la
fotografía es una forma de comunicación entre el fotógrafo y su
medio.
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[Consulta: 2006, Septiembre 3]
Hecho por:
María Auxiliadora Ramírez
Estudiante de Publicidad de la Universidad Alejandro de
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Caracas-Venezuela
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