Historia del Arte. El Arte Barroco

¿En qué
período se desarrolla el arte Barroco y qué
características presenta?
Características del
Barroco en Italia y Francia
Descripción del
Vaticano
Basílica de San
Pedro
¿Quién fue el
escultor más destacado de ese siglo y cuales fueron sus
obras más representativas?
Obras y características
más importantes

Tradicionalmente se denomina "Barroco" al
período de transcurre desde el siglo XVII al XVIII. La
especial actitud
estilista que caracteriza al arte
barroco alcanzó su momento de madures en Italia
hacia 1630 y se desarrolló en los cuarenta años
siguientes. A partir de ese momento se difundió por
todas las naciones de Europa.
El arte
barroco jugó un papel importante en los conflictos
religiosos de este periodo. Frente a la tendencia protestante
a construir los edificios para el culto de una manera sobria
y sin decoración, la iglesia
católica usó para sus fines litúrgicos
la grandiosidad y la complejidad barrocas. El papado
reaccionó contra la división que provocó
la reforma iniciada por Lutero generando el movimiento
que se conoció como la Contrarreforma. La arquitectura,
la escultura y la pintura
fueron utilizadas para el prestigio de la autoridad
papal e ilustrar las verdades de la fe. En este sentido se
puede afirmar que el barroco es la expresión estética de la
Contrarreforma.
La monarquía utilizó la
magnificencia de este arte para poder
hacer propagandas que los beneficiasen, ya sea en el arte o
en la sociedad.
La burguesía de la época, que
había logrado obtener un papel muy notable,
utilizó el Barroco para expresar sus ideas y
trascender más allá de su
época.
En la arquitectura se dan las superficies
onduladas, las plantas
elípticas y las trabazones interrumpidas,
acompañadas de una exageración de la
monumentalidad. La arquitectura barroca española
influyó activamente en América del Sur y contó entre
sus principales figuras representativas a José de
Churriguera (retablo de San Esteban de Salamanca), a
José de Ribera y a arquitectos del s. XVIII como
Hipólito Rovira, Casas Novoa y Leonardo de Figueroa.
Entre sus manifestaciones se destacan la basílica de
Guadalupe, la fachada del Sagrario de la catedral, la capilla
del Pocito y las iglesias poblanas, en México, y en el Perú una
arquitectura en la que se entremezclan el empleo de
la columna salomónica con el de la hojarasca
decorativa indígena.
En la escultura cobra papel decorativo en la
composición general, y en las grandes pinturas murales
viene a corroborar el gusto por la teatralidad, que asimismo
reflejan los fondos de los retratos y los grandes altares de
las iglesias, con su complicada estructura
y dramática vivacidad. Se destacan el movimiento y el
dinamismo; las imágenes muestran pasiones violentas,
lentas y exaltadas. La valorización de aquellos
motivos heroicos de la cultura
renacentista injertos en la Contrarreforma y la pintura del
Greco y de Caravaggio introdujeron nuevos contenidos
religiosos y morales y contribuyeron a una radical
renovación de la expresión figurativa. El
fortalecimiento de la Iglesia católica trajo consigo
una vigorosa reanudación de motivos estrictamente
renacentistas, y al mismo tiempo en
la pintura se abría paso un eclecticismo
académico y el creciente interés por la decoración. En
este eclecticismo y naturalismo, de tipo decorativo, tienen
su origen las alegorías de los cuadros devotos (la
calavera, el éxtasis celestial, la mirada en rapto
doloroso o apasionado), con su estabilización de la
iconografía sacra, y, paralelamente, el cultivo de una
serie de temas de devoción y de ilustraciones de la
verdad de la fe y de los sacramentos, fruto de una gran
demanda
por parte de la Iglesia. La expresividad de las figuras
representadas y el intenso claroscuro son unas de las
características más importantes de este
período en la pintura.
En resumen, el Barroco se caracteriza por la
acumulación de formas y excesos de
superposición de elementos ornamentales y en el cual
aparecen columnas retorcidas y pilastras que no sostienen
nada, arquitrabes y muros que se doblan y retuercen, figuras
en los cuadros iluminados de forma antinatural y esculturas
que buscan efectos ilusionistas. Responde a una mentalidad
cada vez más homogénea, que adoptó sin
embrago en los diversos países formas diferentes. Se
puede decir que el barroco es un estilo comprensible para
todos que se manifiesta con dos ideas contrapuestas: a) el
barroco lujoso y cortesano, teatral y católico y b)el
barroco burgués destinado a representar la vida real,
cotidiana y que abarca al protestantismo.
En la segunda mitad del XVII se desarrolló en
el norte de Europa un estilo clásico diferente,
conocido como neoclasicismo.
¿En qué
período se desarrolla el arte Barroco y
qué características presenta?
Características del barroco en
Italia
El fenómeno espiritual que
cristalizó en Italia las nuevas concepciones
artísticas fue la contrarreforma; de ahí que
precisamente la ciudad de los papas constituyera la sede de
un trabajo de
remodelación basado esencialmente en la
exaltación temática religiosa, una de las
líneas maestras de la arquitectura barroca tanto en
sus inicios en Roma como en
posteriores etapas de plenitud en todo occidente. De acuerdo
con las ordenes del papado proliferó la obra de
numerosos arquitectos urbanistas: junto al las edificaciones
de los tres grandes nombres del período mayor del
florecimiento barroco, Piero de Cortona, Bernini y Borrominni
entre otros.
El proyecto de
reforma emanado por la autoridad papal respondió a una
necesidad político-religiosa: volver a conferir
importancias a las grandes basílicas romanas y
enlazarlas entre sí por medio de calles que
facilitasen sus visitas a los peregrinos. Pero también
fue respuesta una situación económica y social
ya que siendo Roma aún una ciudad amurallada, su
población crecía más y
más.
Las bellas fuentes
que caracterizaban a roma fueron construidas durante el siglo
XVI. Una de las más famosas es la fuente de Trevi
realizada por Niccolo Salvi.
Los recursos
de urbanización y ornamentación fueron
aplicados en las villas de los Papas y Cardenales en cuyos
jardines se alternaban bosques y praderas pobladas de ruinas,
estatuas y fuentes.
Los dos arquitectos por excelencia fueron Bernini y
Borromini.
Gian Lorenzo Bernini, nacido en el año 1598 y
muerto en el 1680 fue escultor, arquitecto y pintor. Fue, con
Borromini, el artista más representativo del barroco
romano del s. XVII. En su carrera influyó
decisivamente la protección que le prestaron los papas
Urbano VIII (1623-24) y Alejandro VII (1655-57).
Imprimió efectos escenográficos a sus obras de
arquitectura, combinando en ellas la proporción y la
perspectiva: baldaquino de la basílica de San Pedro
(1624), columnata de San Pedro (1657-67), etc. Su escultura
se caracteriza por un extraordinario sentido del
movimiento,
expresividad y penetración
psicológica: Dafne (1622, Galería Borghese) y,
sobre todo, Santa Teresa y el Ángel (1644-47).
También fue obra de Bernini la escalera regia del
Vaticano que conduce a los pisos superiores del palacio, las
Iglesias de San Andrés y el Sudario. Quizá su
obra mayor fue la urbanización externa de la Plaza de
San Pedro, en donde los brazos del pórtico
representan, los brazos de la Iglesia extendidos hacia la
cristiandad.
Francesco Borromini, nacido en el 1599 y muerto en
1667. Fue un arquitecto e inició su carrera en Roma,
con Maderna, como dibujante y escultor. Después
trabajó con Bernini pero fue más audaz y
revolucionario que éste. Casi todas sus obras son
encargos de órdenes religiosas. La columnata del
palacio Spada (1632) fue su primera obra
arquitectónica. Siguen las iglesias delle Quattro
Fontane, Santa Inés y San Ivo alla Sapienza. Sus
planos son un alarde de penetraciones fantásticas de
unos elementos con otros, acentuando su dinamismo vertical y
horizontal. Tuvo gran influencia en la Europa del s.
XVII.
En cuanto al resto de Italia fue en Nápoles y
en Sicilia donde el barroco fue aceptado con entusiasmo donde
la arquitectura fue libre y se descubrió con una
fastuosa y pintoresca. En Florencia el Palacio de
Pitti con techos barrocos; en Venecia se levanta la torre
de Santa María de Saludi. En el norte,
Turín es una ciudad barroca donde son
característicos el Palacio real de Carignano,
el panteón real y el castillo
Stupigni.
Características del barroco
en Francia
En Francia surge una generación de grandes
pintores, influidos por la pintura italiana pero dotados de
gran personalidad, y cuyo arte está
orientado hacia la realidad del mundo y se satisface con la
representación de escenas familiares (Le Nain,
Philippe de Champaigne, Georges de la Tour). El único
que escapa a esta regla es Claude Lorrain, inspirado por el
clasicismo pagano italiano.
Algunos edificios característicos del arte
francés fueron los bellos palacios, de los cuales el
más imponente es el de la residencia que Luis
XIII hizo construir en Versalles,
originariamente una pequeña construcción de ladrillos que Luis
XIV hizo embellecer y ampliar. Así alrededor del
patio central primitivo, Le Vau añadió
dos alas que llegaban hasta el jardín y entre las que
quedaba una gran terraza. En ese espacio Manzart
construyó una galería que luego se
convirtió en el salón de los espejos.
Por último los jardines fueron decorados por Lenotre
que dispuso una serie de escalinatas que descienden del
palacio al jardín.
Mencione las
características del Barroco en Italia y Francia.
Realice la
descripción del Vaticano y mencione tres
arquitectos famosos que participaron en su
construcción.

La Ciudad del Vaticano, también llamada la Santa
Sede, se encuentra en Roma. Dentro de ésta se encuentra el
Museo que guarda los tesoros artísticos del
Vaticano. Se divide en distintas colecciones independientes. Las
más importantes son el Museo Pío Clementino,
con estatuaria griega y romana; la Galería
Chiaramonti, con esculturas griegas y renacentistas; el
Museo Gregoriano, con objetos egipcios y etruscos; la
Pinacoteca, rica especialmente en pintura italiana; la
Biblioteca, fundada en el s. XV, etc. Las Estancias y
la Capilla Sixtina también forman parte del
Museo.

Desde el siglo XVI es la sede del máximo
representante de la Iglesia Católica y en ella se levanta
el mayor templo cristiano. Esta ciudad comprende La
Basílica de San Pedro, los palacios Vaticanos y otras
edificaciones de menor relevancia. También forman parte de
esta algunos edificios situados fuera de sus límites,
como: la basíliva de Santa María la Mayor; San
Juan de Letrán, San Pablo Extramuros y la Villa y el
palacio de Castelgandolfo

Se llega a la basílica de San Pedro por la
vía de la conciliación, trayecto obligado para
acceder a la monumental plaza de San Pedro (obra de Bernini
realizada entre 1656 y 1667). Esta plaza es de forma
elíptica y está cerrada en el fondo por la
Basílica que se prolonga sobre ella con un pórtico
dórico. Su origen se remonta a la basílica
construida por Constantino el Grande en 324. En el s. XV,
temiéndose por su integridad, se decidió
reconstruirla. En 1506, Julio II adoptó el proyecto de
Bramante (planta de cruz griega, tres naves), continuado por
Rafael, Sangallo, Miguel Ángel (que añadió
la gran cúpula, que realizaron Vignola, Della Porta y
Fontana) y Bernini (que construyó la columnata exterior y
el baldaquino interior de bronce). Alberga la Pietà, de
Miguel Ángel; la Confesión, de Maderno, y numerosos
monumentos funerarios de Bernini, A. Pollaiuolo, Algardi,
Fontana, Canova.

Basílica de San Pedro

Fachada de la Basílica de San
Pedro

Carlo Maderno realizó la fachada de la
basílica entre 1607 y 1614, aunque se siguió
trabajando hasta 1614 en el atrio. Originalmente debía de
estar flanqueada por dos torres campanario que no pudieron
añadirse debido por deficiencias estructurales. Ocho
grandes columnas y ocho pilastras con capiteles corintios
sostienen al friso, sobre el cual se dispone un frontón
triangular. En el cuerpo superior se han abierto ventanas de
formas distintas pero donde se consigue un elegante efecto de
ritmo y simetría, y está coronado por una
balaustrada interrumpida por trece pedestales, en los cuales se
yerguen las estatuas del Redentor, el Bautista y doce
apóstoles, excluido San Pedro. En el cuerpo inferior, a la
izquierda se abre el Arco de la Campana, que da acceso a La
Ciudad del Vaticano. El balcón central recibe el nombre de
Logia de las Bendiciones y es célebre porque se
anuncia desde allí a los files la proclamación del
nuevo Papa, y porque desde ese lugar se imparte la
bendición urbi et orbi. Debajo se encuentra un
altorrelieve de A. Boncino (1614) que representa La Entrega de
las Llaves. La fachada posee un desarrollo
excesivamente horizontal e igualmente se advierte
desproporción en las escaleras de acceso, que Bernini
construyó en tres replanos.

Fachada de la Basílica

Cuando en el 1456 muere Sangallo, Miguel Ángel se
hace cargo de las nuevas obras de la Basílica de san Pedro
y cancela los proyectos de su
predecesor, diseñando una gigantesca cúpula que
debía situarse en el centro de su planta de cruz griega. A
pesar de que en el siglo XVII Maderno, alteró la planta,
sí que se llevó a cabo, ateniéndose a los
dibujos
miguelangelescos, esta poderosa cúpula que tiene 92m. de
circunferencia y se levanta a 136 metros y medio de altura. No
pudo verla terminada porque murió en 1564, pero se
había edificado para entonces la casi totalidad del tambor
que la sostiene. Sus continuadores Giacomo della Porta y Domenico
Fontana, dudaron entre mantener la forma esférica
propuesta por Miguel Ángel o perartarla en algo, como al
final hicieron, pero sin traicionar el espíritu de la
obra.

Tres de los arquitectos que participaron en la
construcción del Vaticano fueron:

Miguel Ángel (Buonarroti) En 1457 fue
nombrado arquitecto mayor de la Basílica de San
Pedro y si bien respetó la planta original de
Bramante, levantó la cúpula a una altura mucho
mayor. Con excepción de la fachada, todo el exterior es
obra de Miguel Ángel. (Estas son las más
destacadas).
Gian Lorenzo Bernini, que realizó la
Plaza de San Pedro; la escalera regia, considerada como la obra
más ardua de entre toda su producción arquitectónica (estas
son algunas de sus obras más destacadas). Luego hizo el
Templete de San Pedro, un pequeño edificio
circular, rodeado de un pórtico con columnas
dóricas que remata en una cúpula.
Bramante, Donato quien hizo la escalera de
caracol del Vaticano. Con Julio II se convirtió en el
director general de las obras del Vaticano. Fue en 1505 cuando
proyectó la nueva Iglesia de San Pedro, que
debía sustituir a la antigua Iglesia paleocristiana
levantada por Constantino; concibió un edificio con
planta en forma de cruz griega y enorme cúpula, pero no
pudo verlo construido ya que murió.

Gian Lorenzo Bernini
nació el 7 de Diciembre de 1958 en Nápoles.
Hacia el 1605 marchó hacia Roma junto con su familia,
donde, gracias a la protección del cardenal Scipione
Borghese y una incesable actividad artística,
consiguió ocupar, en pocos años, el primer
lugar entre los artistas que allí trabajaban. Se
reveló en las primeras esculturas realizadas para
dicho cardenal: Eneas y Aníquises; el rapto de
Proserpina.
Prescindió de los límites del bloque
escultórico, realizando figuras muy movidas, con sus
extremidades lanzadas al espacio y representadas en momentos
fugaces.
Estas características se apreciaban ya en
<<Apolo y Dafne>> (Galería Borghese, Roma)
y en el <<David>> captado en el momento de lanzar
la honda. Maestro indiscutible de del barroco romano, mantuvo
un proverbial y perspicaz antagonismo con F.
Borromini.
De naturaleza
devota y sensual a la vez, Bernini aspiraba a difundir la fe
católica y penetrar en el mundo espiritual por medio
de unos elementos humanos y perceptibles.
Su obra más importante el <<
Éxtasis de Santa Teresa>>, está en
éxtasis, llena de voluptuosidad. Su escultura se
caracteriza por un extraordinario sentido del movimiento,
virtuosismo técnico, expresividad y penetración
psicológica; grupo
escultórico escenográfico dominado por la
visión de la unión mística con Cristo
respondía a estos deseos del artista. Otra de sus
obras fue <<San Longino>>.
Su producción arquitectónica,
generalmente monumental, en consonancia con las ideas de una
Roma triunfal, y con un empleo de diversos materiales, contribuyó a darle a la
ciudad parte de su fisonomía actual. Protegido por el
papa Urbano VIII, dos de sus principales ceraciones se hallan
en el Vaticano; se trata del <<Baldaquino de San
Pedro>>, enorme altar en bronce con cuatro columnas
salomónicas, y <<La Escalera Regia>>,
donde creó la ilusión de profundidad gracias a
unas perspectivas convergentes. Esta escalera otorga una
mayúscula solemnidad a la entrada del Palacio
Vaticano, que anteriormente era solos un mezquino pasadizo
construido por Sangallo. Su obra más ambiciosa fue, no
obstante, la columnata de la plaza elíptica de San
Pedro, verdadero símbolo del barroco romano. Como
arquitecto de Iglesia realizó también
Sant´Andrea al Qurinale, de planta oval.
Se muestran dibujos del propio Bernini, la
Cátedra de San Pedro (1656-1667) situada en el
ábside de la Basílica, pretende y consigue
armonizarse con el grandioso baldaquino previamente levantado
sobre el altar.
En las postrimerías de su vida, aceptó
el arduo cometido de esculpir en mármol la tumba de
Alejandro VII, pero dado a que el maestro se hallaba
completamente exhausto solo llegó a diseñarla y
fueron sus seguidores quienes la completaron.
La muerte de
Bernini ocurrida en Roma el 28 de Noviembre de 1680,
señalaba el fin de la supremacía
artística italiana en Europa.
¿Quién fue el escultor
más destacado de ese siglo y cuales fueron sus obras
más representativas?
Completa el
siguiente cuadro

Figura

Obras y características
más importantes

Velásquez
Diego (1599-1660)

Es la figura más importante de la pintura
barroca española. Algunas de sus obras
características de sus años juveniles son sus
bodegones con figuras (El almuerzo, Museo del
Ermitage; 1618, La vieja friendo huevos, Col.
Cook, en Richmond; 1619, El aguador de Sevilla, Col.
Wellington), y sus cuadros de asunto religioso (Cristo
en casa de Marta, National Gallery de Londres), que
demuestran un profundo estudio del natural, con un esquema
compositivo típicamente manierista. Un aspecto del
barroquismo del Velásquez joven es su preferencia
por la composición de medias figuras Pintó en
su primer período madrileño diversos retratos
reales (Felipe IV ) otros retratos (Conde-Duque
de Olivares, Hispanic Society), bufones, y cierra el
ciclo con la obra maestra de este período, Los
borrachos (1628,). Hacia. 1631 señala un gran
paso en su pintura: su colorido se enriquece con un
color
más suntuoso, modelando más con colores
que con las sombras. Esta segunda etapa madrileña es
abundante en obras: cuadros religiosos (Cristo
después de la flagelación; 1641-43,
Santos ermitaños1641-43, Coronación
de la Virgen, ), retratos reales (1632,
Príncipe Baltasar Carlos; 1632-34, Felipe
IV, Isabel de Borbón, etc.), retratos
ecuestres (Felipe IV, ; Príncipe Baltasar
Carlos), otros retratos (Conde-Duque de Olivares, a
caballo, ; Duque de Módena,
Módena; Diego del Corral,
Pablillos) y grandes composiciones (1635,
Rendición de Breda, ). Los retratos de estos
años (1651-60) demuestran la madurez que ha
alcanzado su arte, en el que domina el problema de la
representación atmosférica y de la luz
(infanta María Teresa; la reina
Doña Mariana; infanta Margarita, Viena;
Felipe IV, etc.). De este período son sus mejores
composiciones, la Venus del espejo (h. 1651,),
Las Meninas (1656) y Las Hilanderas (h.
1657-59), sin duda la obra de mayor complejidad en
elementos y sentido compositivo.

Francisco de
Zurbarán

(1598-1664)

Una de sus obras maestras fue Cristo crucificado
(1627). El convento de la Merced Calzada le encargó
(1628) una extensa obra cíclica sobre la vida de
San Pedro Nolasco; del mismo año es el San
Serapio, para el mismo convento (Wadsworth Atheneum,
Hardford), así como una serie de retratos de
doctores de la Orden mercedaria ( Fray Jerónimo
Pérez, Fray Hernando de Santiago,
etc).

Inició su período de plenitud con el
ciclo pintado para la iglesia del Colegio de San
Buenaventura en Sevilla (1629). Es una época
de

acentuado tenebrismo y de composiciones
monumentales (1630, Visión de San Alonso
Rodríguez, Academia de San Fernando; 1631,
Niño Jesús con la corona de espinas,
en la que demuestra su habilidad para dibujar cuerpos
humanos, 1631, Triunfo de Santo Tomás de
Aquino, 1633, ciclo de los apóstoles,;
1633, Bodegón de la colección
Contini,). En 1634 hizo su primer viaje a Madrid
para decorar parte del salón de Reinos
( Fuerzas de Hércules, Socorro de
Cádiz, y Expulsión de los holandeses
de la isla de San Martín, hoy perdido),. Entre
1636 y 1639 ejecutó los ciclos monásticos de
la cartuja de Jerez y los del monasterio de Guadalupe. En
1642 pintó el Sueño de San
José. De 1653 es la Virgen con los Santos
Niños Hasta su muerte, produjo obras de cierta
homogeneidad y gran lirismo (1659, Virgen con
Niño y San Francisco orante; 1661,
Inmaculada de Budapest, Cristo de Jadraque, Virgen con
Santos Niños, en Bilbao). Muchas de sus
obras demuestran la riqueza de calidez de colores, siendo
notables las gamas de los blancos y rojos
oscuros.

Murillo,
Bartolomé Esteban (1617-1682)

En 1645 consiguió el primer éxito con sus once cuadros para el
convento de franciscanos de Sevilla, que reflejan
influencias de Ribera, Velázquez y Zurbarán;
a este grupo pertenece el San Diego de Alcalá
dando de comer a los pobres, falto aún de la
delicadeza vaporosa de sus obras más avanzadas; en
cambio,
en otra de estas pinturas, La cocina de los
ángeles, la
personalidad de Murillo se muestra
ya formada, la composición se hace más libre
y la luz más cálida.El período mejor y
de más calidad
es el comprendido entre 1650 y 1660, en el que su estilo
muestra una gradual suavización. Entre 1660 y 1670
las formas se hicieron más atormentadas, la
pincelada más viva y amplia, recordando en muchos
cuadros a Rembrandt (cuadros de Santa María la
Blanca). Entre 1670 y 1674 ejecutó para la
iglesia de la Caridad otra serie capital
de pinturas (San Juan de Dios, Santa Isabel de
Hungría, Milagro de los panes y de los
peces).Fue el pintor de la Inmaculada
Concepción una de sus facetas magistrales la
constituyó la pintura de género, estampas de fuerte
naturalismo, por las que desfila toda unas galería
de pícaros, mendigos y pilluelos, protagonistas de
la novela
picaresca española del s. XVII: Pícaros
comiendo melón, Los niños fruteros (ambos en
el Museo de Munich), Mendigo etc. En general, la
pintura de Murillo refleja el matiz optimista y bondadoso
de la religiosidad española del s. XVII, en especial
de la devoción popular.

Poussin, Nicolas
(1598-1665).

Fue el iniciador del neoclasicismo en su país (Francia) y
uno de los más importantes pintores de la
época. La pintura de su primera época
parisina denota en el alargamiento de sus formas la
influencia de la escuela
de Fontainebleau. De estos primeros años en Roma
datan Muerte de Germánico (h. 1630), que
manifiesta la especialidad de Rafael; El triunfo de
David, que recuerda las formas arquitectónicas
de Tiziano, y Eco y Narciso, con el trato de la luz
característico de Tiziano. Además de temas de
mitología e historia,
pintó también otros sacados de las Sagradas
Escrituras: Matanza de los Inocentes y Toma de
Jerusalén. Pintó también El
Martirio de San Erasmo, esta obra sorprende por la
luminosidad de sus colores y la portentosa
composición.

En 1640 Luis XIII le llamó a París y
fue nombrado primer pintor de la corte; a los dos
años regresó a Roma, donde había
dejado a su esposa. Esta segunda época romana es la
de sus triunfos. De ella datan, entre otros lienzos,
Moisés salvado de las aguas, Los pastores de la
Arcadia (ambos en el Louvre) y sus
característicos episodios bíblicos o de la
historia antigua: (San Matías y el
Ángel Berlín), Paisaje con
Polifemo (Leningrado), Las cuatro estaciones
(Louvre).

Rembrandt, Harmenszoon van
Rijn

(1606-1669).

Pintor, dibujante y grabador holandés.
Comenzó por pintar escenas de la Biblia y asuntos
históricos de estilo tradicional (La
lapidación de San Esteban, 1625; San Pablo en
prisión, 1627), obras en que los contrastes de
luz y sombra no buscan idealizar las figuras, sino hacerlas
reales; a partir de 1630 formuló sus ideas con mayor
precisión, y los asuntos bíblicos,
históricos y mitológicos fueron dejando paso
al estudio del retrato (La presentación en el
templo, 1631), en el que introdujo mayor número
de personajes, subordinados, sin embargo, al tema principal
mediante una dramática distribución de efectos de luz y
sombra. Interesado desde un principio por el estudio del
rostro, pintó muchísimos autorretratos a lo
largo de toda su vida.

En 1632 dejó Leyden, para instalarse en
Amsterdam, donde comenzó la época de mayores
éxitos (1632-36). Entre ellos hay que destacar La
lección de anatomía del Dr. Tulp (1632;
Museo de La Haya), Saskia como Flora
(1634; Museo del Ermitage, Leningrado) y
Tobías curado por su
hijo (1636; Galería del Estado,
Stuttgart).

A partir de 1636 comenzó a interesarse por
el paisaje (Paisaje con un puente de piedra, 1636),
por el cielo tormentoso y los huidizos rayos de sol. El
cuadro que centra la evolución del período
comprendido entre 1636 y 1642 es Ronda de noche
(1642; Rijksmuseum), que se caracteriza por la fuerza
dinámica del color.

Los temas bíblicos son raros, especialmente
a partir de 1640, cuando manifestó un interés
creciente por los temas arquitectónicos (La
Sagrada Familia de la cortina, 1646), aunque en
ocasiones vuelve a su estilo primero (Mujer cogida en
adulterio, 1644); por otra parte, le
atrae especialmente la infancia
de Jesús (Adoración de los pastores,
1646). Entre los desnudos cabe destacar como más
monumental e italianizante el de Betsabé
(1654;). Se concentró cada vez más en el
estudio del rostro y las manos, dejando que el resto del
personaje sirviera de fondo o para acentuar el carácter.

Otras obras importantes son: Toro
despellejado (1655; Louvre), Los síndicos
(1662; Rijksmuseum), La novia judía (h. 1665;
Rijksmuseum) y El hijo pródigo (1667). Como
géneros independientes el artista cultivó el
dibujo y
el grabado, en los que alcanzó grandes logros
expresivos. Realizó unos 1.400 dibujos y alrededor
de 400 grabados. Fue el primer pintor holandés que
rompió la influencia de la pintura italiana en los
Países Bajos, si bien sus contemporáneos no
llegaron a comprenderle y su arte no fue valorado
mayoritariamente hasta el s. XIX.

Caravaggio, Michelangelo
Merisi

(1573-1610)

Pintor italiano. En su obra se distinguen tres
períodos: obras realizadas durante su
formación romana, en las que se advierte un
acentuado realismo
ajeno por completo al movimiento manierista (Baco,
Uffizi, Florencia; San Juan Bautista, Joven con cesta de
frutas, Galería Borghese, Roma).

Un segundo período representado por su
primer grupo de obras importantes, Historias de San
Mateo, con las que decoró la capilla Contarelli,
en San Luigi dei Francesi (1598-1600), y en las que se hace
patente un cambio de estilo y una gran preocupación
por los problemas de la luz.

El tercer momento está representado por sus
obras esencialmente tenebristas, en las que la luz se
proyecta sobre la forma con violencia, consiguiendo un contraste brusco
e intenso. Caravaggio inició una de las grandes
conquistas del arte barroco. Entre las obras de su
último período sobresalen:
Conversión de San Pablo, Crucifixión de
San Juan (Santa Maria del Popolo), Santo Entierro
(entierro de Cristo)esta pintura pertenece al estilo
negro de Carabaggio, con lo cual pretende realizar
un drama escénico recurriendo a fondos oscuros y
resaltando al máximo los blancos y los negros,
valorizando únicamente las zonas esenciales del
lienzo (Pinacoteca Vaticana) y Muerte de la Virgen
(Louvre, París).

La influencia del tenebrismo y del naturalismo
caravagiescos en el s. XVII fue extraordinaria no
sólo en Italia, sino en toda Europa.

Bibliografía:

Arteca, para comprender el arte

Enciclopedia Británica

Enciclopedia Salvat,

Grandes museos del Vaticano.

Carolina Guerra