- Aspectos importantes acontecidos
en el siglo xvi - El siglo XVII
- Siglo XVIII, el siglo de la
razón - Londres y París, capitales
del diseño gráfico comercial del siglo
XIX - La industrialización de
las artes gráficas. siglo xx - Acogida de la
Bauhaus - Movimiento moderno y
neomoderno - El nacimiento de
Weimar - El tipo universal de Herbert
Bayer - Principales representantes del
diseño - Influencia del estilo
vanguardista Art pop - El diseño
gráfico en latinoamérica - Ultimas tendencias: el
diseño computarizado - Bibliografía
Tomando como punto de partida a los últimos
sesenta años del siglo XV que enmarcaron el nacimiento y
desarrollo de
la tipografía, las secuelas de las iniciativas y
experimentaciones gráficas surgen en el siglo XVI con la
energía creadora con que se dieron origen a innovadores
diseños de tipos, normas de
composición, ilustraciones y encuadernaciones,
conjuntamente con representantes de gran prestigio.
En el presente trabajo se analizarán los
principales acontecimientos que enmarcaron a los siglos de
transición y normalización (siglos XVI al XIX). En lo
que refiere a la historia del diseño
gráfico, cabe destacar la influencia que tuvieron
hechos como la Revolución
Francesa y la Revolución
Industrial, para el desarrollo del comercio y de
la actividad publicitaria.
Además, es importante tomar en cuenta que muchos
aspectos políticos, sociales y religiosos de cada
época, han influido en la evolución o retroceso en lo que concierne a
los trabajos impresos, desde la creación de los tipos de
letras, el trabajo
tipográfico, hasta la aparición de los libros,
periódicos, enciclopedias y carteles que se
tratarán a continuación.
2. ASPECTOS
IMPORTANTES ACONTECIDOS EN EL SIGLO XVI
Uno de los factores históricos determinantes fue
el proceso de
involución política que
culminó en 1543, con la instauración de la censura
de imprenta, la cual acabó con la dinámica creativa y liberal que
caracterizó la producción de impresos durante el medio
siglo anterior.
Sin embargo, uno de los avances más importantes
fue el renacimiento
de la caligrafía, que se produce en medio de un absolutismo
monárquico encabezado por Francia y
España,
que establecieron una burocracia que
favoreció el progreso de la caligrafía al tiempo que la
imprenta, en poder de la
Iglesia y el
Gobierno, fue
perdiendo su sentido de vanguardia y
se convirtió en una actividad conservadora al servicio de
las fuerzas políticas
y religiosas totalitarias.
Así, durante muchos años las legibles y
armoniosas caligrafías Italianas fueron imitadas en todos
los Estados poderosos de Europa, por este
motivo la lengua
italiana adquirió gran valor en el
siglo XVI y fue divulgada por sus representantes con
propósitos didácticos a través de sus
tratados y
manuales.
Cabe destacar la trilogía de maestros italianos
conformada por Ludovico Degli Arrighi, Giovanni Antonio Tagliente
y el calígrafo de calígrafos
Giovanni Baptista Palatino, quien en 1540 aporta una
novedad didáctica en la práctica
caligráfica al tratar de instruir alternativamente por
medio de textos y grabados.
Debido a las condiciones políticas y
económicas de la época, en el campo
tipográfico el diseño de tipos se considera
sólo por su función
como elemento del proceso de impresión y su mayor
exponente fue el francés Claude Garamond, quien
tuvo que vivir entre la subversión y el favoritismo,
siendo cauteloso al realizar sus estudios, ya que en la
época los que practicaban esta labor eran perseguidos por
motivos políticos o religiosos.
"La calidad de los
diseños del tipo, armonía entre
mayúsculas, minúsculas y cursivas, y el preciso y
contenido sentido ornamental presente en algunos trazos hacen
de la celebérrima Garamond, fundida en 1545, el
más perfeccionado de toda la tipografía
romana…"
En el mismo orden de ideas, Jhon Baskerville fue el
impulsor de la tipografía inglesa y diseñó
un tipo genuino en 1754 (Baskerville), la cual posee notable
claridad y elegancia. Los aportes de Baskerville fueron muy
innovadores y eficaces, entre ellos: el uso del papel satinado
para facilitar una impresión nítida y brillante y
la variante del uso a voluntad de la interlínea o
espaciado entre líneas de texto
impreso.
Por la gran producción de libros en este siglo,
la decadencia del impulso creativo se acentúa, se degrada
el grabado xilográfico al extremo que los artistas rehuyen
sus colaboraciones con este procedimiento y
entonces se introduce un procedimiento nuevo: el grabado
calcográfico (sobre plancha de metal) que permite grabar
el trazo directamente.
En este siglo se dio un estilo homogéneo o
académico a toda manifestación artística o
artesanal, y a su vez se comenzó a utilizar una nomenclatura
metafórica que permitió que la arquitectura
fuese desplazada por la tipografía. En este sentido, el
arquitecto Peter Behrens hizo referencia a que el tipo (la letra)
era uno de los más elocuentes medios de
expresión de la época o estilo, y que
próximo a la arquitectura, este proporciona el más
severo testimonio del nivel intelectual de una nación.
La caligrafía comenzó a decaer y
terminó convirtiéndose en un estilo ornamental, sin
embargo es importante resaltar que esta desviación de la
caligrafía logró aportar un conjunto visual que
constituyó un recurso gráfico que la futura
imagen
publicitaria incorporó a su repertorio
lingüístico.
"En la evolución de las etiquetas de productos
comerciales el texto, el ornamento y la
ilustración son componentes que van apareciendo
sucesivamente por orden, en un momento histórico en el
que la imagen empieza a valorarse como complemento del texto y
no, como hasta entonces, como único elemento susceptible
de ser leído por el público."
A pesar de que todavía el mensaje publicitario
era reducido a sectores sociales privilegiados, este propone algo
más que el reconocimiento del producto
añadiendo un nuevo valor: la imagen de identidad.
4. SIGLO XVIII, EL
SIGLO DE LA RAZÓN
La lectura se
hace una necesidad para las clases superiores y por esta
razón crece la demanda en el
negocio de la venta de libros.
Sin embargo, la gran invención de esta época fueron
los Periódicos, los cuales se difundieron desde principios del
siglo.
Debido al auge económico, en 1730 aparece en
Londres el primer diario comercial dedicado a la
publicación de anuncios de ofertas y demandas.
Además, los comerciantes londinenses se encargaron de
introducir un tipo de tarjeta comercial, que por su gran formato,
parece fueron utilizadas como cartas
comerciales y facturas.
Cabe destacar que el rentable criterio de asentar la
publicidad por
medio de la repetición se pone de manifiesto en los
impresos que reproducen en su mayoría los rótulos
de los establecimientos, acompañados de una completa
argumentación publicitaria. También, se debe tomar
en cuenta, que los sectores comerciales, como la del libro, se
encargaron de introducir la práctica del Cartel mural en
formatos pequeños ilustrados con
xilografías.
En 1762 las autoridades francesas prohíben las
enseñas colgantes, lo cual contribuyó a la
modernización de la señalización comercial,
ya que tuvieron que adaptarlas en su tamaño o formato a
las necesidades de la época, debido a que estas eran muy
rudimentarias.
En este siglo se implantan las Escuelas Técnicas o
de artes Aplicadas para la formación de especialistas,
fundamentalmente en diseño textil y artes gráficas,
así mismo se sitúa a la imagen en un contexto
más preciso y menos trivial, utilizándola como
complemento del texto y completar con ella el concepto
utilitario y didáctico, se crea de esta manera la
Enciclopedia.
En el aspecto tipográfico se crean diversidad de
tipos, destacándose el llamado Bodoni, un tipo de la familia de
las romanas diseñada por Giambaptista Bodoni en
1768, igualmente es interesante la creación del alfabeto
arquitectónico de Steingrüber, la cual es una
extraña serie de letras ornamentadas en las que se
conserva la forma exterior de la letra y representa en cada una
de ellas la planta de un edificio.
El hecho histórico de mayor importancia del siglo
XVIII fue la Revolución Francesa de 1789, la cual
establece una sociedad
igualitaria que proclama libertad de
prensa, la
cual convierte a los diarios y periódicos en productos de
consumo masivo
de la sociedad.
La practica de la propaganda
política introdujo a su vez a la caricatura y la
sátira como nuevo elemento gráfico desde 1789, esta
se utilizó como una forma de lucha contra las ideas y
formas despóticas de poder, disminuyendo su fuerza a
través de la ridiculización, de esta manera la
caricatura suaviza o acusa el perfil crítico sin perder su
contenido original, sea este de orden político, social o
religioso.
5. LONDRES Y
PARÍS, CAPITALES DEL DISEÑO GRÁFICO
COMERCIAL DEL SIGLO XIX
En 1814 se inaugura oficialmente la era de la
mecanización de la industria de
la impresión incorporando la máquina
semiautomática proyectada por el alemán Friedrich
Köenig, posteriormente surge la linotipia.
El uso de este nuevo proceso condujo a un cambio
conceptual notable, ya que la sustitución de las arcaicas
prensas permitió la ampliación de los formatos de
papel a imprimir, con lo cual los papeles y las letras pudieron
superar los límites de
los anteriores pequeños y estrechos formatos.
En este siglo se crean las tipologías Finas,
Negras y Supernegras (según el grueso del palo), y las
Estrechas o chupadas y Anchas (según el ojo de la letra),
así mismo se distinguen tres familias genuinas: las
Egipcias, las Antiguas, grotescas o góticas y la escritura
Inglesa.
Otro acontecimiento relevante fue la Revolución
Industrial, la cual impulsó el desarrollo del comercio. En
lo que compete directamente al diseño gráfico,
Rowland Hill crea el sello de correos, se asume la técnica
del grabado calcográfico como unidad estilística
propia y aparece el billete con el uso del papel moneda. La
publicidad directa empieza a perfilarse como estrategia e
instrumento propagador y embellecedor, así surge otro
elemento innovador: el uso de la figura femenina como elemento
simbólico de atracción.
6. LA
INDUSTRIALIZACIÓN DE LAS ARTES GRÁFICAS. SIGLO
XX
El desarrollo de la nueva tecnología de
composición y prensa en las últimas décadas
del siglo XIX, luego de muchos años de impresión
manual,
produjo muchos cambios importantes en los esquemas de trabajo
dentro de las artes gráficas debido a la Automatización y a la
Especialización. Aparecieron especialistas en cada fase
del proceso, reduciendo las funciones de los
tipógrafos, así comenzaron a surgir
diseñadores de tipos, fundidores, compositores,
fabricantes de papel, encuadernadores, editores, impresores,
etc.
La tecnología pasó de lo manual a lo
mecánico y a lo automático, y de un mercado limitado
a uno masivo. Creció la demanda del material impreso y el
desarrollo de la publicidad fomentó el crecimiento de las
ventas de
diarios y revistas, recuperando a su vez el uso del Cartel
Publicitario.
Una nueva generación de diseñadores surge
en el siglo XX rechazando el gusto por los estilos
históricos (neoclasicismo,
neogótico, etc.) dando como resultado un nuevo arte: Art Nouveau
o Modernismo, el
cual incluía ideas procedentes de todas las disciplinas
del diseño y el arte (arquitectura, pintura,
diseño de muebles, cerámicas, joyería,
diseño industrial, ingeniería de la construcción, cine, fotografía, etc.), acelerando la
evolución en el arte de vanguardia y en el diseño,
el Art Nouveau creó al diseño gráfico como
oposición al puramente tipográfico, no solo como un
medio de comunicación de ideas nuevas, sino
también para su expresión.
La tecnología proporcionó nuevos medios
gráficos a ilustradores y
diseñadores, afianzando al Modernismo como el estilo
dominante del siglo XX. Cabe destacar que las grandes invenciones
que se produjeron entre 1850 y 1910 ayudaron a difundir las
comunicaciones
visuales y a inspirar a los diseñadores, entre ellas
tenemos: la máquina de escribir, el clisé pluma, la
trama, el proceso de impresión en color, la
fotografía en color, la composición
automática, la instantánea, la fotografía de
rayos X, la
película de animación, las diapositivas de linterna
mágica, entre otros.
Entre las influencias del estilo modernista en el
diseño gráfico podemos resaltar que el estilo
radical, anarquista, nihilista de Dada y los experimentos
tipográficos de cubistas y futuristas funcionaron como una
línea divisoria. Es así como se desecharon los
estilos tradicionales de tipografía y layout, dando paso a
la evolución de un estilo alternativo y adecuadamente
moderno de layout con nuevas tipografías
mecánicas.
Los principios inspirados por la revolución que
produjo en la industria, la arquitectura y la
construcción, la nueva maquinaria industrial, el
automóvil, el rascacielos, la Torre Eiffel, los
gigantescos edificios, las fabricas y los ferrocarriles, dieron
paso a la construcción modular en cuadrícula de los
edificios de estructura de
acero, la cual se
convirtió en una metáfora para la
construcción de la página y en una herramienta
fundamental del diseño gráfico, estos principios
arquitectónicos se aplicaron directamente a las artes
gráficas en las estructuras
básicas dentro de las cuales se desarrollaron los estilos
asimétricos y no tradicionales del modernismo.
Itten, Klee y Kandinsky buscaban el origen del lenguaje
visual en geometrías básicas, colores puros y
en la abstracción, constituyendo un análisis de formas, colores y materiales.
Para ellos servían como una escritura con la que
podría analizarse y representarse la prehistoria
visible, por ello la Bauhaus se caracterizó por la
conciencia de
su separación de la historia y su anhelo por encontrar un
punto de origen.
"En 1923 Kandinsky proclamó que hay una
correspondencia universal entre las tres formas básicas
y los tres colores primarios."
Al asimilar sus métodos en
la
educación moderna del diseño la Bauhaus se
convirtió en un punto de origen, resaltando las formas
geométricas, el espacio reticulado y el uso racionalista
de la tipografía. El potencial lingüístico de
la teoría
de la Bauhaus fue ignorado y el proyecto de un
lenguaje visual se interpretó aislado del lenguaje
verbal.
La Bauhaus fue un lugar en el cual se unieron diversas
corrientes vanguardistas que se dedicaron a la producción
de la tipografía, publicidad, productos, pinturas y
arquitectura. Las actividades de la escuela
recibieron amplia publicidad en los Estados Unidos a
finales de los años treinta cuando muchos de sus miembros
emigraron a este país, así la Bauhaus fue
equiparada al pensamiento
avanzado del diseño.
La forma visual se consideró como una escritura
universal que hablaba directamente con la mecánica del ojo al cerebro. En el
mismo orden de ideas, la palabra Gráfico se utilizó
para referirse tanto a la escritura como al dibujo, y su
trazado se percibe como una Gestalt: una
forma o imagen simple.
El "Libro de Apuntes Pedagógico" de Paul Klee,y
"Punto y línea sobre el plano" de Wassily Kandinsky,
fueron publicados por la Bauhaus y sirvieron de introducción a la gramática de la escritura visual. Giorgy
Kepes y Laszlo Moholy-Nagy, utilizaron la psicología de la
Gestalt para aportar una racionalidad científica al
lenguaje de la visión, la psicología de la Gestalt
ha sido desde entonces una fuente teórica dominante en la
enseñanza básica del
diseño.
El primer profesor del Curso Básico en la Bauhaus
fue Johannes Itten, cuyo misticismo y excentricidad disonaban de
los planes prácticos de Walter Gropius (arquitecto
fundador de la Bauhaus en 1919) para la escuela, luego de la
dimisión de Itten en 1923, Kandinsky dio clases sobre
color y los elementos básicos de la forma, y Klee dio
lecciones en la clase de formas básicas.
En los libros de texto básicos de Klee y
Kandinsky, el gráfico es un modelo de
expresión pictórica y sus manuales de diseño
describen a la línea como un solo punto arrastrado a
través de una página. De igual manera, Kandinsky
utiliza el término Traslación, aludiendo al acto de
trazar correspondencias entre marcas
gráficas lineales y una serie de experiencias no
gráficas como el color, la música, la
intuición o la percepción
visual.
La serie representa el intento de Kandinsky de probar
una correlación universal entre el color y la geometría,
y se ha convertido en uno de los íconos más famosos
de la Bauhaus, aunque hoy en día pocos diseñadores
aceptan la validez universal de la serie, ésta sigue
siendo la base de numerosos libros de texto de diseño
básico.
En 1923, Kandinsky hizo circular un cuestionario
por la Bauhaus pidiendo a cada participante que asociase
intuitivamente con los tres colores primarios, tratando de dar
validez mediante el test
psicológico a la serie, ya que ésta encarna la
teoría del lenguaje visual como sistema de
oposiciones perceptivas, por la cual se logra una
comunicación directa con los mecanismos del ojo y el
cerebro.
La forma estructural que invadió el arte y el
diseño de la Bauhaus fue la Retícula, la cual
articula el espacio según un tramado de oposiciones:
vertical y horizontal, arriba y abajo, ortogonal y diagonal, e
izquierda y derecha. Otra oposición implicada en la
retícula está entre la continuidad y la
discontinuidad.
En 1928 se dieron una serie de conferencias en la
Bauhaus sobre la psicología de la Gestalt, la cual
es fundamental para la teoría moderna del diseño y
promovió una ideología de la visión como facultad
autónoma y racional, mostrando los modos en que una figura
emerge sobre un fondo neutro que se le subordina como
condición necesaria pero invisible de la
percepción.
8. MOVIMIENTO
MODERNO Y NEOMODERNO
La pedagogía del diseño Moderno es la
disposición repetitiva de una colección de signos
según determinadas reglas de combinación. La tarea
predominante de la teoría moderna del diseño ha
sido organizar los elementos geométricos y
tipográficos en relación con oposiciones formales
tales como ortogonal / diagonal, estático /
dinámico, figura / fondo, lineal / plano o regular /
irregular.
Suiza fue el centro ideológico de la
teoría moderna del diseño en los años
cincuenta y sesenta, donde la intuición se
convirtió en un elemento clave en ecuaciones
racionalistas, donde se aplicaban afirmaciones como: Entre
más exactos y completos son los criterios, tanto
más creativa es la obra.
En los comienzos de los años setenta, la
unión entre el sistema racional y la elección
intuitiva se convirtió en la preocupación central
para algunos diseñadores que laboraban en el idioma
moderno, por ese motivo se pensó en las alternativas que
ofrecía el proyecto Neomoderno de personalizar los
lenguajes modernos, aparte de retorno al ideal de una
comunicación universal libre de valores.
Los limitados vocabularios formales del contructivismo
fueron intentos para lograr un orden lingüístico,
cultural o psicológico que regulara el acto creativo
individual, más que personalizar lo moderno, lo neomoderno
trató de priorizar el poder y la capacidad penetrante de
los lenguajes que utilizamos.
Ante la derrota en la Primera Guerra
Mundial, el Kaiser abdicó y se formó una
república con la capital en
Weimar, la cual tuvo que negociar la paz con sus enemigos de
fuera y de dentro. Los alemanes que estaban en los campos de
batalla confiados en su superioridad moral,
volvieron de ellos vencidos y traicionados.
Los cuarenta y siete años que siguieron la
unificación de la nación alemana presenciaron su
desarrollo hasta que se convirtió en la nación
más industrializada y militarizada de Europa. Con la
rapidez de su urbanización e industrialización las
artes prosperaban en Alemania,
Diaghilev, cuyas producciones toparon con la animosidad de otras
capitales europeas fue bienvenido en Berlin.
"Escribiendo que después de años como
soldado en el frente estaba dispuesto a reempezar la vida,
Walter Gropius manifestó su deseo de dirigir la escuela
de Artes y Oficios de Weimar."
En el caos del mundo alemán había la
esperanza de que pudiera crearse un nuevo orden por medio de un
arte nuevo. Gropius llamó a la unificación de las
artes, pero la ausencia de una república alemana
convincente condujo a momentos utópicos como la Bauhaus y
a la devastación infligida por los nazis.
10. EL TIPO UNIVERSAL DE
HERBERT BAYER
Con la derrota del imperio alemán la legitimidad
de la cultura del
siglo XIX parecía en decadencia, muchos alemanes sintieron
que debían empezar de nuevo. Diseñadores como los
asociados en la Bauhaus impulsaron un nuevo modo de pensar sobre
la visión y la función del entorno
visual.
Para ellos el diseño no debía seguir
utilizándose para reflejar y reforzar una sociedad
jerárquica, muchos miembros de la Bauhaus creían
que el futuro dependía de unas leyes universales
de la razón que no estaban vinculadas a las limitaciones
de la cultura tradicional.
Herbert Bayer fue estudiante de la Bauhaus, y Gropius lo
invitó a dirigir el taller de tipografía e
imprenta. Bayer desempeño un buen papel en el desarrollo de
una nueva tipografía que utilizaba tipos de palo seco,
filetes gruesos y retículas sistematizadas para conseguir
composiciones limpias y lógicas.
Las consideraciones de estilo y expresión fueron
subordinadas a la pureza de la geometría y las exigencias
de la funcionalidad, este método
condujo a Bayer a diseñar una tipografía con formas
de letras tan esenciales que se entendieran como universales. El
tipo Universal diseñado por Bayer en 1925, representa una
reducción de las formas de letras romanas a simples formas
geométricas. Este tipo de letra abarcó a la
industria y a la tecnología y se adaptó a las
técnicas de reproducción en masa y métodos
racionalizados.
11. PRINCIPALES
REPRESENTANTES DEL DISEÑO
A lo largo de la historia gran diversidad de movimientos
artísticos se han visto representados por importantes
diseñadores, entre ellos Aubrey V. Beardsley, quien
destaca como dibujante y es llamado "el discípulo del
diablo". Beardsley fue gran opositor de las ideas de William
Morris y se caracterizó por su gusto por reflejar el arte
decadentista de fines del siglo XIX, influido por el arte
oriental utilizó ornamentos con este estilo y se observa
también en sus diseños el predominio de los
espacios en blanco, brilló en la ilustración de libros como "Salomé"
de Oscar Wilde (1894).
Otros representantes destacados fueron el notable
arquitecto ingles de la segunda mitad del siglo XVII, Christopher
Wren y el acuarelista y pintor Walter Crane, precursor del
renacimiento de
las artes (Modernismo) y del Art and Craft. Crane ilustró
libros de cuentos
infantiles como El Grimm, Robin Hood y Don
Quijote.
Cabe destacar que el Modernismo se caracterizó
por el uso de formas geométricas, simples y sin
ornamentos, aunadas a una tipografía igualmente sencilla.
Y el Art and Craft se refiere al grupo de
artesanos, artistas, diseñadores y arquitectos que se
propusieron levantar el estado de
las artes aplicadas, al de las bellas artes. Principalmente
inspirado por William Morris, otros artistas importantes en el
movimiento fueron Henry Holiday, Walter Crane, el arquitecto y
diseñador Philip Webb, Alejandro Fisher y Christopher
Whall.
Uno de los más notables precursores del racionalismo
fue el arquitecto británico Charles R. Mackintosh,
quien se destacó por sus construcciones
geométricas. Se caracterizó por su
dedicación en la elaboración de carteles, muebles y
objetos ornamentales, y por la búsqueda de la
estilización de las formas rectangulares combinadas con
suaves curvas.
Otro importante representante fue Arthur H. Mackmurdo,
quien estudió arquitectura bajo la tutela de James Brooks
y asistió a clases de dibujo por John Ruskin. Su
admiración por el Renacimiento lo llevó a creer en
la unidad de las artes, y en 1882 junto con su estudiante Herbert
P. Horne, y el artista Image de Selwyn, Mackmurdo fundó el
Gremio del Siglo, el
periódico del Gremio: "El Caballo de la
Afición", fue diseñado inicialmente por
Mackmurdo.
El británico William Nicholson fue pintor,
impresor y diseñador de teatro.
Empezó su carrera profesional como diseñador de
carteles y como ilustrador de libros, donde los contrastes
llamativos de negro y blanco de su técnica del woodcutting
fue acostumbrado a gran efecto.
En 1894, Nicholson empezó colaborando en planes
del cartel con sus cuñado James Pryde y los dos se dieron
a conocer como los Hermanos de Beggerstaff (Beggarstaff
Brothers).
Ya en 1890 Nicholson empezó a hacer bojs y a
experimentar con la suma de tintes sutiles de verde y ocre a sus
composiciones negras y blancas. Nicholson se conoció
pronto por su habilidad e innovación en el medio, elevando la forma
de arte a un nivel alto de éxito,
ambos estéticamente y comercialmente. En 1897, el artista
produjo su retrato: Reina Victoria, el cual es una de las
impresiones británicas más famosas.
Otro precursor del diseño fue Peter Behrens,
quien originalmente fue entrenado como pintor, su estilo
provisional estimuló una nueva abstracción
geométrica en su trabajo.
De 1907 a 1914 Behrens trabajó como un consejero
artístico al AEG en Berlín donde creó la
primera imagen
corporativa del mundo. Behrens es considerado una figura
importante en la transición al Clasicismo Industrial, y
jugó un papel central en la evolución de Modernismo
alemán.
12. INFLUENCIA DEL
ESTILO VANGUARDISTA ART POP
El Art Pop o Arte Popular, es un producto
típicamente norteamericano (aunque también se
desarrolló en 1950 en Inglaterra), que
aspiraba a ser un arte testimonial del tiempo que se
vivía.
Se caracteriza por inspirarse en la vida de la ciudad,
tomando como elementos de expresión los productos masivos
de la cultura, es figurativa y emplea objetos de uso diario de la
sociedad consumista: botellas de coca cola, latas de cerveza, neveras,
autos, comics,
personajes del cine y la canción, etc.
Utiliza procedimientos
dadaístas (ready mades), hiperrealistas (fidelidad
fotográfica) y cubistas (collages). Predomina el colorido
brillante, con tintes fluorescentes y acrílicos de colores
vivos.
Dentro de este arte se destacan artistas como Jasper
Johns, Andy Warhol, C. Oldenburg, George Seagal, Peter
Blake y Roy Lichtenstein.
13. EL DISEÑO
GRÁFICO EN LATINOAMÉRICA
Colombia es uno
de los países con mayor tradición histórica
en el campo de las artes gráficas, la obra impresa
más antigua del país data del siglo XVII. La figura
colombiana más relevante es David Consuegra (1939), quien
fundó un grupo en la Universidad de
Bogotá brindando su experiencia y talento. Otros
representantes del diseño en Colombia son Marta Granados,
Antonio Grass y Dicken Castro.
En Perú el verdadero pionero del diseño
gráfico peruano moderno es Claude Dieterich (1930), quien
después de trabajar en Paris en diversas agencias de
publicidad y en el diseño de revistas, se establece en
Lima implementando las influencias europeas en el diseño
gráfico contemporáneo de América
Latina.
El primer periódico
editado en Venezuela en
1808, marca los
orígenes de la imprenta en este país, y la
iniciativa de mejorar el diseño de los sellos de la
Administración de Correos se debió a un grupo
de diseñadores y artistas venezolanos en la que
mejoró notablemente la calidad del diseño
venezolano.
Cabe destacar a Gerd Leufert quien se estableció
en Caracas y fue autor de 26 sellos para la Administración de Correos y es calificado
como el padre del diseño gráfico venezolano. Y M.F.
Nedo es el segundo pionero moderno del diseño venezolano
quien inició su larga e intensa colaboración con
Gerd Leufert en la agencia de publicidad McCann
Erickson.
En México se
establece la tipografía en 1539, fray Juan de Zumarraga es
el autor del primer libro impreso en América, casi doscientos años antes
de la famosa Biblia de Gutemberg de América Latina impresa
en Argentina.
Durante el siglo XVIII se ocuparon básicamente de
reproducir imaginería religiosa, poco después en
1830, la litografía se ocupó también de esos
menesteres añadiendo sátiras de costumbres y
caricaturas políticas en periódicos similares a los
europeos.
"…la obra del insigne xilógrafo
José Guadalupe Posada, por ejemplo, hay que enmarcarla
en la historia del diseño gráfico. Por varias
razones…José Guadalupe Posada, solo, fue capaz de
hacer una producción casi tan abundante y variada como
lo fue la francesa…"
Otros artistas gráficos de gran relevancia
además de José Guadalupe Posada, fueron:
Trinidad Pedroza, Orozco, Diego Rivera, Leopoldo Mendez, Julio
Ruelas, Miguel Cobarrubias, entre otros.
En Cuba se
disponía de una larga tradición en diseño
gráfico aplicado al consumo, probablemente la más
antigua de Latinoamérica, antes de mediar el siglo XIX
disponía de talleres litográficos y de una practica
aceptable en el procedimiento inventado en Alemania, acercando
por primera vez a un país sudamericano a uno de los paises
más desarrollados de la vieja Europa.
Indudablemente la historia del diseño cubano en
litografía la escribió Francisco Murtra, la de la
tipografía José Mora y la del cartelismo (y por
extensión, de todo el diseño gráfico) Felix
Beltrán.
En Argentina prevalece una fuerte influencia francesa,
los mejores cartelistas argentinos de la historia son Arnaldi y
Valerian Guillard. En los años sesenta este país
era la primera potencia de
América Latina en la edición de libros y otros
materiales de lectura como por ejemplo, los diarios. Sin embargo,
la ilustración es la especialidad en la que los argentinos
han tenido mayor proyección, destacándose
Castagnino, Sabat, Quino, Mordillo y Tomás
Maldonado.
La tipografía llega tarde a Brasil, a pesar
de esto el establecimiento de las sucursales de las grandes
agencias de publicidad americanas, que coincide con el primer
gran desarrollo industrial y mercantil del Brasil, permite la
introducción de las más modernas formas de
producción industrial, con lo que los brasileros aprenden
a diseñar anuncios publicitarios en 1940.
El origen del diseño gráfico brasilero
puede determinarse por medio de los pioneros Aloisio Sergio
Magalhaes y Alexandre Wollner. En 1962 se inauguró en
Río de Janeiro la primera Escuela Superior de
diseño Industrial, la cual ha contado con profesores de
altísimo nivel como Gui Bonsieppe.
14. ÚLTIMAS
TENDENCIAS: EL DISEÑO COMPUTARIZADO
Los avances
tecnológicos y computarizados dieron paso a una gran
evolución del diseño gráfico, facilitando
herramientas
para la creación de diseños innovadores y de gran
originalidad. Al respecto, cabe destacar el uso de programas como
Photoshop,
Corel Draw, Phox-pro, Free Hand, Adobe Ilustrator,
Macromedia Flash, Page
Maker, entre otros.
Los programas como Corel Draw y Free
Hand son los mejores programas gráficos de nuestra
época, ya que han sabido capturar la imaginación
del artista, ofreciendo desde un principio la posibilidad de
hacerla realidad. Además, han solucionado con la
evolución de sus programas, ciertas áreas
problemáticas y al mismo tiempo han incorporado nuevas
herramientas, entre las mejoras destaca el perfeccionado modulo
de impresión, el cual nos permite hacer uso de una
práctica mini-previsualización de la
impresión.
En Corel Draw los clásicos efectos como las
Mezclas o los
Contornos han encontrado su lugar en un nuevo Menú de
Herramientas Interactivo. Este menú es un nuevo residente
de la Caja de Herramientas y nos da acceso a todas las
herramientas interactivas. Estos cambios, nos obligan ha usar el
programa de
una manera más productiva y eficiente.
En otro orden de ideas, los programas como Photoshop
permiten con sus múltiples herramientas crear y
diseñar a base de un material fotográfico, variedad
de efectos especiales, con los que podemos lograr maravillosos
fotomontajes, dibujos,
efectos de luces, texturas etc.
Durante el siglo XX, los medios de
comunicación aportaron con su desarrollo
tecnológico un mayor control del
proceso gráfico a los diseñadores, ya que en los
años 90 las nuevas formas de comunicación de la era
digital presentaron nuevos desafíos, como es el caso del
sistema de distribución de información World Wide Web (W.W.W.),
contribuyendo a una rápida evolución del
diseño gráfico a nivel mundial.
Las páginas
web son documentos
electrónicos con enlaces de hipertexto o hipermedia que
posibilitan la navegación virtual por las informaciones
disponibles en Internet. Hasta 1993 la
labor de crear páginas web estuvo reservada a los
técnicos en informática que sabían manejar las
etiquetas códigos HTML (Hipertext
Markup Languaje / Lenguaje de Marcas de Hipertexto), necesarios
para la composición de los elementos de
presentación visual, y por este motivo las páginas
presentaban fondo gris, texto y alguna
decoración.
Con la incorporación de nuevas
tecnologías y la llegada de los primeros editores
HTML, la web posee ahora mucho más colorido en sus fondos
y también diferentes texturas, botones, barras y una
infinidad de iconos. La W.W.W. es un nuevo y complejo campo para
el diseño gráfico, que permite múltiples
posibilidades de añadir imágenes
móviles en animación o en video, fotos,
gráficos y textos en un ambiente
interactivo. Dreamweaver y
Front page son reconocidos programas para la realización
de páginas web.
- SANTUE, Enric. "El Diseño Gráfico
desde sus orígenes hasta nuestros
días." - LUPTON, Ellen y ABBOTT M., J. "El ABC de la Bauhaus
y la Teoría del Diseño." - www.Google.com
- Enciclopedia SALVAT. Tomos 8 y 12. Salvat Editores.
Barcelona. 1978.
Lluvia Velandia
TSU Diseño Gráfico Publicitario
Computarizado