1.
Introducción
2. Desarrollo
3. El Cubismo
4. Cubismo
Analítico
5. Cubismo
Sintético
6. Proceso de
Formación
7. Desarrollos del
Cubismo
8. Análisis del
Guernica
9. Análisis de Las
Señoritas de Avignon
10. Conclusión
11. Algunas
Imágenes
12.
Bibliografía
Pablo Ruiz Picasso es el
gran genio de la pintura
contemporánea. Creador del cubismo junto
a Braque, su capacidad de invención y de
creación le sitúan en la cima de la pintura
mundial.
1881
Pablo Ruiz Picasso nace en Málaga el 25 de octubre. Es
hijo primogénito de José Ruiz Picasso, vasco de
nacimiento, pintor, profesor de la Escuela de Bellas
Artes de Málaga y conservador del Museo Municipal. Su
madre, de origen italiano por línea paterna, se llamaba
María Picasso López.
1891
José Ruiz Picasso es nombrado profesor de la Escuela de
Bellas Artes de La Coruña, donde se trasladan a vivir en
septiembre. Con diez años Picasso ingresa en el instituto
de Enseñanza Media de La Guarda e inicia su
formación pictórica revelando una gran
capacidad.
1895
Se trasladan a Barcelona cuando su padre obtiene una
cátedra en la Escuela de Bellas Artes de La Lonja. En esa
misma escuela se matricula Picasso con catorce años, a
pesar de que se exigían veinte años para poder
ingresar.
1896
En abril participa en la Exposición
Municipal de Barcelona con la obra "Primera comunión". Un
año más tarde envía a la Exposición
Nacional de Bellas Artes de Madrid la obra "Ciencia y
caridad", con la que obtiene una mención
honorífica. Ese mismo año ingresa en la Real
Academia de San Fernando de Madrid, pero a final de curso cae
enfermo de escarlatina y tiene que regresar a
Barcelona.
1899
De nuevo en Barcelona suele parar en el café
"Els Quatre Gats", lugar frecuentado por numerosos intelectuales.
Poco después, en febrero de 1900, expone en dicho
café una serie de retratos de artistas y amigos en la
línea de Ramón
Casas. En octubre realiza su primer viaje a París, donde
conoce al marchante catalán Manach, que le ofrece una suma
mensual a cambio de un
cierto número de obras, es su primer contrato.
Allí pinta obras tales como "Autorretrato" o "le Moulin de
la Galette". En diciembre vuelve a Barcelona.
1901
Se traslada a Madrid donde funda y dirige la revista
Arte joven junto a Francisco de A. Soler. En octubre
conoce a Jaime Sabartés, que le acompañará
como amigo y secretario toda la vida. Con el retrato de su amigo
inicia la Epoca Azul, durante la cual en sus cuadros predomina
este color en sus
matices densos y mates. Su amargura se refleja principalmente en
mujeres en actitudes de
miseria y desamparo. En esa época pinta "Niña con
paloma" y "Niña Sentada". En enero de¡ año
siguiente rompe con Manach y regresa a Barcelona. Pinta "Madre
con niña" y "Mendiga acurrucada". En octubre realiza su
tercer viaje a París donde conoce a Max Jacob.
1903
Inicia los estudios para "la vida", tela fundamental de la
Epoca Azul. Pinta "La Celestina".
1904
Fija su residencia en París definitivamente,
instalándose en un barracón de aspecto miserable,
que ofrece alojamiento a verduleros, actores, literatos y
lavanderas, en Montmartre, y que Max Jacob bautizó con el
famoso nombre de Bateau-Lavoir. Se relaciona con artistas
catalanes tales cómo Canais, Pitxot, Manolo y los poetas
Salmon y Apollinare. En otoño conoce a Fernanda Oliver,
que se convertirá hasta 191 1 en su compañera.
Realiza su primer gran grabado "la comida frugal".
1905
Entabla amistad con los
prestigiosos coleccionistas estadounidenses Levy y Gertrude
Stein, en cuya casa conoce a Matisse, quien junto a Georges
Braque y Juan Gris suelen frecuentar el taller de Picasso. A
finales de febrero expone en la Galería Serrurier un
trabajo formado por un álbum de dibujos,
veintiocho cuadros y seis aguafuertes de la colección
titulada "Los volatineros". Entre ese año y el siguiente
se desarrolla la Epoca Rosa, llamada de ese modo debido a que los
ternas, escenas circenses (payasos, saltimbanquis y arlequines),
son tratados
preferentemente a base de tonalidades grises y rosas. Este
periodo representa una importante evolución hacia un cromatismo más
brillante y luminoso; desaparece la desolación y la
angustia, el estilo se vuelve más sobrio. Las obras "Madre
e hijo" (1905) y "La cabeza" (1906) reflejan ya su personalidad
madura.
1906
Vollard compra la totalidad de las obras de Picasso de esa
época por 2.000 francos. Así el pintor puede
realizar su sueño de regresar a España por
unos meses, en el viaje le acompaña Fernanda
Oliver.
1907
En torno a ese
año se desarrolla la llamada Epoca Negra, a la que
se bautizó como tal por el protagonismo que cobraron una
serie de manifestaciones culturales, desconocidas hasta entonces
en Europa y
procedentes fundamentalmente del África Negra. Estas
influencias junto con otras románticas e ibéricas
dan lugar al nacimiento de la obra "Les demoiselles d'Avignon"
que supondrá el punto de partida de¡ Cubismo. Cuando
Picasso se lanza a esta aventura es ya un pintor renombrado,
autor de más de doscientos óleos, acuarelas,
gouaches, pasteles, esculturas, grabados en madera y
aguafuertes. Aunque se trata de una obra increíblemente
polifacético para un hombre tan
joven, Picasso decide abandonar lo que ha sido su forma de sentir
para afrontar los problemas de
la representación espacial de las formas.
A pesar de los consejos de sus amigos para que retome su
estilo anterior, incluso sus marchantes le abandonan, Picasso
emprende el camino hacia el estilo que representará un
hito en el arte
moderno.
La importante exposición de Cezanne de 1907
resulta decisiva para Picasso. Cezanne reduce los objetos a
volúmenes primarios, pero generalmente curvos (conos,
cilindros … ), mientras Picasso y Braque, unidos ya por una
profunda amistad, prefieren los de aristas completamente
rectilíneas: cubos, pirámides…
1909
Picasso viaja a España en mayo y pasa el verano en Horta
de Ebro, donde pinta paisajes y retratos en los que se perfila el
inicio del Cubismo Analítico. Se trata de llevar a
cabo un análisis exhaustivo del motivo
representado, descomponiéndolo en tantos planos como
puntos de vista posea. En otoño modela una cabeza de
Fernanda que está considerada con la primera escultura
cubista.
1910
Pinta los retratos cubistas de Uhde, Vollard y Kahnweiler. Se
encuentra en plena Fase Hermética del cubismo ante
el peligro de perder totalmente el contacto con la realidad a la
que esta corriente artística se declara anclada. Gracias a
Braque consigue superar el "impasse" y encontrar una
ligazón con la objetividad.
1911
Conoce a Marcell Humbert con la que pronto inicia una nueva vida;
juntos se trasladan a la casa del bulevar Rapasil. Picasso
participa en exposiciones colectivas en Berlín, Arnsterdam
y Nueva York.
1912
Entre ese año y el siguiente Braque y Picasso desarrollan
el Cubismo Sintético, que supone abandonar el
análisis del objeto para captar su fisonomía
esencial incorporando elementos reales. En estos cuadros,
conocidos como papiers collés, pega trozos de
papeles pintados, periódicos, cordones, etc.. Busca
también nuevos caminos en la escultura, como en la obra
"La Guitarra", que representa una ruptura con el pasado. Su
único temor en su experimentación es el
estancamiento.
1914
A los treinta y tres años es ya un pintor famoso y muy
bien retribuido. Su obra "Los saltimbanquis" se compra en 11.550
francos en una subasta parisina en el Hotel Drouot. El 2 de
agosto estalla la Primera Guerra
Mundial. Acaba de morir Marcelle Humbert y la guerra
disuelve el grupo de los
fundadores del cubismo. Picasso se aleja de la guerra
refugiándose en una pequeña villa en la calle
Victor Hugo, vive sólo, acompañado en algunas
ocasiones por el escultor también español
Gargallo.
1917
Jean Cocteau le presenta al director de los Ballets Rusos Sergio
Diaghilev, quien le propone realizar los decorados y figurines de
la obra "Parade" cuya música ha compuesto
Eric Satie. Cuando se estrena la obra en París, el
público expresa ruidosamente su indignación por el
ballet, pero aplaude el decorado de formas cubistas
móviles. Durante esta etapa Picasso conoce a Olga
Chochlova, bailarina del ballet ruso. Olga abandona la
compañía para irse a vivir con el pintor. juntos se
trasladan a Madrid y luego a Barcelona. Un año más
tarde contraen matrimonio.
1919
Picasso viaja junto a Olga a Londres para trabajar en el
vestuario y los decorados de un ballet, también de
Diaghilev, basado en la obra "El sombrero de tres picos" de
Falla. En ese año comienza una nueva etapa caracterizada
por una doble fórmula interpretativa. Por una parte
desarrolla formas escultóricas e imágenes
de una grandiosidad que ha sido definida como neoclásica;
de este estilo son las obras "Las bañistas", "Mujeres
sentadas" o "Mujeres en la fuente". Por otra parte desarrolla un
cubismo de múltiples maneras.
1921
Nace su primer hijo, Paulo. Este acontecimiento dará lugar
a una etapa romántica en la que predominan las
maternidades y temas infantiles. En 1923 conoce a Andre
Bretón, de quién hace un retrato. Durante esos
años realiza nuevos trabajos para el teatro.
1925
Participa en la primera exposición de pintores
surrealistas en la Galería Pierre, en París,
obteniendo un gran éxito.
Se publica en la revista "La Revolution Surrealiste" varias obras
de Picasso, entre ellas y por primera vez en Europa "Les
demoiselles d'Avignon".
1927
Conoce a Marie-Thérese Walter, que se convierte en su
modelo y
amante.
1928
Se inicia en la escultura con metal en el taller de Julio
González.
1930
En febrero pinta, inspirándose en Grünewald, una
"Crucifixión" en la que se anticipan aspectos de¡
"Guernica". Recibe el premio de la Fundación Carnegie, que
le permite comprar el Palacete de Boisgeloup. Es en ese
año cuando las figuras femeninas distorsionadas y
fantásticas culminan en una gran tela surrealista
"Bañista sentada". El año siguiente se realizan
exposiciones importantes de su obra en Londres, París y
Nueva York. Mientras tanto se dedica casi exclusivamente a la
escultura.
1932
Se celebra en junio en la Galería Georges Petit una
exposición retrospectiva formada por 236 piezas. Un
año más tarde realiza la portada de¡ primer
número de "Minotaure", publicación surrealista que
incluye un artículo de Bretón sobre
Picasso.
1934
Junto con Olga y Paulo realiza un viaje por toda España.
En 1935 su amante, Marie-Thérese Walter le da una hija
Maya, siendo este el principal motivo por el que se separa de
Olga. Ese año realiza la serie de grabados "La
Minotauromaquia" y la obra "La musa".
1936
Estalla la Guerra Civil española. Picasso toma partido por
la República que le nombra director del Museo del Prado,
cargo que no llega a desempeñar. Desde agosto de ese
año vive con Dora Maar. Cuando el 29 de abril de 1937
llega a París la noticia de que la pequeña ciudad
de Guernica ha sido bombardeada en pleno día, con las
calles llenas de gente, Picasso encolerizado ya sabe cuál
será el tema de la obra que la República
española le ha encargado que pinte para la
Exposición Universal de París de ese año.
Picasso realiza el "Guernica", una de sus obras más
grandiosas.
1939
Con el eco del "Guernica" aún vivo estalla la Segunda Guerra
Mundial; Picasso y Dora Maar que estaban viviendo en Antibes
se trasladan a París. Dos años más tarde
escribe una pieza teatral "Le désir attrapé par la
queue". En 1942 muere Julio González; Picasso pinta una
serie de naturalezas muertas que describe como "la muerte de
julio González".
1943
Conoce a la joven pintora Françoise Gilot que será
su compañera durante casi diez años. Un año
después, en octubre, se afilia al partido comunista
francés.
1945
Se entrega con entusiasmo a una nueva técnica, la
litografía, llegando a pintar en tres años casi
doscientas obras.
1946
Se inaugura en junio, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York,
la exposición "Picasso. Fifty Years of his Art", con este
motivo Alfred H. Barr Jr. realiza un catálogo que se
convierte en pieza fundamental de la bibliografía del
artista.
1947
Nace Claude, fruto de su relación con Françoise
Gilot. Los tres se trasladan a vivir a Vallauris. En esa
pequeña ciudad, cerca del Mediterráneo, Picasso
desarrolla un nuevo capítulo artístico: la cerámica. En sólo un año
elabora seiscientos objetos diferentes: figuras, platos, jarros,
azulejos…
1948
El Gobierno
francés le concede la "Medalla de Reconocimiento
francés" en su categoría de plata. En agosto
participa en Wroclaw (Polonia), en el Congreso de los
Intelectuales para la Paz.
1949
Nace su hija Paloma y la maternidad vuelve a ser un tema habitual
en sus obras. Louis Aragón elige para el cartel del
Congreso de la Paz, que se celebra el mes de abril en
París, la litografía "La Paloma" de Picasso,
símbolo de la suprema esperanza de los pueblos. Un
año más tarde recibe el Premio Lenin de la
Paz.
1951
En enero se presenta en el Salón de Mayo la obra "La
Matanza de Corea", el artista no es muy bien acogido, ni si
quiera por el partido comunista, que sin embargo le hace un
homenaje en febrero de ese año. Picasso sigue trabajando
la escultura. En abril del año siguiente realiza los
dibujos preparatorios para la de capilla de Vallauris, que
versará sobre dos grandes temas: la guerra y la paz. Ese
mismo año muere su amigo Paul Eluard.
1953
El pintor empieza una larga serie de dibujos sobre el tema "El
pintor y la modelo" que poco después pasará a la
pintura y el grabado.
1954
Mueren Matisse y Derain. Ese mismo año aparece en la obra
de Picasso Jaqueline Roque, que pronto se convertirá en su
nueva compañera.
1955
Abandona su villa de Vallauris y se traslada a un enorme
caserón de piedra situado en
Cannes y que llama "La Californie". Olga Chochiova ha
muerto y Jaqueline es la inspiradora de numerosas obras que
Picasso realiza con la misma intensidad con la que retrató
a sus otras compañeras. En ese mismo año inicia una
etapa definida como período de encuentro con los
clásicos, en la que consagra grandes series a obras
maestras de artistas de la talla de Velázquez, Manet o
Delacroix, para volver luego a un tema muy distinto: la
tauromaquia.
1956
En octubre tiene lugar la primera exposición de Picasso en
la Sala Joan Gaspar de Barcelona.
Un año después realiza un conjunto de
aguatintas destinadas a ilustrar la "Tauromaquia. Arte de
Torear", de José Delgado.
1958
Tiene lugar la presentación oficial de la
decoración que Picasso ha realizado para la UNESCO. "La
caída de Icaro". Poco después Gustavo Gili publica
en Barcelona la "Tauromaquia" con grabados de Picasso.
1960
Se traslada a Nótre-Dame-de-Vie, en Mougins, donde
transcurrirán los últimos años de su vida.
Expone en las principales capitales del mundo. En octubre
empiezan los trabajos para la decoración del Colegio de
Arquitectos de Barcelona, se utilizará un técnica
de grabado sobre hormigón desarrollada por el escultor
noruego Carl Nesjar. En 1961 se casa con Jaqueline
Roque.
1963
En marzo se inaugura el Museo Picasso de Barcelona, instalado en
el Palacio Aguilar de la calle Montcada. En este Museo se
reúne la colección donada por Jaime
Sabartés, impulsor del proyecto, y las
obras ya existentes en el Museo de Arte Moderno, así como
donaciones de coleccionistas catalanes.
1966
Se realizan numerosas exposiciones sobre su obra con motivo de su
85 cumpleaños. En noviembre se inaugura en París
una importante muestra
retrospectiva organizada por Jean Leymarie que ocupa el Gran
Palais con pinturas y el Petit Palais con dibujos y
esculturas.
1968
Muere Jaime Sabartés. En su memoria Picasso
dona al Museo Picasso de Barcelona la serie "las Meninas", lienzo
que admiró toda su vida. Un año después
Gustavo Gili edita en Barcelona "El entierro del Conde de Orgaz"
con texto y
grabados de Picasso.
1970
De mayo a octubre se presenta en el Palacio de los Papas de
Avignon una gran exposición de Picasso con 165 lienzos y
46 dibujos. Son cedidas al Museo Picasso la obras que tiene su
familia en
Barcelona.
1971
Francia le
rinde un homenaje nacional en su 90 cumpleaños, mientras
tanto Picasso sigue trabajando incansablemente en sus series de
grabados.
1973
El 8 de abril muere en su casa de Notré-Dame-de-Vie. Aquel
año estaba trabajando en una serie inspirada en la "Ronda
de noche" de Rembrandt.
Se inicia con la obra "las señoritas de Avignon"
de Pablo Picasso.
Los autores de esta corriente son austeros con el color; utilizan
colores neutros,
grises, marrones.
Los dos autores principales de esta corriente son Picasso y
Braque.
Se renuncia a la perspectiva tradicional, a los colores reales, a
ver las figuras desde el punto de vista único. Temas menos
importantes que el tratamiento. Buscan figuras cotidianas: tren,
automóvil. Se exalta el plano, se rescatan escenas
interiores. Pintura figurativa que "destroza" las formas. Se crea
al gusto del pinto, rompe con los tabúes del arte
occidental, no se pinta con normas. El pintor
más famoso es Picasso que pinta en 1907 "las
señoritas de Avignon", en la que se elimina la profundidad
y es una representación dimensional => Cubismo Puro.
Dentro del cubismo podemos distinguir dos fases: el cubismo
analítico y el cubismo sintético.
hace irreconocibles a las figuras.
Braque, "el portugués", superpone planos
geométricos, colores oscuros.
Después se hacen cuadros con recortes periodísticos
=> Colas
Planos más amplios, representa al objeto, con
imágenes únicas.
"De un cilindro hago una botella", decía el pintor
español Juan Gris, quien, junto con otro compatriota,
Pablo Picasso, y un francés, Georges Braque, fue uno de
los exponentes más destacados del cubismo, movimiento
artístico del primer cuarto del siglo XX que, con su
descomposición de la figura y su renuncia a la perspectiva
tradicional, revolucionó al mundo de la pintura.
El nombre del cubismo fue acuñado por primera vez por el
crítico de arte francés Louis Vauxcelles al
referirse a los paisajes de Breque expuestos en la galería
parisiense Kahnweiler en 1908.
Se ha situado el origen de este movimiento en dos
fuentes muy
distintas: de una parte, el impacto que causó en
círculos artísticos de París la escultura
primitiva africana – y, en opinión de muchos
críticos, la ibérica – , de otra , la influencia
del pintor francés Paul Cezanne y su tendencia a reducir
los volúmenes de los objetos reales a elementos esenciales
como el cilindro, el cubo y la esfera. Hay que añadir a
estos antecedentes la reacción contra el fauvismo,
tendencia pictórica en la que el estallido del color era
uno de los aspectos más sobresalientes. Los creadores que
iniciaron las experimentaciones cubistas fueron Picasso y
Braque.
El primer cuadro cubista, pintado por Picasso en 1907, fue "Las
señoritas de Avignon". Las figuras femeninas representadas
en este lienzo están singularmente tratadas. Son formas
planas, cuyas siluetas aparecen como fracturadas, y los trazos
que las delimitan son siempre rectilíneos y angulares. Al
mismo tiempo se acomete
el intento de representar, al mismo tiempo, un rostro humano de
frente y de perfil.
Simultáneamente a las investigaciones
desarrolladas por Picasso, Braque había realizado una
serie de paisajes de l'Estaque, caracterizados por la escasez de
colorido y un volumen facetado,
a base de planos inclinados, que se presentaron en París
en la exposición que dio origen al nombre de cubismo.
El estilo cubista reclamó una pintura plana,
bidimensional, opuesta a las técnicas
tradicionales de la perspectiva y el claroscuro. Rechazó,
asimismo la antigua teoría,
mantenida y seguida durante siglos, de que el arte era una
imitación de la naturaleza.
Quizás por esto, aunque inicialmente los pintores cubistas
tomaron como modelos los
temas de la naturaleza y representaron rostros y figuras humanas,
pronto centraron su temática en naturalezas muertas.
Éstas eran composiciones formadas con objetos usuales,
agrupados casi siempre sobre una mesa, que carecían de
profundidad, y en los que todos los elementos ocupaban el primer
plano, gracias a una descomposición en facetas.
Desde los primeros años se estableció una estrecha
relación entre Picasso y Braque, que permitió pasar
al cubismo de una fase previa de experimentación a otra
mas madura, entre los años 1910 y 1912. En los inicios de
este movimiento tuvo también gran importancia el marchante
Daniel Kahnweiler, cuya galería se convirtió en el
centro de difusión del cubismo. Por otra parte, la
teoría acerca del movimiento cubista iba tomando forma en
las reuniones en el edificio Bateau-Lavoir, donde vivían
Picasso, Juan Gris – Sinónimo de José Victoriano
González – y el escritor francés Max Jacob.
Asistentes asiduos a las reuniones del grupo eran también
el francés Henri Matisse y Diego Rivera, que sería
uno de los principales pintores muralistas mexicanos, así
como los escritores franceses Jean Cocteau y Guillaume
Apollinaire. Fue precisamente ese último quien en mayor
medida contribuyó, con textos como el de Les Peintres
cubistes, publicado en 1913, a elaborar la estética sustentadora del movimiento
cubista.
Además de los dos grandes maestros mencionados
hubo otra serie de artistas que realizaron un cubismo cercano al
de Picasso o Braque, pero con toques personales, como Juan Gris y
los pintores franceses Fernand Léger, Albert Gleizes y
Jean Metzinger.
Cuando esta estética se difundió por toda Europa
aparecieron una serie de grupos o
tendencias con sus propias características: el cubismo órfico,
del francés Robert Delaunay, que daba una gran importancia
al color y empleaba elementos compositivos inventados por el
artista, el grupo de Puteaux, con el también
francés Marcel Duchamp, que aportó un cubismo
dinámico y muy intelectual, el neoplasticismo del
holandés Piet Mondrian, el suprematismo ruso de Kazimir
Maliévich, el constructivismo
escultóricos de su compatriota Vladimir Tatlin, y el
purismo, estética racional y geométrica impulsada
por los franceses Amadeé Ozenfant y Charles Édouard
Jeanneret. Este último, de origen suizo y llamado Le
Corbusier, aplicó luego sus principios a la
arquitectura.
Se puede decir que, con la guerra de 1914, el cubismo, que
había tenido una vida intensa desde 1907, se
desintegró como vanguardia
artística, aunque su influencia fue enorme a lo largo del
siglo XX. De hecho, la mayor parte de los pintores citados
ejercieron un decisivo impulso en el desarrollo de
la abstracción geométrica.
Ninguna obra de arte surge aislada, al margen del tiempo
y el momento que la vio crecer, el Guernica quizás, menos
que ninguna otra. Pintada para el Pabellón de
España en la Exposición Internacional celebrada en
París en 1937, pabellón montado con carácter
propagandístico por parte de la República
Española y que iba a atraer a una gran cantidad de
visitantes, visitantes que iban a una Exposición y que
pasaban delante de un mural que parecía un gran cartel,
nada que ver con el visitante que hoy en día se dirige a
un museo y ve la obra. Este es un elemento a tener en cuenta
cuando vemos el cuadro.
Este cuadro fue creado para la colectividad, para que lo
contemplase un gran número de personas, de ahí su
tamaño y la reducción a la gama del blanco al
negro. Es un cuadro que busca producir un efecto sobre muchas
personas, personas de todo tipo. La obra lo consigue, es un
cuadro ante el que nadie se queda indiferente, ante el que se
opina por ello ha pasado a ser una obra fundamental del arte de
nuestro siglo, pero fue un cuadro creado como cartel
publiciatiario para poner de manifiesto la injusticia y la
barbarie del bombardeo de Guernica el 26 de abril de 1937 a las
cinco menos veinte de la tarde. Guernica, una población vizcaina de 7000 habitantes a 30
km. de Bilbao, patria de las libertades vascas, pues ante su
famoso roble los monarcas españoles y sus representantes
juraban los fueros vascos. Los motivos del bombardeo fueron de
índole ejemplarizante y experimental, se utilizaron
bombas
incendiarias y poderosos explosivos, sólo quedaron
indemenes el 10 por ciento de los edificios y el número de
muertos nunca se calculó.
Un factor a tener en cuenta, sobre todo a raíz de
la polémica que este cuadro está alcanzando es que
el cuadro fue encargado a Picasso antes de que se produjera el
bombardeo, fue encargado por la II República con ese
afán propagandístico antes aludido, para manifestar
la oposición al alzamiento nacional y a la guerra que
éste había provocado, aunque también es
cierto que Picasso no empezo a pintar hasta que se produjo el
bombardeo, y lo hizo de forma ferviente y casi acelerada y en el
plazo de un mes termino la obra, por eso hay que ampliar el
significado y la lectura de
esta obra que no reivindica la crueldad de una masacre concreta
sino que se convierte en un alegato contra la crueldad y la
injusticia de la guerra y contra la barbarie propia del fascismo y el
nacional-socialmismo que más adelante iba a azotar toda
Europa.
La elaboración del cuadro comienza el 1 de mayo
de 1937. Desde los primeros bocetos aparecen todas las figuras de
la obra final: el toro, la mujer con la
luz, el
guerrero en el suelo, el
caballo. El 8 de mayo introduce a la madre con el niño, y
el caballo muerto que cae sobre el guerrero. El 11 de mayo
empieza a pintar sobre el lienzo definitivo hasta el 4 de
junio.
9. Análisis de Las
Señoritas de Avignon
El tema del cuadro ha sido fruto de diferentes
interpretaciones, dichas interpretaciones están en
relación con los dibujos preparatorios del cuadro. El
cambio principal entre estos bocetos y el cuadro final es que en
los dibujos aparecen unas figuras masculinas: un marinero y un
estudiante de medicina, figuras
identificadas por detalles que aprecen o desaparecen según
el dibujo de que
se trate. Siguiendo los dibujos se hace más factible la
interpretación de que es una escena que transcurre en un
prostíbulo, sobre todo al estar tan cercana a una obra
como El harén. En el cuadro no aparecen esas
figuras masculinas y con ello el efecto que se consigue es que el
espectador en lugar de contemplar una habitación con unas
prostitutas, pase a ser mirado por ellas, ellas son las que le
interrogan, son quienes le solicitan un posicionamiento.
Este es uno de los rasgos fundamentales del arte del
siglo XX, el espectador nunca más contempla una obra por
la mera contemplación de la misma, tendrá que tomar
partido, para terminar la imagen, para
opinar sobre la imagen, para participar en la creación de
la imagen que llegara a convertirse en una
instalación.
En el cuadro priman dos aspectos: el primitivismo y la
disgregación espacial
El primitivismo se ve en el rostro de estas mujeres y en
el uso de la combinación de El primitivismo de los rostros
tiene una doble vertiente: las dos figuras de la derecha muestran
una relación más clara con la escultura negra,
sobre todo de corte oceánico, mientras que las dos
centrales y la de la
- izquierda nos llevan a la estatuaria ibérica.
El interés
de Picasso en este tipo de arte radica en el sentido
totémico y las formas simplificadas. Picasso traduce una
aproximación romántica hacia estas obras pues no
se queda en los rasgos estilístico, hay un elemento de
expresividad, en el fondo estos rostros tienen algo de
máscaras y como tal pasan a ser objeto de culto, parte
de un rito. Para Picasso el arte primitivo es algo emocional,
por eso traspasa los límites
de la forma, estas máscaras nos producen una
sensación de miedo, excitan el sentimiento y es el
aspecto que a Picasso le interesa destacar en este cuadro. En
este primitivismo estaría recogiendo lo que de misterio
y salvaje encontramos en el arte oceánico. colores:
ocre-rosado y azul claro.
En cuanto al color, es el color que se usa para pintar
las máscaras oceánicas, es decir, aquellas
máscaras de las colonias oceánicas francesas donde
el juego de los
rosas y blanco apastelados son muy frecuentes. Para lograr
plasmar la textura de máscaras en estos rostros, Picasso
va a introducir un nuevo elemento: la respiración en blanco, deja una zona en
blanco, un límite entre dos colores sin pintar, de forma
que se ve el lienzo, pasando a convertirse el lienzo en elmento
plástico
en si mismo. Esta herramienta le permite así introducir la
sensación de profundidad utilizando el cuadro.
- La disgregación espacial va a traer como
consecuencia que el cuadro deje de ser la narración de
una historia y
pase a ser la construcción de objetos que se ofrecen a
nosotros. La unidad del cuadro tiene que venir dada por el
espectador, es nuestra mirada la que los reune y la que le da
sentido. Picasso introduce diferentes puntos de vista en
atención a una composición
autónoma respecto de la percepción naturalista: la figura en
cuclillas con el rostro completamente de espalda y dada la
vuelta es una postura anatómicamente imposible, la
segunda figura de la izquierda, está tumbada y a la vez
se la ha levantado.
Pablo Picasso es considerado uno de los artistas
más importantes del siglo XX. Polifacético,
inventor de formas, innovador de técnicas y estilos,
artista gráfico y escultor, creó más de
20.000 obras.
Falleció en Mougins en 1973, cuando preparaba dos
exposiciones, demostrando su capacidad creativa hasta el
final.
El Arlequín Azul (1964).Técnica de
crayón y pastel/papel.(65x24cm)
El Guernica (1937).Técnica de óleo sobre
lienzo.(349x777cm)
Las Señoritas de Avignon (1907).Técnica de
óleo sobre tela.(243.9×223.7cm)
- http://www.publispain.com/pablopicasso/biografia.htm
- http://www.arsliber.com/artistas/Picasso/bio.htm
- http://www.artehistoria.com/genios/pintores/2990.htm
- TASCHEN, BENEDIKT: "Picasso",Germany,
1992.
Autor:
Ivana Montenegro