- Conceptos
básicos - Origen del
dibujo - Concepto de dibujo
artístico - Instrumentos y soportes
utilizados - El arte en la
historia
– ARTE:
Acto mediante el cual, valiéndose de la materia o de
lo visible, imita o expresa el hombre lo
material o lo invisible, y crea copiando o fantaseando. En
sentido amplio, podemos denominar como Arte a toda
creación u obra que exprese lo que el hombre desea
exteriorizar, obedeciendo a sus propios patrones de belleza y
estética. El artista para crear, requiere
ante todo estar dotado de imaginación, a través de
la cual responde al vasto y multiforme mundo externo expresando
sus sentimientos por medio de palabras, formas, colores y
sonidos.
– ARQUITECTURA:
En un sentido corriente, la Arquitectura es el arte de construir,
de acuerdo con un programa y
empleando los medios
diversos de que se dispone en cada época; así
podemos definirla como el arte de proyectar y construir estructuras.
La misma tiene un sólido fundamento científico y
obedece a una técnica compleja, por esta razón se
dice que sólo es arte cuando la construcción es expresiva de la voluntad
espiritual de una época y esa expresión
arquitectónica es el resultado de todos los elementos
constitutivos que emanan esencialmente de las relaciones que se
entablan con el espacio que conforma la obra y el espacio que lo
circunda. De allí cabe resaltar que la Arquitectura es el
arte de conformar el espacio, transformándolo. En sus
más acabadas manifestaciones, la Arquitectura logra unir
la belleza y la utilidad, a tal
punto que una depende de la otra, pues una obra no es hermosa si
no se adapta al fin para el cual se destina.
– ESCULTURA: La Escultura es el arte de crear
formas expresivas de tres dimensiones reales, sean
volúmenes, cuando se emplean materiales
compactos, sean objetos en los que predomina el espacio, apenas
delimitado o indicado mediante ejes que lo recorren, cuando se
emplean materiales que pueden reducirse a hilos, cintas, cuerdas,
etc. o materiales transparentes. La primera forma es la
tradicional, la segunda se desprende del carácter
que tiene la escultura de vanguardia,
pero ambas afirman la tridimensionalidad. El escultor tradicional
crea formas volumétricas modelando una sustancia dotada de
cierta plasticidad, como la cera y la arcilla húmeda, o
tallando materias duras como la piedra, el granito, la madera, el
marfil, o bien haciendo moldes que le permiten reproducir en
relieve lo que
aquellos representan en hueco. El escultor moderno crea formas
espaciales utilizando piezas de hiero fundido, hilos de alambre,
cintas de acero, filamentos
de madera, cuerdas de violín y materiales plásticos
variados.
– PINTURA:
Arte que representa en superficie plana cualquier objeto real o
imaginario por medio del dibujo y el
color. Los
testimonios más antiguos del arte humano son dibujos y
pinturas que los primitivos habitantes del planeta dejaron en
cavernas prehistóricas, estas pinturas fueron llamadas
Rupestres. Desde el punto de vista técnico la
pintura se dice que es al fresco cuando se aplica a
paredes y techo usando colores disueltos en agua y cal; al
óleo cuando ha sido elaborada con colores
desleídos en aceite secante, por lo general sobre una
tela. La pintura al pastel se efectúa con
lápices blandos y pastosos; la acuarela emplea
colores transparentes diluidos en agua; a la aguada se
llama el procedimiento de
emplear colores espesos, templados con agua de goma y miel;
pintura al temple es la preparada con líquidos
glutinosos y calientes, en ella se emplea entre otros productos,
el agua de
cola. En la llamada de porcelana se usan colores minerales
endurecidos y unidos por medio del fuego.
– ARTES VISUALES: En su sentido más
general, son las que se relacionan con la impresión e
ilustración, las que se expresan por medio
de gráficos e imágenes;
abarca todas las artes que se representan sobre una superficie
plana. Las Artes Visuales tienen como función el
comunicar lo que el artista desea expresar por medio de un
lenguaje
visual, atendiendo tanto a los elementos compositivos como a los
principios
compositivos, para que la obra en sí resulte agradable y
de buen gusto para quien la observe.
Desde la prehistoria el
hombre trató de reproducir en las paredes de las grutas
las formas de los animales que
había observado, logrando representar sus movimientos, la
masa y la forma de los cuerpos; así, nace este arte que es
uno de los primeros practicados por el ser humano, que siempre ha
procurado representar los objetos como sus ojos los veían.
El hombre a través del tiempo deja su
huella traduciendo la impresión que le transmite un objeto
reproduciendo su forma, su tamaño y su volumen, bien por
medio de un trazo, como en el arte egipcio, griego y
japonés, bien sugiriendo sobre todo el aspecto del relieve
por el juego de las
sombras y de la luz; este
último modo de expresión es ya visible en los
frescos de Pompeya y en los artistas del Renacimiento
italiano, como Leonardo De Vinci. En términos generales,
este arte se ha desarrollado en función de las condiciones
de existencia de cada época, de cada cultura y de
los progresos y conocimientos acerca de los instrumentos y
técnicas utilizadas por los
artistas.
3. CONCEPTO DE
DIBUJO ARTÍSTICO
Es la representación de un objeto por medio de
líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata de una
abstracción de nuestro espíritu que permite fijar
la apariencia de la forma, puesto que el ojo humano sólo
percibe masas coloreadas de diversa intensidad luminosa. El
dibujo es el arte de representar gráficamente sobre una
superficie plana de dos dimensiones objetos que, por lo regular,
tienen tres. También, debemos tomar en cuenta que el
dibujo es la base de toda creación plástica y es un
medio arbitrario y convencional para expresar la forma de un
objeto por la línea, un trazo y juegos de
sombras y luz. Lo que caracteriza al dibujo es la
limitación de las formas mediante líneas; esto lo
diferencia de la pintura, en la cual la estructura de
los planos se logra mediante masas coloreadas. El dibujo es un
elemento abstraído del complejo pictórico, que en
virtud de su fuerza
expresiva, se convierte en un arte independiente.
4. INSTRUMENTOS Y
SOPORTES UTILIZADOS
Las técnicas del dibujo son diversas y han
variado con el tiempo; en general, los instrumentos más
utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o
sepia), el carbón, el pastel, el óleo, etc. El
hombre prehistórico adornaba los muros de las cavernas o
ciertas figuras de marfil, hueso, de hasta de reno o esteatita
utilizando buriles y raspadores de sílice, clavos,
alfileres, etc. Las pinturas primitivamente las hacían con
los dedos, pasando luego a realizarlas empleando pinceles de
plumas o de madera astillada. Los colores consistían en
tonos negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos mediante la
pulverización de arcillas rojas, de trozos de ocre
amarillo y rojo mezclados con grasas o con jugos vegetales. Los
pintores egipcios cubrían la superficie a pintar (madera,
piedra), con una capa de estuco, luego realizaban el dibujo con
color rojo, para después trazar el contorno de la figura
con negro; esta preparación permitía que al
contacto de los óxidos de la materia colorante con el
soporte, se operara una reacción química, dando como
resultado la fijación de los pigmentos. Los romanos
emplearon la técnica del fresco en los muros, al temple
(en cuadros) y la encaústica en retratos. En el arte de la
Edad Media se
destacan los mosaicos, muchos de ellos realizados con vidrio esmaltado,
cortados en pequeños trozos, sobre un fondo dorado. Hasta
el siglo XV, las pinturas de tamaño grande todavía
se ejecutaban al temple, esto es, con pigmentos molidos y
mezclados con algún aglutinante; el agente más
común era la yema de huevo, adelgazada con agua hasta
donde fuera necesario; se pintaba sobre estuco blanco, aplicado
previamente en una capa muy delgada a la tabla o lienzo. El
fresco, es un método
parecido que se aplicó para pintar el interior de las
paredes y muros, fue muy utilizado. Las técnicas
pictóricas empleadas por los pintores barrocos fueron al
temple y al óleo en diversas dimensiones o planos. La
sutil gradación de la luz y la sombra en La Virgen de las
Rocas, de
Leonardo, o en Mujer
bañándose en un arroyo, de Rembrandt, no se hubiera
logrado más que con el óleo; los pigmentos
coloreados se mezclaban con aceite y se diluían, para
darles la consistencia conveniente, con una mezcla de aceite de
linaza y aguarrás. Los pintores Flamencos, como Van Eyck,
usaron el método transparente, que consistía en
aplicar la pintura en capas muy delgadas sobre fondo blanco, la
obra se pintaba por secciones y al terminar cada una, se dejaba
secar el exceso de aceite.
– PREHISTORIA
ÉPOCA PALEOLÍTICA
Las manifestaciones
pictóricas de esta época son llamadas pinturas
rupestres. Estas pinturas se han localizado en diversas regiones
del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y cavernas,
alcanzando grandes dimensiones. La pintura rupestre responde a la
expresión de una cultura cazadora, se le atribuye un
carácter mágico – religioso porque se presume
fueron realizadas como rituales para conseguir buena
cacería. Las figuras que pintaban eran de animales, estas
primeras manifestaciones plásticas en el principio eran
líneas trazadas con los dedos sobre las partes blandas de
las paredes de la cueva, luego interviene el color, rojos y
negros mayormente. A esta primera fase del arte rupestre se le ha
denominado Auriñaciense, en esta fase las figuras aparecen
hechas con trazos burdos, los animales los realizan de perfil y
las figuras se presentan aisladas. Luego, hay una segunda fase,
la Solutrense, en donde se observan ciertas figuras moldeadas,
interviene el color y los perfiles aparecen paralelos;
posteriormente, hay una tercera fase llamada Magdaleniense, en
ella se presentan escenas de caza, de lucha, etc. y se observa
una asociación de la figura humana con la figura animal en
las representaciones, hay variada policromía y el empleo del
claroscuro como elemento expresivo. Hacia finales del
Paleolítico, la característica esencial de las pinturas es
la esquematización de las formas, adquiriendo así
mayor movimiento y
dinamismo.
PINTURA: Las primeras manifestaciones
pictóricas provienen de la época paleolítica
o de la Piedra Tallada, a esta se le denominó Pintura
Rupestre. Estas pinturas se han localizado en diversas regiones
del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y cavernas,
alcanzando grandes dimensiones. Responden a la expresión
de una cultura cazadora, se le atribuye un carácter
mágico-religioso porque se presume fueron realizadas como
rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que
pintaban eran de animales, estas primeras manifestaciones
plásticas en el principio eran líneas trazadas con
los dedos sobre las partes blandas de las paredes de la cueva,
luego interviene el color, rojos y negros mayormente. Hacia
finales del Paleolítico, la característica esencial
de la pintura rupestre es la esquematización de las
formas, adquiriendo así mayor movimiento y
dinamismo.
ESCULTURA: Del Auriñaciense datan las
primeras esculturas de forma humana. Son figuras femeninas, en
hueso, marfil o piedra, de pequeño tamaño,
relacionadas con el culto a la fecundidad. Se las conoce con el
nombre genérico de Venus. Entre las más conocidas
tenemos a las Venus de Willendorf, Lespugue, Savignano y
Grimaldi.
ARQUITECTURA: En el Neolítico o Edad de
Piedra Pulimentada, la pintura y la escultura pierden importancia
y en cambio se
desarrolla al final del período una arquitectura de
enormes piedras que recibe el nombre de Arquitectura
Megalítica, formados por bloques inmensos de piedras,
estos monumentos son de varios tipos: Menhir, Trilito, Dolmen y
Cromlech.
– ARTE EGIPCIO
La pintura egipcia posee una sensibilidad
artística innata; resulta ser un medio excelente para
transmitir un mensaje estético, creando un ambiente
cargado de religiosidad; en ella se observa la pureza de la
línea, la armonía de las formas, el equilibrio
compositivo y una gran gama de colores que la hacen atractiva,
mágica, natural y contemplativa. Con respecto a la
representación de la figura humana, esta se caracteriza
por los siguientes rasgos: Ley de
Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil;
hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de
la figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro y firme.
Superposición de figuras y gran colorido, logrando
diversos tipos de armonías. Representación de
escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención a que ella es empleada en las
paredes de templos, tumbas y palacios.
ARQUITECTURA: Una de las grandes creaciones del
genio egipcio es la arquitectura, arte en que dejaron monumentos
que asombran por su grandeza, hermosura y por la habilidad de los
ingenieros constructores. Entre sus obras se destacan los
Monumentos Funerarios: Mastabas, Hipogeos y Pirámides, y
los Monumentos de Culto: Speos y Templos.
PINTURA: La pintura egipcia posee una
sensibilidad artística innata; resulta ser un medio
excelente para transmitir un mensaje estético, creando un
ambiente cargado de religiosidad; en ella se observa la pureza de
la línea, la armonía de las formas, el equilibrio
compositivo y una gran gama de colores que la hacen atractiva,
mágica, natural y contemplativa. La representación
de la figura humana se caracterizó por los siguientes
rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y
piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se
destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo
seguro y firme. Superposición de figuras y gran colorido,
logrando diversos tipos de armonías. Representación
de escenas de la vida real. Carácter decorativo en
atención a que ella es empleada en las paredes de templos,
tumbas y palacios.
ESCULTURA: A lo largo de su historia, la escultura
egipcia pasó por distintas etapas en cada una, por causas
políticas y religiosas cambió de
dirección, desde la inspiración
naturalista a la construcción idealizada de la figura. Se
destacan: el Cheik-el-Beled, el Escriba Sentado, Rahotep y
Nefret, la cabeza de Nefertiti, los Colosos de Memmón y la
gran Esfinge de Gizeh, entre muchos otros.
– ARTE GRIEGO
Floreció entre los siglos VII y II antes de C.,
en Grecia y otros
territorios del Mediterráneo habitados por los griegos. Se
caracteriza por su idealismo
estético, proporcionalidad, equilibrio de los elementos y
su interés
por reflejar la expresividad genuina en la figura humana; por
ello, desarrollaron una gran perfección en el dibujo. El
atletismo, tan
cultivado por estos pueblos, brindó a los artistas sus
mejores modelos. La
sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad dominan todas sus
formas artísticas; así, los griegos alcanzaron sus
mayores logros en la cerámica, la escultura y la
arquitectura.
El arte griego comienza aproximadamente en los siglos V
y IV. Se caracterizó por darle a sus obras el mayor
sentido de la proporcionalidad, por expresar armonía y
equilibrio de elementos y por reflejar una genuina
expresión de humanismo.
Grecia, es una pequeña península situada al sureste
de Europa. Pero en
este pequeño país nacieron las primeras ideas que
dieron forma a la cultura occidental, de tal modo que nuestros
conocimientos y modos de pensar son una consecuencia de la
filosofía, la ciencia y
el arte de los griegos.
ARQUITECTURA: En la arquitectura griega no se
empleó ni el arco ni la bóveda. El elemento
sustentador de sus monumentales obras fueron las columnas. El
sistema de
construcción utilizado fue el adintelado. Se destacan por
orden jerárquico, los templos como exponentes principales,
luego, los teatros, las acrópolis, los propileos, los
estadios, los gimnasios y las palestras, las ágoras y los
monumentos funerarios. Los diferentes tipos y formas de columnas
dieron origen a los famosos órdenes arquitectónicos
griegos: Dórico, Jónico y Corintio.
MATERIALES UTILIZADOS: Los griegos usaron de
manera preferente el mármol, el cual pulían de
forma cuidadosa; también emplearon la piedra.
ESCULTURA: La escultura griega no está
sujeta ni a reglas ni a convencionalismos. El escultor tiene
libertad de
expresión, sin embargo, toda ella busca y logra la
perfección humana, por tanto es una escultura dedicada a
exaltar la fuerza física, la
perfección de los rasgos, el movimiento y la
expresión de la divinidad. Su tema central gira en
torno a la
figura humana. La escultura griega pasa por 3 períodos
épocas o fases evolutivas, con características
propias en cada una de ellas. Estas son:
– Arcaica: Se caracterizó por ser una
época en donde los escultores buscan un estilo y una
técnica propios. En ella aparece la figura femenina y
masculina, al inicio estas figuras eran de tipo hierático,
sin movimiento, pero luego surgieron ideas de movimiento, los
brazos se despegan del cuerpo y el rostro expresa una curiosa
sonrisa. Las esculturas eran hechas como ofrenda a los
deportistas. Son de esta época: El Kouros de Anavyssos
(atleta), la Dama de Auxirre o Xoana (doncella vestida), la
cabeza del caballero Rampios, etc.
– Clásica: esta época
significó el período de mayor auge en todas las
manifestaciones artísticas y literarias. Los escultores
logran la perfección de sus técnicas, así
como las mejores piezas escultóricas, en donde se observa
la magnificencia de la figura humana. Esta época tiene 2
períodos: el estilo Sublime, en el que se destacan
escultores como Mirón, Fidias y Polícleto, y el
estilo Bello, donde se destacan Scopas, Praxiteles y Lisipo,
ambos estilos tenían características
propias.
– Helenísta: esta época corresponde
al fin del arte griego, las obras de esta época toma
modelos de las anteriores, perfeccionándolos, demostrando
una gran capacidad de realización, entra la figura del
niño como tema. La escultura adquiere caracteres de
monumentalidad, dominando lo pintoresco, lo grotesco, lo
episódico, etc. El retrato pasa a un primer plano. En este
período surgen diferentes escuelas, entre las más
importantes: las Escuela de
Pérgamo, la de Rodas y la de Alejandría.
PINTURA: Muy poco es lo que se conoce de los
pintores griegos, sin embargo, si es de conocimiento
la maestría que se manifestaba en los increíbles
efectos de realismo que
sabían producir por descripciones de algunas pinturas.
Pero su obra se ha perdido casi toda, y lo que ha quedado son
copias y fragmentos que no dan una idea clara de cómo era
aquella pintura. Se destacan: Polignoto, Apolodoro de Atenas,
Agatarco de Samos, Zeuxis, Parrasio y Apeles.
CERÁMICA: Esta constituye en las artes
menores la mejor y más variada expresión en lo que
a decorado y pintura se refiere. Esta variedad nos da una muy
completa evolución de su cultura. Con un estilo y
técnicas propias, se caracteriza por tener formas variadas
y originales, predominan los elementos geométricos
dispuestos en franjas, las tonalidades del barro, desde el
amarillo hasta el gris castaño, presenta figuras en rojo
sobre fondo negro o rojo el fondo y figuras negras, predominan
formas animales y humanas.
– ARTE ROMANO
Resulta de las influencias etruscas y griegas,
alcanzó su mayor esplendor en la época del Imperio.
Se desarrolló en Italia desde el
año 200 antes de C., hasta el siglo IV después de
C., algunos lo consideran inferior al arte griego, pero en
realidad fue más variado, más flexible y en ciertos
aspectos se acerca más al arte moderno; así, su
influencia en el arte de la Edad Media y del Renacimiento fue
notable. Sus mayores logros los presenta en el desarrollo de
la arquitectura; por ello, el dibujo y la pintura la realizaban a
servicio de
esta, predominando los murales. Los temas eran asuntos
bélicos, eróticos, leyendas
heroicas, paisajes, marinas, naturaleza muerta
y el retrato. A partir del siglo I, se observan dos corrientes
pictóricas o estilos: el estilo Neoático, que se
preocupa por la forma humana, resaltando asuntos de la mitología y epopeya y el estilo
Helenístico – Alejandrino, que pone de manifiesto la
preocupación por la pintura rural, se cultivan el paisaje
y las marinas. Al iniciarse el siglo II hasta el 79 de nuestra
época (pintura en Pompeya), se observan cuatro estilos: de
incrustación, alejandrino o arquitectónico,
ornamental y fantástico.
Roma fue un pueblo de labradores, de
comerciantes, de guerreros. Los romanos mostraron mayor
interés por las cosas prácticas y sus obras
artísticas llevan siempre un sello utilitario. Pueblo
dominador, fundador de un vasto imperio, el romano tuvo por
preocupación fundamental mantener el dominio sobre los
territorios colonizados, para lo cual movilizó poderosos
ejércitos, dio vida a un denso cuerpo de leyes que
apretó los lazos entre la metrópoli y las
provincias, y desarrolló una gigantesca labor constructiva
con un variado repertorio de formas arquitectónicas
perfectamente adaptadas a sus fines. Sus dos grandes
realizaciones fueron el Derecho y la Arquitectura, pero su
mérito principal es haber extendido la civilización
grecolatina por una vasta parte del mundo conocido.
ARQUITECTURA: Su finalidad es utilitaria,
está concebida en función de las necesidades
privadas y públicas. Expresa la voluntad de poder y de
mando del Estado romano,
que se erige como rector de la vida privada y pública de
sus ciudadanos. Es monumental, hecha pensando en la
glorificación de Roma y para
resistir el paso y el peso del tiempo. Más que la belleza
busca la majestad y la robustez, por lo que se muestra en
grandes masas sólidas y pesadas. Expresa el ideal de
uniformidad del Imperio, que aspira a que todos los pueblos
sujetos a su dominio asuman una fisonomía material a
imagen y
semejanza de la Urbe. Alterna dos sistemas
conocidos: el de la columna y dintel (copiado de los griegos), y
el arco y bóveda (tomado de los etruscos). Sus principales
monumentos fueron: el templo, la basílica, las termas, los
teatros, los anfiteatros, los circos, etc.
LA ESCULTURA: Se mueve entre los polos contrarios
de idealismo y realismo y su tema casi central es el retrato. En
sus comienzos, la influencia etrusca se hace presente en algunos
bronces, luego la influencia griega a través de los
escultores helénicos que vivían en Roma o en la
Magna Grecia, así como de las obras descubiertas en
suelo griego y
llevadas a Roma, impulsa la corriente idealista. El
enfrentamiento de ambas tendencias se advierte en obras del
período republicano.
PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS: Creada con un
destino utilitario que se cumple en su función narrativa,
honoraria o descriptiva. Más que un arte es una
artesanía supeditada a exigencias religiosas
honoríficas o conmemorativas. Cultiva con preferencia el
retrato llevándolo a su máxima
identificación con el modelo. Es un
arte naturalista. Es una obra anónima.
PINTURA: La conocemos a través de los
frescos hallados en la ciudad de Pompeya, que suelen ser copias
griegas o caprichos decorativos de gracia picaresca como cupidos,
pájaros, cintas, flores, etc. Los temas son
históricos, mitológicos paisajísticos y
marineros. También en ciertos períodos se hizo una
pintura arquitectónica, que imita a los elementos
constructivos. Lo interesante de la pintura romana es la
técnica de manchas de color al temple, aplicadas con
brochazos sueltos, sin detallar, a la manera impresionista y con
efectistas toques de sombra y luz. También en la pintura
domina el gusto realista por lo que los temas preferidos, son el
retrato, la caricatura y el paisaje.
– ARTE ROMÁNICO
Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el
período que se conoce como Baja Edad Media, se forma en
Europa un arte al que se le da el nombre de Románico. Este
nombre hace referencia a la fuente en que tiene su origen, que es
el arte de Roma, el arte romano, del que toma tipos de edificios
y técnicas constructivas. Este estilo o arte se ha
denominado románico, por la semejanza con el vocablo
romance, el cual designa los idiomas derivados del
latín.
ARQUITECTURA: Es una arquitectura religiosa, de
creación monástica, porque son los monasterios y
los conventos los que la impulsan. Su edificio tipo es la
Iglesia.
Expresa el ideal de austeridad y recogimiento, de disciplina y
penitencia. Desde el punto de vista técnico, pertenece al
grupo de
arquitecturas de arco y bóveda, por ser estos sus
elementos funcionales básicos. Tiene una apariencia
robusta y pesada. El principio de sustentación es
estático, pues enfrenta masa contra peso. Presenta un
exterior sobrio, de muros desnudos y lisos, interrumpidos nada
más que por los elementos de refuerzo, que van
incorporados a la estructura. Otros elementos constructivos:
contrafuerte, columnas, pilares, cúpulas.
ESCULTURA: Está subordinada a la
arquitectura, que determina los lugares y espacios que deben
cubrirse con relieves o estatuas. Su finalidad no es
artística sino didáctica: dar a conocer a los fieles las
figuras y verdades sagradas para su instrucción religiosa.
Estilización y desproporción: las figuras no
guardan las proporciones naturales. Tampoco guardan la debida
perspectiva ni la relación de tamaños que se debe a
la diferente profundidad a que están las figuras. En los
relieves, la diferencia de tamaño significa la importancia
del personaje. Composición simétrica: las escenas
se componen, guardando una relación simétrica. En
los tímpanos, la composición tiene siempre como eje
la figura de Cristo.
PINTURA: La pintura románica tiene un
desarrollo notable, pues las vastas extensiones de pared lisa
eran apropiadas a la decoración pictórica; por
ello, también la pintura era un arte subordinada a la
construcción. La falta de perspectiva, los colores planos,
la composición simétrica, la rigidez de las figuras
y la inexpresividad de los rostros, que muestran siempre su
mirada asombrada, prueban una indudable influencia oriental a
través del arte de Bizancio. La técnica empleada es
la del Fresco, notables ejemplos son las iglesias
románicas catalanas, de fulgentes colores y motivos
abstractos de significado simbólico; y las iglesias
italianas, donde las escenas religiosas pintadas muestran ya
cierto empeño en copiar la naturaleza con
fidelidad.
– ÉPOCA MEDIEVAL
El arte de la Edad Media es esencialmente religioso,
aunque haya producido obras maestras de carácter profano;
la época medieval podemos dividirla en cuatro, ya que fue
un largo período en las que se produjeron distintos
estilos de arte; el primero fue llamado Paleocristiano, cuya
pintura se inicia en las catacumbas, está llena de
simbolismo y cabe destacar la realización de los muy
famosos mosaicos, los cuales eran de un gran colorido y los temas
eran litúrgicos, figuras de Cristo, apóstoles, la
cruz, etc. Luego, nace el arte Bizantino en la época de
Constantino; en cuanto al dibujo y la pintura, adquiere
características propias, los artistas realizaban
excelentes mosaicos centrados en la representación de
acontecimientos bíblicos en las cuales se observa que las
figuras representadas poseen un hieratismo bastante acentuado que
siempre están colocadas de frente. El Románico,
denominado así por la semejanza con el vocablo "romance"
que designa a los idiomas derivados del latín, se
encargó de decorar el interior de muchas basílicas
e iglesias. Durante este período se pinta sobre
ábsides y bóvedas figuras estilizadas, llenas de
incesante movimiento y colorido; la pintura románica
empleó las técnicas pictóricas al fresco y
al temple; los temas solían ser figuras de ángeles,
santos, apóstoles, corderos, etc., también
realizaron pintura sobre madera (frontales) y muchas
ilustraciones de biblias y evangelios. Por último, aparece
el arte o estilo Gótico, conjuntamente con tres connotados
fenómenos de la Edad Media: la formación de la
clase burguesa, el desarrollo comercial y la
industrialización. La pintura gótica fue expresiva
y realista, manifestando el naturalismo en sus composiciones. El
paisaje se introduce como modalidad pictórica y en los
dibujos las figuras se presentan estilizadas y poco modeladas.
Esta pintura casi desaparece por completo de las catedrales,
puesto que los grandes vitrales llenan los espacios y de esta
manera queda reducida a miniaturas de libros,
tapices y retablos.
– ARTE GÓTICO
Entre los siglos XII y XV, florece en Europa un arte
poderosamente original, que fue llamado, un tanto despectivamente
Gótico, en el sentido de bárbaro, por suponerse que
sus creadores habían sido los pueblos germánicos
que ocupaban el centro de Europa, y a los cuales se les designaba
con el nombre de Godos. También se conoce este arte como
Ojival, por la forma apuntada (en ojiva) de sus arcos y
bóvedas, que recuerdan una punta de lanza de filos curvos.
Los primeros monumentos góticos se levantaron cerca de
París, en la región llamada Isla de Francia.
Aquí se construye en el año 1140 el coro de la
abadía de Saint Denis, y en el 1163, se da comienzo a la
catedral de Nuestra Señora de París, obras en las
que se resaltan los elementos propios del estilo. De Francia
pasó a todos los demás países de Europa, en
cada uno de los cuales adoptó variantes locales, pero con
mantenimiento
de sus rasgos esenciales.
FASES DEL GÓTICO
– LANCEOLADO (siglos XVII y XVIII)
Robusto, pesado y sencillo. Bóveda de cuatro
paños de perfil en punta de lanza.
– RADIANTE (siglos XVIII y XIV)
Esbelto, ligero, muy adornado con esculturas,
bóvedas de varios paños y formas.
– FLAMÍGERO O LLAMEANTE (siglo
XV)
Arcos con ondulaciones de flama. Columnas muy delgadas.
Gran altura de naves y torres. Ornamentación
escultórica apretada. Uso del arco conopial y de la
bóveda en forma de estrella.
ARQUITECTURA: El arte gótico se
manifestó magníficamente en la arquitectura, se
construyeron casas particulares, palacios, edificios
públicos, castillos, puentes, fortalezas e iglesias. Pero
en realidad, la obra máxima de estos siglos fue la
catedral, arquitectura extraordinaria que nunca deja de asombrar
a quien la contempla. Los elementos constructivos esenciales son
el arco apuntado, la bóveda de crucería ojival y el
contrafuerte con su arbotante. Esta arquitectura es de equilibrio
dinámico y domina en ella la línea vertical, lo que
produce una impresión de impulso ascendente, acentuado por
las formas agudas de los arcos y la abundancia de elementos
puntiagudos.
ESCULTURA: Las características de la
escultura se pueden observar en los santos, vírgenes,
ángeles, reyes, profetas y figuras alegóricas que
llenan el interior y exterior de la construcción, haciendo
de remate en pináculos, cubriendo los frisos y las
arquivoltas, los tímpanos y todos los espacios posibles.
Para dar idea de la decoración escultórica,
bastará saber que la decoración escultórica
de la catedral de Chartres cuenta con más de ocho mil
figuras. Se destacan como escultores: Giovanni Pisano, Nicola
Pisano, Andrea Pisano, Klaus Sluter, Gil de Siloe y William
Torell.
PINTURA: En aquellos países donde el
estilo gótico alcanzó mayor desarrollo, la pintura
mural fue perdiendo importancia, sustituida por las vidrieras, y
a partir del siglo XIV aparece la pintura sobre tabla,
consistente en pequeños altares portátiles y
retablos, formados por uno o varios paneles. Tratan temas
religiosos, con gran finura de detalles en la figura humana, pero
sin profundidad. Los pintores se esfuerzan por lograr la
naturalidad y reproducen gestos y ademanes con exactitud, un poco
exagerado hacia lo dramático. Lo más hermoso de
estas tablas góticas es el colorido, que brilla con
intensidad de esmalte. Se destacan: Jean Fouquet, Juan Van Eyck,
Rogerio Van Der Weyden, Giotto, entre otros.
– ARTE BIZANTINO
Bizancio, pequeña ciudad griega que había
sido cabeza de una provincia romana, asciende de repente
(año 330), por decisión de Constantino el Grande,
al rango de capital
imperial con el nombre de Constantinopla. Medio siglo
después, el emperador Teodosio divide su reino entre sus
dos hijos, y crea dos Estados Independientes: el Imperio de
Occidente, con Roma como capital, y el Imperio de Oriente, con
centro en Bizancio. La caída del Imperio de Occidente
(año 476) echa sobre Bizancio la herencia
espiritual de Roma y acrecienta su importancia como poder
político y artístico, que le llegará a su
cúspide con el glorioso Justiniano. Pero la
situación geográfica de Bizancio, en las puertas de
Asia; su
alejamiento de las fuentes
latinas y el contacto estrecho y continuo con los reinos de
oriente, influyen sobre ella en forma que si, por una parte,
mantiene su título de hija y continuadora de la cultura
clásica, por otra, Bizancio ofrece los rasgos de una
monarquía exótica, teocrática
y despótica; fastuosa y bárbara, cuyas costumbres,
gustos y estructuras pertenecen más al mundo
asiático que al grecolatino, lo cual se refleja en su
arte.
ARQUITECTURA: Está inspirada en las
arquitecturas de los países con que Bizancio estuvo
más en contacto o que formaban parte de su misma
tradición histórica y cultural. Por eso en sus
construcciones encontraremos elementos tomados de los romanos, de
los griegos, de Siria o de Persia, combinados con otros de su
propia invención. Entre los más importantes
tenemos:la cúpula, las trompas y pechinas, la
bóveda, el arco, los contrafuertes, las columnas y las
torres. La construcción más importante de la
arquitectura bizantina es la Iglesia.
PINTURA: Presenta dos modalidades muy
interesantes: la mural, destinada a la decoración del
interior del templo; y la de caballete, que produce
pequeñas piezas sobre tablas de madera, llamadas Iconos,
es decir, imágenes. La primera se pintaba al óleo o
al temple, y eran grandes composiciones de tema religioso, con un
carácter simbólico que agradaba mucho a la
mentalidad abstracta del oriental. En los grandes espacios
formados por bóvedas y cúpulas se representaban
escenas alegóricas en las que entraban la Virgen o el
Cristo: la Resurrección, el Juicio Final, la Gloria,
etc.
LOS MOSAICOS: No es posible hablar del arte mural
bizantino sin referirnos a una de sus más hermosas
creaciones: el mosaico. Consistía en la composición
de grandes escenas, generalmente religiosas, pero no pintadas
sino hechas con pequeñas piezas de cerámica o de
mármol de colores (llamadas teselas), que se iban pegando
a una base debidamente preparada, sobre la que se había
hecho el dibujo previo de las figuras que se querían
representar. La gran diversidad de colores y matices de estas
teselas permitía dar a las figuras todos los efectos de la
pintura, en lo que se refiere a tonalidades, sombras, formas,
etc.
ESCULTURA: En los primeros tiempos, la escultura
bizantina es una prolongación del arte helenístico
que produce retratos de gran vigor. Pero después de la
revolución
de los iconoclastas, que acabaron con todas las imágenes
religiosas de bulto y prohibieron el culto de las mismas, la
escultura perdió importancia y quedó reducida a las
artes menores del marfil, el esmalte, el bronce y el oro,
materiales en los que se trabaja el bajo relieve con gran
maestría.
– RENACIMIENTO
El Renacimiento comenzó como un movimiento
orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo
del Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos
representados, desde el punto de vista ético y
estético se liberaron de los vínculos del concepto
de vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio
anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno
personal en
alabanza a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se
utiliza como base de la pintura. La cuna del Renacimiento fue
Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en seguida
de la influencia gótica, pero gradualmente
evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. En el
dibujo, los cuerpos adoptan formas naturales y se vuelven
plásticos; se procura destacar la expresión facial,
que algunas veces revela los grandes conflictos del
alma, un ejemplo de ello es la expresión de
desesperación que Masaccio le dio a Eva en su cuadro
Expulsión de Adán y Eva del paraíso. En el
siglo XV adquiere preponderancia el retrato, a las personas
pudientes les gusta retratarse de busto o en medallón, y
por tanto surge multitud de personas cuyos rasgos quedan labrados
en madera. Raramente se ve un desnudo entre la profusión
de vírgenes y santos, sólo con suma
discreción se insinúa la mundana sensualidad en
ciertas representaciones del arte eclesiástico, por
ejemplo, las referentes a mártires y pecadores. Al
principio, la mayoría de las imágenes alusivas a la
carne pecadora se situaban en la periferia de grandes escenas
decorativas, donde el artista tenía más libertad de
expresión; ya en el siglo XIV, se prefiere interpretar
estos temas por medio del desnudo femenino. Entre los
representantes más significativos del Renacimiento,
podemos destacar por sus majestuosas obras pictóricas a
Sandro Botticeli, Miguel Ángel Buonarroti, Durero,
Tintoretto, El Greco, Leonardo de Vinci y Rafael Sanzio; de
ellos, algunos como Leonardo de Vinci, por ejemplo,
destacó más como dibujante, ya que a través
del dibujo realiza sus famosos estudios anatómicos; sus
dibujos están plenos de rasgos finos pero firmes,
destacando las expresiones humanas y también se puede
apreciar que están envueltos en una sutil y fina aureola
de luz difusa.
Se llama Renacimiento al gran movimiento
artístico y filosófico que se produce en Europa, en
Italia en primer lugar, a fines del siglo XV, y que muestra como
principal característica, que se manifiesta
particularmente en las artes, su admiración por la
antigüedad clásica, que toma como modelo. El nombre
de Renacimiento alude a lo que este movimiento quiso ser: un
renacer o volver a nacer de la cultura grecolatina.
Comenzó como un movimiento orientado por artistas e
intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un
renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el
punto de vista ético y estético se liberaron de los
vínculos del concepto de vida cristiano. Para ellos el
arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la
iglesia, sino un himno personal en alabanza a la
belleza.
La cuna del Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la
pintura no se liberó en seguida de la influencia
gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo
concepto de la belleza. La cultura greco-romana había sido
desplazada durante la Edad Media. En esta época lo
novedoso es el arte gótico y bizantino, pero en Roma,
estas nuevas concepciones artísticas, enmarcadas en el
acto religioso no tienen mayor auge, debido a los recelos de los
sabios humanistas orientales que emigran a esta ciudad
después de la caída de Constantinopla; es
así como al ser rechazado el estilo gótico y
bizantino, y puestas en un primer plano las antiguas formas
greco-romanas, surge el arte del renacimiento, que se expande por
toda Europa (Francia, Inglaterra,
Alemania y la
Península Ibérica, especialmente).
PRINCIPALES CAUSAS DEL RENACIMIENTO
– Conservación en universidades y conventos
medievales de valiosos manuscritos de autores griegos y
romanos.
– Uso del latín como lengua culta,
que hacía posible la lectura de
las obras clásicas.
– La presencia en tierra
Italiana de ruinas romanas que tenían que despertar en los
curiosos el deseo de conocer la civilización que
había levantado tales monumentos.
– La invención de la imprenta, que
contribuyó a la difusión de los escritos de los
poetas, filósofos y sabios de la antigüedad y
de los modernos.
– Los descubrimientos geográficos, el avance de
las ciencias
naturales y el progreso de las técnicas que inspiran
una confianza ilimitada en el poder de la inteligencia
humana y estimulan a la acción.
CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE
RENACENTISTA
– Imitación de la arquitectura y la escultura de
Grecia y Roma.
– Realización de una belleza ideal, ajustada a
cánones dictados por la razón.
– Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que
proceden de la armonía del todo.
– Creación de obras, cuya claridad y
perfección, atributos exigidos por la razón
universal, les dan una validez permanente.
ETAPAS DEL RENACIMIENTO
– PRERRENACIMIENTO O TRECENTO: siglos XIII y XIV.
Coincide con el período gótico europeo.
– QUATROCENTO: llega hasta finales del siglo XV y
su centro cultural es la ciudad.
– CINQUECENTO: llena todo el siglo XVI y su
cabeza es Roma.
ARQUITECTURA
La arquitectura del renacimiento empleó los
órdenes clásicos (jónico, corintio y
dórico), combinándolos entre sí en un mismo
tipo de construcción, pero no tal y como aparecen en la
arquitectura grecorromana sino al amparo de la
inventiva y originalidad del arquitecto renacentista, de esta
manera surge el estílo "colosal" propio de esta
arquitectura.
En este nuevo acontecer arquitectónico se le da
mucha importancia a la arquitectura civil, construyéndose
los Palacios Municipales, que presentan un aspecto de fortaleza,
el Palacio de Habitación, que es de inventiva renacentista
y presenta en su exterior forma de cubo con tres pisos, que
culmina en una cornisa; y las Villas, que fueron construidas en
las afueras de Roma, tenían grandes pabellones con
terrazas, escalinatas y patios internos, jardines y
parques.
La arquitectura religiosa renacentista, utiliza en sus
inicios la planta de la basílica cristiana, sin embargo,
el centro adquiere mayor importancia por el empleo de la
Cúpula, que desplaza a la ojiva gótica y presenta
los famosos Ojos de Buey (aberturas circulares). En
relación con los elementos constructivos, tenemos que los
muros son de ladrillo o sillería, con apariencia robusta,
las bóvedas usadas fueron: las de "cañón
seguido", "rincón de claustro", "de arista" y la
"cúpula"; se usan arcos de medio punto; las ventanas
suelen ser de varias formas: rectangulares, gemeladas (dos arcos
de medio punto subdividido en otros dos), con alfeizar saliente,
o en forma de tabernáculo.
En lo que respecta a la decoración de las obras
arquitectónicas, se observa que se emplearon varios
elementos, estos son:
– La Escultura: cubre toda la superficie de los
monumentos como un sutil manto, en sus inicios; luego se realizan
esculturas en bulto que adornan el conjunto
arquitectónico, posteriormente hay una gran
profusión de ésta envolviendo por completo el
conjunto lineal arquitectónico.
– La Policromía Natural: consiste en el
empleo de diversos materiales naturales, los cuales al ser
combinados reflejaban una diversidad de tonos; por ejemplo,
combinaron el mármol blanco de las paredes con la piedra
de los muros.
– El Esgrafiado: consiste en realizar sobre las
paredes finos relieves pintados con dos colores.
– Los Frescos y Mosaicos: llenan las
cúpulas y paredes interiores de la construcción, se
empleó una diversidad de tonos, los cuales los
hacía muy llamativos.
– Los Frontones: son de inventiva romana,
colocados casi siempre sobre puertas y ventanas, generalmente son
rectilíneos, pero en ocasiones pueden ser triangulares o
curvilíneos.
– Las Pilastras: son columnas que se colocan
contiguas a una pared. Las pilastras tienen sus orígenes
en la arquitectura romana.
ARQUITECTOS RENACENTISTAS
– ITALIA: Filippo Brunelleschi, Donato Bramante da
Urbino, Rafael Sanzio, Miguel Ángel Buonarroti.
– ESPAÑA:
Diego de Siloé, Juan Herrera.
– FRANCIA: Salomón de Brosse.
ESCULTURA
El origen de la escultura renacentista se remonta al
siglo XIII, en Toscana, con el escultor Incola Pisano, quien se
encarga de esculpir del púlpito del Baptisterio de la
catedral. Este escultor es el que se atreve a exteriorizar la
ruptura con la severidad bizantina y con las ideas
artísticas del arte gótico, pero su obra queda
aislada.
Es en los siglos XIV y XV, donde se comienza la
época de mayor furor de la escultura renacentista. En esta
época se advierte:
- Vehemencia por la naturaleza y el desnudo idealizado
o natural. - Expresión de los sentidos y
pasiones humanas. - Reinterpretación modernizada de los
cánones clásicos. - Temáticas diversas: mitología, religión, historia,
leyendas, etc.
La escultura renacentista es el primer medio expresivo
que reacciona contra el estilo gótico. Esta presenta
variaciones de acuerdo con el siglo en que se desarrolla.
Así es como al siglo XIII se denominó Época
Arcaica, los siglos XIV y XV, Época Clásica y el
siglo XVI, Época Barroca.
SIGLO XIII. ÉPOCA ARCAICA
Surgen los primeros intentos del nuevo estilo
escenificado en las obras de los "pisanos", Incola, Giovanni y
Andrea Pisano.
Entre las características de estas primeras obras
tenemos:
- Expresión de sentimientos humanos.
- Inspiración en la antigüedad
clásica. - Realización de "Madonas".
- Ropaje y accesorios profusamente
trabajados.
SIGLO XIV Y XV. ÉPOCA
CLÁSICA
Durante estos siglos existe una gran producción de obras de arte. La actividad
artística se encuentra centrada en la ciudad de Florencia
sobre todo en el siglo XV. Sus principales representantes son
Donatello di Betto Bardi y Lorenzo Ghiberti. Además, cabe
destacar la importancia en este siglo de las obras
escultóricas de los Della Robia, Andrea y Lucca. Estos
escultores, realizaron e introdujeron una nueva modalidad
escultórica-pictórica, los relieves realizados con
barro cocido policromado y vidriado.
Las características de esta época son,
entre otras:
- Adornan monumentos (tribunas, coros, sepulcros,
etc.) - Diversificación temática.
- Efectismo pictórico.
- Gran destreza en la ejecución de obras hasta
llegar al perfeccionismo.
SIGLO XVI. ÉPOCA BARROCA
Durante este siglo la figura más resaltante es
Miguel Ángel Buonarroti, quien realiza numerosas obras con
características muy propias, que lo distinguen de otros
escultores de la misma época, también sobresale la
obra de Benvenuto Cellini, entre otros.
Entre las principales características de estas
obras tenemos:
- Fuerza expresiva, dinamismo, dramatismo.
- Dominio anatómico.
- Figuras llenas de abundante vitalidad.
- Demostración de gestos y actitudes en
sus figuras. - Fuerte influencia clásica.
- Materiales: bronce y mármol
preferiblemente.
PINTURA
La pintura renacentista está plena de
religiosidad, sin embargo, cada artista busca su propio estilo,
en donde el retrato y la representación del paisaje tienen
mucha importancia.
Durante el renacimiento
surgen diversas escuelas, estas adquieren el nombre de la ciudad
donde se desarrollan, entre estas se citan: la Escuela
Florentina, la Veneciana, la de Siena, la de Umbría, la de
Parma, la de Verona, la de Padua, la de Milán y la de
Carrara.
Los pintores también se agrupan, pero por
generaciones, así, tenemos los del Quattrocento (1400) y
los del Cinquecento (1500). Hay otra clasificación muy
utilizada para caracterizar las obras pictóricas del
renacimiento, la cual es:
- Renacimiento Temprano: que abarca desde el
año 1420 hasta el año 1500 y cuyos representantes
más significativos son Fran Angélico de Fiesole,
Masaccio, Piero della Francesca y Sandro Botticelli, entre
muchos otros, con pinturas verdaderamente
grandiosas. - Alto Renacimiento: que comprende el
período que va desde el año 1500 hasta el
año de 1527, en el cual se destacaron famosos pintores:
Miguel Ángel, Leonardo da
Vinci, Tiziano, Pablo Veronés, Tintoreto, Rafael
Sanzio, Juan Van Eyck, Alberto Durero, Jean Cousin y el
Greco.
CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA
RENACENTISTA
- Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o
ficticios, sacados de la religión, de la
mitología o de la historia. - Es realista: las figuras humanas o de animales, y los
objetos inanimados están reproducidos con el mayor
cuidado porque se parezcan en todo a sus modelos
reales. - El cuadro se presenta como un escenario: un espacio
cúbico, sugerido por medio de los recursos que
enseña la perspectiva geométrica recién
descubierta y dan la ilusión de profundidad. El punto de
vista del pintor suele estar en el centro del
cuadro. - La composición está sometida a esquemas
intelectuales, es decir, razonados. Suele preferirse la forma
simétrica en la distribución de las figuras. - En cuanto a los esquemas de composición
preferidos, el triangular (con el vértice arriba o
invertido) y el rectangular con la división del espacio
en segmentos áureos. En algunos casos, los
triángulos son dos combinados. - En general, es una pintura dibujística, que se
fundamenta en el poder definidor y expresivo de la
línea, y considera el color como un accidente de la
materia de importancia secundaria. Las formas se cierran con un
dibujo de trazo continuo y su separación del fondo es
absoluta. - Se da interés preferente al cuerpo
humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia
y copia cuidadosamente. - A partir del siglo XV, se usará en vez del
temple, la técnica del óleo, inventada por los
pintores flamencos, que facilitará el desarrollo de la
pintura de caballete.
EL DIBUJO Y EL GRABADO
Los grandes pintores del renacimiento fueron dibujantes
de primera. Los apuntes, bocetos y estudios que conocemos de
Boticelli, Durero, Buonarroti, da Vinci o Sanzio, quienes se
destacaron por su majestuosa obra pictórica, revelan gran
maestría en el manejo del lápiz. El que más
se destaca como dibujante es Leonardo da Vinci, ya que a
través del dibujo realiza sus famosos estudios
anatómico. Su dibujo está pleno de rasgos finos
pero firmes, destacando las expresiones humanas.
Sin embargo, el dibujo como técnica
independiente, con valor por
sí misma, no fue considerado en la época, quedando
reducido sólo a un medio auxiliar de la pintura, para
tomar apuntes rápidos del natural o hacer estudios de
composición, perspectiva, movimiento, anatomía y
otros aspectos del cuadro que iba a pintarse.
Las técnicas que solían emplear eran el
carboncillo, la sanguina, el lápiz y la tinta sobre
papel. Pero si
el dibujo no tuvo mucho interés para los artistas del
renacimiento, en cambio el grabado, sobre todo entre los alemanes
fue muy cultivado y se trabajó como una técnica
autónoma, paralela a la de la pintura, en sus dos formas
principales: el grabado en metal (calcografía) y el
grabado en madera (xilografía), a cuya difusión
contribuyó el reciente invento de la imprenta en
1450.
– BARROCO
Este estilo se inicia en Italia en el siglo XVI y
perdura hasta finales del siglo XVIII, se extendió por
todos los países europeos, desarrollando
características propias en cada país. En este arte
hay una marcada predilección por el naturalismo, el
dinamismo y los efectos ópticos, aparecen composiciones de
naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y de
Cristo, enmarcándose dentro de esquemas
asimétricos. Las representaciones de personas o de gente
del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en los
retratos de clase social alta, son más adornadas las
vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros,
etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la pintura
barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad
dramática y el empleo del color. En Italia se produjeron
dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico
y el Clasicista, en este país se destacó la figura
de Miguel Ángel Merisi de Caravaggio; en Francia
destacaron Nicolás Poussin, Georges de La Tour y Claude
Gelée Lorrain; en España el barroco se
torna serio y formal, representado magistralmente por Diego
Rodríguez de Silva y Velásquez, Francisco
Zurbarán, José de Ribera y Bartolomé Esteban
Murillo. En los países bajos el barroco generó dos
escuelas: la Flamenca, que tuvo su apogeo en el siglo XVI en
Flandes y fue representada por Pedro Pablo Rubens, Antón
Van Dyck y Jacob Jordanes, y la Holandesa, la cual produjo un
nuevo estilo y contó con dos importantes personajes:
Rembrandt H. Van Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de
Delft.
Este arte se desarrolló entre los siglos XVII y
parte del XVIII, su punto de partida fue Italia, Roma,
concretamente, donde dejó monumentos grandiosos en el
orden de la arquitectura. De Italia pasó al resto de
Europa y llegó incluso a Rusia. A través de
España, el Barroco se difundió por toda América
y alcanza su momento culminante en el siglo XVIII.
ARQUITECTURA: Los dos tipos de obra
arquitectónica que el barroco desarrolla son la Iglesia y
el Palacio. La iglesia, como típico estilo tiene dos
robustas torres laterales que enmarcan la gran linterna con su
cúpula. El palacio, que toma por modelo el de Versalles,
consiste en una larga edificación de varias plantas, cuyo
cuerpo central contiene la mayor densidad de
elementos decorativos y forma un frontis de gran valor
artístico. Elementos esenciales del palacio barroco son
las galerías, que son salones largos, abovedados y con
ventanales, y la escalera "a la imperial".
PINTURA: En este arte hay una marcada
predilección por el naturalismo, el dinamismo y los
efectos ópticos, aparecen composiciones de naturaleza
muerta, bodegones, animales, vida de santos y de Cristo,
enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las
representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con
sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social
alta, son más adornadas las vestimentas, pelucas, encajes,
zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que
más caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las
luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del
color. En Italia se produjeron dos corrientes pictóricas,
o estilos: el Ecléctico y el Clasicista, en este
país se destacó la figura de Miguel Ángel
Merisi de Caravaggio; en Francia destacaron Nicolás
Poussin, Georges de La Tour y Claude Gelée Lorrain; en
España el barroco se torna serio y formal, representado
magistralmente por Diego Rodríguez de Silva,
Velásquez, Francisco Zurbarán, José de
Ribera y Bartolomé Esteban Murillo. En los países
bajos el barroco generó dos escuelas: la Flamenca, que
tuvo su apogeo en el siglo XVI en Flandes y fue representada por
Pedro Pablo Rubens, Antón Van Dyck y Jacob Jordanes, y la
Holandesa, la cual produjo un nuevo estilo y contó con dos
importantes personajes: Rembrandt H. Van Rijn y Jan Vermeer o Van
der Meer de Delft.
ESCULTURA: La escultura barroca muestra las
siguientes características:
MOVIMIENTO: las figuras se representan en alguna
acción violenta y en actitudes de esfuerzo y
tensión. Las ropas participan también de esta
agitación y se arrugan en pliegues que revolotean como
sacudidos por el viento.
PATETISMO: gusta de la expresión de
estados anímicos emotivos tales como: éxtasis,
miedo, ansiedad, etc., que los rostros traducen con el más
vivo verismo.
CLAROSCURO: se buscan efectos propios de la
pintura, de manera que los cuerpos se perciben como envueltos en
una atmósfera luminosa.
TEATRALIDAD: existe una propensión a lo
exagerado y a las actitudes elocuentes que hacen de ella una
representación dramática.
– EL ROCOCÓ
Estilo característico del siglo XVIII europeo,
que sucedió al barroco y precedió al
neoclásico. El término procede del francés
Rocaille, que designaba en el siglo XVII la decoración de
las grutas y jardines renacentistas a base de conchas. El
Rococó floreció principalmente en Francia, en un
principio junto con el barroco, hasta que adquirió un
lenguaje propio que se difundió por toda Europa. Mientras
la arquitectura conservaba su rigidez de origen clásico,
los elementos decorativos del rococó aportaron
fantasía y elegancia a las construcciones, pero fue
sobretodo en los interiores donde la decoración
rococó consiguió los mayores logros.
ARQUITECTURA: Los adornos que, representando
falsas rocas, adheríanse a la arquitectura de las grutas y
las cascadas, llamados rocallas, fueron el principal elemento
nuevo, introducido para sustituir el rígido sistema de los
órdenes clásicos, para evocar en la arquitectura el
frescor y la alegría de lo primitivo y lo campestre. Los
palacios son los primeros en adoptar como elementos
básicos caprichosos recuadros, columnas esculpidas,
conchas, etc.
ESCULTURA: Alemania acogió el
rococó con tal entusiasmo que le fue difícil
desprenderse de él . Un gran escultor del siglo
rococó fue Andrea Schluter, autor de la efigie ecuestre
del elector Federico Guillermo, en la cual puede observarse como
el movimiento de masas y líneas, que en el tiempo barroco
afectaba solamente a la concepción del conjunto, en el
siglo XVIII fue utilizada como un detalle para dar vida a cada
pormenor de los cuerpos.
PINTURA: El carácter de la época
rococó, enamorada de la intimidad, favoreció en
pintura, lo mismo que en la escultura, el cultivo del retratismo.
Este hubiese carecido de gracia sin el realismo, y por tanto, se
inspiró en la pintura holandesa y flamenca, especialmente
en Van Dyck. El cliente ya no es
el Rey, con las grandes necesidades decorativas de un palacio,
sino que se halla entre los nobles y burgueses adinerados a los
que ha dejado de interesar las composiciones históricas y
mitológicas, aunque a menudo, se complacen todavía
en hacerse retratar caracterizados como personajes de
fábula.
– NEOCLASICISMO
Fue un movimiento que se produjo en Europa en el siglo
XVIII ante los cánones ya agotados del clasicismo, al
producirse el desgaste de las culturas barrocas, que aspiraba
restaurar el gusto y las normas del
clasicismo. En la época neoclásica, el color pasa a
un segundo plano y adquiere mucha importancia el dibujo; es
decir, el trazo puro, y el color es aplicado sólo como
complemento. Este arte trató de imitar los estilos
utilizados antiguamente en Grecia y Roma, por la influencia de
los descubrimientos arqueológicos como los de Pompeya y
Herculano. En pintura David fue el máximo exponente del
neoclasicismo
francés, que contó con pintores como Gross,
Gèrard, Prud´hon e Ingres, aunque en algunos de
ellos ya apuntaba el germen del Romanticismo,
movimiento estético que habría de suceder al
neoclasicismo.
CARACTERÍSTICAS GENERALES
Inspiración en las obras de la época
clásica, que se tienen por perfectas y
definitivas.
Aspiración a una belleza ideal, nacida de la
exacta relación de las partes, según medidas dadas
por la razón.
En las artes plásticas: dibujo impecable,
contornos cerrados, volúmenes modelados de modo que da la
ilusión de redondez de los cuerpos; colorido suave y
composición simétrica y estática.
ARQUITECTURA: Se caracterizó por la
simetría, la elegancia y la sobriedad, el empleo de un
solo orden (dórico, jónico o corintio, en lugar de
la superposición barroca); además del
énfasis sobre los valores
lumínicos, la división tripartita de la fachada con
tímpano central, la eliminación del color, el gusto
por los arcos de triunfo y las columnas
conmemorativas.
ESCULTURA: Los escultores centran su
interés en los ideales estéticos y los procedimientos
técnicos de la estatuaria antigua. El italiano Canova fue
el más destacado, seguido del danes Thorvaldsen, educado
en Roma; otros representantes de la época son: Bartolini,
Rude, Pradler, Flaxman, entre otros.
PINTURA: Tomó como modelo la estatuaria
antigua y el siglo XVI italiano (Rafael). El artista que
contribuyó de modo definitivo a afirmar el nuevo estilo
fue David, quien influyó en artistas franceses de la talla
de Ingres, Gerard y Prud´hon. En E.E.U.U. la influencia
italiana e inglesa se fundieron.
– ROMANTICISMO
Aparece en Francia a principios del siglo XIX como una
reacción violenta contra la frialdad del neoclasicismo. Si
este significaba la razón, serenidad y límite, el
romanticismo era imaginación, pasión e
infinito.
CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES
SUBJETIVIDAD: el artista crea su obra a partir de
sus emociones,
sentimientos e ideas íntimas.
LIBERTAD DE EXPRESIÓN: no hay reglas
fijas, sino que cada artista puede manifestarse según su
gusto y según las exigencias de la propia obra.
SUPREMACÍA DEL FONDO SOBRE LA FORMA: lo
importante es lo que el artista expresa y no cómo lo hace.
La forma de decir es secundaria y debe estar determinada por la
naturaleza del contenido.
PINTURA: Se caracterizó por el predominio
del color sobre la forma. Eran composiciones dinámicas, de
gran movimiento y sus temas eran tomados de la literatura y la historia
medievales y de la realidad pintoresca. Artistas importantes en
el campo de la pintura fueron: Gericaúlt, Delacroix,
Francisco de Goya y Caspar Friedrich.
ESCULTURA: El movimiento tuvo sus orígenes
en la primera mitad del siglo XIX y representó una
reacción contra la rigidez académica y la
afirmación de una libertad y eclecticismo absolutos. Se
abandonaron los modelos de la antigüedad clásica a
favor de los ideales medievales.
– REALISMO
El realismo surge como oposición al idealismo de
clásicos y románticos, proponiendo una realidad
objetiva de los temas de la vida común; el hombre debe
aparecer dentro de su ambiente habitual, y su trabajo cotidiano
tiene que ser un motivo de fecunda inspiración. El
término realismo fue adoptado por un movimiento
artístico que apareció en Francia a raíz de
la revolución de 1848 y que tuvo como principal
representante al pintor Gustave Courbet, cuyo arte
representó las inquietudes sociales que invadieron a
Europa a mediados del siglo XIX.
CARACTERÍSTICAS GENERALES
Temas sacados de la vida real, sobre todo de la vida
humilde y trabajadora, expuestos con sentido de crítica
social.
Presentación de lo bello y lo feo como son, sin
idealizarlos.
Dibujo vigoroso, aunque no sea correcto; colorido sobrio
e interés por los contrastes del claroscuro.
Técnica: la que proporciona la más
completa identificación entre lo pintado y la
naturaleza.
Representantes: Courbet, Daumier y Rousseau.
– IMPRESIONISMO
La primera exposición
presentada por un grupo de impresionistas tuvo lugar en 1874 y el
nombre les fue aplicado con intención de ridiculizarlos,
por los críticos que no veían con buenos ojos el
nuevo estilo. Los impresionistas querían captar la
cualidad de la luz y de la atmósfera en una hora
particular del día a través de las cuales se ven
los objetos, pues su condición determina la apariencia de
estos. La posibilidad de retratar la luz en términos de la
pintura fue resultado del nuevo análisis científico de los colores.
El fundamento de este movimiento pictórico se centra sobre
la base de que a nivel cerebral las manchas separadas de color se
unen; así, una mancha junto a otra azul, da por resultado
un color verde si se miran desde cierta distancia. Este principio
lo tomaron en cuenta los pintores impresionistas al realizar sus
lienzos. La combinación de colores puros ya no se
hará sobre la paleta ni sobre la tela, sino que
será el cerebro del
espectador el que los una para formar así las figuras. Se
consideran iniciadores de este movimiento a los artistas Claude
Monet y Edouard Manet; también se destacan Edgar Degas,
Pierre August Renoir y Camille Pizarro. El manejo de la luz es la
característica primaria, a través del estudio de
ella se logrará verificar que un mismo paisaje se
verá distinto de acuerdo con la hora del día en que
se pinte. A la par de los grupos
impresionistas, nace un nuevo grupo de pintores que logran
perfeccionar las técnicas y posibilidades
colorísticas impuestas por este movimiento, estos son
llamados Neoimpresionistas o Postimpresionistas, destacan en este
movimiento Paul Cézanne, Gauguin, Vincent Van Gogh y Henri
Toulouse Lautree.
– EXPRESIONISMO
Fue un movimiento artístico plástico
emparentado con la literatura; nace en 1890 en Alemania y en los
países del norte de Europa, se extiende hasta bien entrado
el siglo XX. Destacan en este movimiento los artistas
plásticos Edward Munch, Gustav Kimt, Oskar Kokochka, Emil
Nolde y Georges Rouault. La pintura expresionista busca y logra
expresar violentas emociones, va de dentro hacia fuera, al
contrario de la impresionista que va de fuera hacia dentro. Su
objetivo
fundamental era crear impetuosas reacciones en el espectador, por
medio de sentimientos y emociones del artista, expresados con
audacia de formas y rígido colorido.
– FAUVISMO
En 1905 un grupo de jóvenes pintores expuso sus
obras y para designar su estilo, los críticos
acuñaron el nombre de Fauvismo por parecerles que aquellos
artistas eran fauves (fieras). Como movimiento artístico
no duró más de cinco años, pero como estilo
ejerció una influencia mayor y más persistente en
el uso del dibujo y el color que cualquiera otra escuela del
siglo XX. El fauvismo derivó de los fuertes colores y las
vehementes pinceladas de Van Gogh; de las formas simplificadas y
los atrevidos esquemas decorativos de Gauguin, y del desprecio
que ambos demostraron por las cualidades académicas
formales de la composición. Henri Matisse, primera figura
del grupo original fauvista, en su pintura Gran interior en rojo,
deja presente la intensidad fauvista del colorido, aunque usado
con resultados bastantes diferentes, ya que naturalmente se
considera al rojo como color brillante que produce gran
excitación y en este cuadro el efecto de la
composición da una sensación de profundo
reposo.
– CUBISMO
Este movimiento artístico surge en Francia hacia
1907, y se extiende por todo el mundo. Se inspira en los
postulados artísticos de Paul Cézanne y de Georges
Seurat; su planteamiento básico es representar obras de la
realidad, pero fracturadas por medio de la geometrización
de la forma, de tal manera que se representaban las mismas formas
del objeto, vistas desde varios ángulos a modo de
simultaneidad de planos. Los artistas cubistas pintaban
superficies planas, la perspectiva dada a la obra era aparente,
lograda por medio del alargamiento de las líneas y
ángulos. El color fue, virtualmente suprimido,
subordinándose a las formas y por tanto, al dibujo. Los
cubistas crearon la superposición a través de la
visión polifacética y simultánea del objeto.
Como creadores del movimiento cubista podemos nombrar a
importantes personajes como Pablo Picasso y
Georges Braque. En Venezuela el
cubismo tiene
numerosos seguidores, podemos citar a Ángel Hurtado,
Armando Barrios y Manuel Quintanilla como representantes de esta
tendencia en nuestro país.
– FUTURISMO
Fue un movimiento italiano al que pertenecieron Humberto
Boccioni y Carlo Carrá; su propósito era despertar
a Italia de la apatía cultural en que estaba sumida desde
fines del siglo XVIII, atacaba a los museos y academias, al culto
de lo antiguo y a todo el arte italiano de otros tiempos. El
futurismo, exigía un nuevo concepto artístico
basado en la dinámica de la velocidad, que
para los futuristas era fundamental y peculiar de la vida
moderna. El símbolo más venerado por los futuristas
era el automóvil de carreras; en esencia la pintura
futurista era retrato del movimiento relacionado con el cubismo
analítico por su fragmentación, pero así
como el cubista ve un objeto estático desde varios
ángulos moviéndose alrededor de él, en el
futurismo el espectador está quieto mientras el objeto se
mueve. Por tanto, en el dibujo, la representación
futurista del movimiento simultáneo de un perro que trota
por la calle, puede tener veinte patas y seis colas, con efecto
parecido al de una larga exposición fotográfica de
algún objeto que se mueve.
– SURREALISMO
Este movimiento vanguardista no se circunscribió
a un solo lugar geográfico y su manifestaciones son tan
variadas como sus interpretes. Giorgio de Chirico, paul Klee, Man
Ray, Salvador Dalí, Joan Miró, Yves Tanguy, fueron
sólo algunos de los artistas que tomaron parte activa en
el grupo de los pintores surrealistas. El Surrealismo,
libró a la pintura de su larga sumisión a la imagen
realista y del concepto de espacio heredado del Renacimiento,
dándole rienda suelta al artista para expresar sus
sentimientos e impulsos más íntimos. Influido por
el psicoanálisis de Freud y las
doctrinas revolucionarias de la época, el surrealismo supo
dar cause a vagos impulsos renovadores latentes en la
intelectualidad surgida de la primera posguerra. Su
período más floreciente fue el de 1924 a 1928. Como
ideal estético se propone lo maravilloso, reuniendo dos
objetos incongruentes en un contexto ajeno a ambos; el
propósito de los surrealistas no era "hacer arte", sino
explorar posibilidades.
– ABSTRACCIÓN
Este arte consistía en extraer de una imagen
figurativa los elementos esenciales, deformándolos o
modificándolos; en él se tiende a impresionar lo
psíquico por encima de lo puramente visual, se busca una
nueva expresión de la realidad, llegando a oscilar entre
dos polos: el acercamiento a la realidad para entenderla y el
alejamiento de ella al interpretarla. El arte Abstracto es un
movimiento que nace con la creación de la nueva pintura
del ruso Wassily Kandinsky en 1910, en la cual no existía
ninguna representación figurativa, sino formas y colores;
sin embargo, revisando obras prehistóricas, de Egipto, del
período prehispánico, etc., se puede ubicar en
ellas el origen de este arte. Esta tendencia artística se
basó, no en la representación real del objeto, sino
en la belleza que el cuadro pueda reflejar, de allí la
importancia del color en las obras abstractas. El Abstraccionismo
tiene dos corrientes: la Abstracción Lírica, que se
refiere a las composiciones donde el artista parte de su
intuición para expresar, por medio de color, sentimientos,
ideas, etc., y la Abstracción Geométrica, que se
refiere a las composiciones en donde el artista trabaja con
figuras geométricas como el círculo y el cuadrado,
y con líneas que partiendo de colores planos las hacen ser
obras totalmente estáticas.
- READ, Herbert. Las Bellas Artes. Vol. 1. Editorial
Cumbre S.A. México. 1981. 316 pp. - WENTINCK, Charles. La Figura Humana en el arte, desde
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Lluvia Velandia
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