Indice
1.
Realizar un análisis de las siguientes corrientes
pictóricas
2. Galería
visitada
1. Realizar un análisis de las siguientes corrientes
pictóricas
Impresionismo (arte), movimiento
pictórico francés de finales del siglo XIX que
apareció como reacción contra el arte
académico. El movimiento impresionista se considera el
punto de partida del arte contemporáneo.
El impresionismo en
pintura
partió del desacuerdo con los temas clásicos y con
las encorsetadas fórmulas artísticas preconizadas
por la Academia Francesa de Bellas Artes. La Academia fijaba los
modelos a
seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales del Salón
parisino. Los impresionistas, en cambio,
escogieron la pintura al aire libre y los
temas de la vida cotidiana. Su primer objetivo fue
conseguir una representación del mundo espontánea y
directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la
luz natural
sobre los objetos. Las figuras principales del movimiento fueron:
Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro,
Auguste Renoir y Alfred Sisley.
Los impresionistas se preocuparon más por captar la
incidencia de la luz sobre el objeto que por la exacta
representación de
sus formas, debido a que la luz tiende a difuminar los contornos
y refleja los colores de los
objetos circundantes en las zonas de penumbra. Los pintores
académicos definían las formas mediante una
gradación tonal, utilizando el negro y el marrón
para las sombras. Los impresionistas eliminaron los detalles
minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando
para ello los colores primarios —cyan, magenta y
amarillo— y los complementarios —naranja, verde y
violeta—. Consiguieron ofrecer una ilusión de
realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de
color cortas y
yuxtapuestas, que mezcladas por la retina del observador desde
una distancia óptima aumentaban la luminosidad mediante el
contraste de un color primario (como el magenta) con su
complementario (verde). De este modo, los impresionistas lograron
una mayor brillantez en sus pinturas que la que se produce
normalmente al mezclar los pigmentos antes de aplicarlos.
Aunque los hallazgos del impresionismo francés resultaron
decisivos para la pintura del siglo XX, los intentos por
plasmar los efectos de la luz natural no eran nuevos. En el
siglo XVII Jan Vermeer había utilizado fuertes
contrastes de luces y sombras para bañar sus lienzos de
luz natural. Diego Velázquez en el mismo siglo y Francisco
de Goya a finales del siglo XVIII captaron la
impresión lumínica mediante la eliminación
de sombras secundarias y la introducción de zonas de luz en detrimento
de la nitidez de los contornos. Su pincelada también
preludió la de los impresionistas franceses. El
impresionismo francés influyó en artistas de todo
el mundo. Los más significativos fueron el estadounidense
James Abbott McNeill Whistler, cuyos nocturnos (1877) plasman
efectos de incendios o
luces brillando a través de la niebla, Childe Hassam,
Winslow Homer y el inglés
Walter Sickert, el italiano Giovanni Segantini y el español
Joaquín Sorolla.
Postimpresionismo, término que engloba los diferentes
estilos pictóricos que sucedieron en Francia al
impresionismo, entre 1880 y 1905 aproximadamente. Fue
acuñado por el crítico británico Roger Fry
en 1910, con motivo de la exposición
celebrada en Londres de pinturas de Paul Cézanne, Paul
Gauguin y Vincent van Gogh. Además de estos tres artistas,
también se incluyen en esta corriente Henri de
Toulouse-Lautrec y Georges Seurat.
Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color
experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el
deseo de reflejar fielmente la naturaleza y
presentaron una visión más subjetiva del mundo.
La obra de Cézanne, Gauguin y Van Gogh se
caracterizó por un uso expresivo del color y una mayor
libertad
formal. Cézanne se interesó por resaltar las
cualidades materiales de
la pintura, representando seres vivos y paisajes,
volúmenes y relaciones entre superficies, como en Pinos y
rocas (1895-1898,
Museo de Arte Moderno, Nueva York). Su interés
por las formas geométricas y la luz prismática
inherente en la percepción
de la naturaleza anticipó los experimentos del
cubismo.
Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad comunicadora
del arte popular, se centró en la representación a
base de superficies planas y decorativas, como se aprecia en la
obra Calvario bretón (1889, Palacio de Bellas Artes,
Bruselas). Van Gogh, por su parte, se aproximó a la
naturaleza con vigorosas pinceladas coloristas, evocadoras de las
emociones
internas del artista. Su experimentación subjetiva,
ejemplificada en Noche estrellada (1889, Museo de Arte Moderno de
Nueva York), preludió el expresionismo.
Toulouse-Lautrec estuvo fuertemente influido por las
composiciones lineales de los grabados japoneses, y su obra se
caracterizó por los intensos grabados de contorno y los
colores planos.
Fauvismo, movimiento pictórico francés de escasa
duración (entre 1904 y 1908, aproximadamente) que
revolucionó el concepto del
color en el arte contemporáneo. Los fauvistas rechazaron
la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas
en favor de los colores violentos, introducidos por los
postimpresionistas Paul Gauguin y Vincent van Gogh, para crear un
mayor énfasis expresivo. Alcanzaron una intensa fuerza
poética gracias al fuerte colorido y al dibujo de
trazo muy marcado, desprovisto de dramatismo lumínico.
Sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminck,
Raoul Dufy, Georges Braque, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean
Puy, Emile Othon Friesz y Henri Matisse, su principal
exponente.
Técnicamente, el uso fauvista del color derivó de
los experimentos realizados por Matisse en Saint-Tropez durante
el verano de 1904, donde contactó con los pintores que
aplicaban pequeñas manchas de color puro para conseguir
una imagen óptica
más científica que la de los impresionistas. Los
cuadros neoimpresionistas de Matisse, mientras siguió
estrictamente estas reglas, ya mostraban un pronunciado
interés por el lirismo del color.
En el verano de 1905, Matisse y Derain pintaron juntos en
Collioure con "una luz dorada que elimina sombras". Empezaron a
usar los colores complementarios puros, en pinceladas vigorosas y
uniformes, obteniendo así campos lumínicos
más que representaciones objetivas de la luz. Con su
colorido estridente, estos cuadros evocan en el espectador el
espíritu del Mediterráneo. Cuando ambos conocieron
las pinturas de los mares del Sur de Gauguin, se confirmaron en
sus teorías
sobre la subjetividad del color y se consolidó el
movimiento fauvista.
Cubismo, movimiento artístico que se manifestó
sobre todo en pintura, cuyo objetivo principal era el de alejarse
de la representación naturalista y conseguir plasmar de
modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto
visto desde múltiples ángulos. Desarrollado
principalmente por Georges Braque y Pablo Picasso hacia
1907, alcanzó su apogeo alrededor de 1914 y
continuó evolucionando durante la década de 1920.
Al rechazar la representación realista seguida desde
el renacimiento,
el cubismo significó un cambio crucial en la historia del
arte, convirtiéndose en el precursor de la
abstracción y de la subjetividad artística. Fue una
revolución
contra el sentimentalismo y el realismo de la
pintura tradicional, contra la importancia que se daba al efecto
de la luz y el color y contra la ausencia de formas, características del impresionismo. Los
cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan
primacía a la línea y la forma. Se inspiró
fundamentalmente en el arte de las tribus de África y
Oceanía.
Los cubistas seguían la sentencia del postimpresionista
francés Paul Cézanne, que afirmaba que "todas las
formas de la naturaleza parten de la esfera, el cono y el
cilindro" y está influido por el afán constructivo
y geometrizante de George Seurat. La expresión más
frecuente dentro del cubismo presenta un enfoque analítico
y abstracto del tema; el artista determina y pinta las formas
geométricas básicas que componen el objeto, sobre
todo el cubo o el cono, o los planos básicos que revelan
las formas geométricas subyacentes. Otra fase de la
pintura cubista (el cubismo sintético) presenta un objeto
desde diferentes ángulos, imposibles de ver
simultáneamente en realidad, unificados en una estructura
compositiva. En ninguno de los dos cubismos, analítico o
sintético, se pretende reproducir en detalle el aspecto
real de los objetos. Entre los retratos y naturalezas muertas
cubistas destacan los instrumentos y los arlequines ya que eran
fáciles de diseccionar de forma geométrica. Para
evitar todo efecto naturalista y emocional, el cubismo
utilizó durante su primer periodo, o periodo
analítico, una paleta muy restringida de grises, marrones,
verdes y amarillos, o recurrió a obras pintadas en
diferentes tonalidades de un mismo color. Después de 1914,
durante el periodo sintético, muchos cubistas introdujeron
colores más brillantes en sus obras.
Además de Pablo Picasso y Georges Braque, otros pintores
cubistas importantes fueron: Albert Gleizes, Robert Delaunay,
Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Roger de
La Fresnaye y Juan Gris. Entre los escultores cubistas más
importantes, que aplicaron a la escultura los mismos principios
artísticos que los pintores, se cuentan Pablo Picasso,
Raymond Duchamp-Villon, Jacques Lipchitz y Alexander Archipenko.
Y entre los incontables artistas influidos por las ideas y
técnicas cubistas se encuentran Maurice de
Vlaminck, Stuart Davis y Lyonel Feininger.
Expresionismo, corriente artística que buscaba la
expresión de los sentimientos y las emociones del autor,
más que la representación de la realidad objetiva.
El movimiento expresionista apareció en los últimos
años del siglo XIX y primeros del XX como reacción
frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el
renacimiento,
particularmente en las anquilosadas academias de Bellas Artes. El
artista expresionista trató de representar la experiencia
emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la
realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones
que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se
exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la
comunicación artística.
Aunque el término expresionismo no se aplicó a la
pintura hasta 1911, sus características se encuentran en
el arte de casi todos los países y periodos. Parte del
arte chino y japonés resalta las cualidades esenciales del
sujeto por encima de su apariencia física. Los artistas
de la Europa medieval exageraban sus figuras en las catedrales
románicas y góticas para intensificar la
expresividad espiritual. La intensidad expresiva creada mediante
la distorsión aparece también en el siglo XVI en
las obras de los artistas manieristas, como el pintor
español El Greco y el alemán Matthias
Grünewald. Sin embargo, los auténticos precursores
del expresionismo vanguardista aparecieron a finales del siglo
XIX y comienzos del XX, en especial el pintor holandés
Vincent van Gogh, el francés Paul Gauguin y el noruego
Edvard Munch, que utilizaron colores violentos y exageraron las
líneas para conseguir una expresión más
intensa.
Dadá o Dadaísmo, movimiento que abarca todos los
géneros artísticos y es la expresión de una
protesta nihilista contra la totalidad de los aspectos de la
cultura
occidental, en especial contra el militarismo existente durante
la I Guerra Mundial e
inmediatamente después. Se dice que el término dada
(palabra francesa que significa caballito de juguete) fue elegido
por el editor, ensayista y poeta rumano Tristan Tzara, al abrir
al azar un diccionario en
una de las reuniones que el grupo
celebraba en el cabaret Voltaire de
Zurich. El movimiento Dadá fue fundado en 1916 por Tzara,
el escritor alemán Hugo Ball, el artista alsaciano Jean
Arp y otros intelectuales que vivían en Zurich (Suiza), al
mismo tiempo que se
producía en Nueva York una revolución contra el
arte convencional liderada por Man Ray, Marcel Duchamp y Francis
Picabia. En París inspiraría más tarde el
surrealismo.
Tras la I Guerra Mundial
el movimiento se extendió hacia Alemania y
muchos de los integrantes del grupo de Zurich se unieron a los
dadaístas franceses de París. En 1922 el grupo de
París se desintegró.
Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores
sociales y estéticos del momento, y todo tipo de
codificación, los dadaístas recurrían con
frecuencia a la utilización de métodos
artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles,
que se apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus representaciones
teatrales y sus manifiestos buscaban impactar o dejar perplejo al
público con el objetivo de que éste reconsiderara
los valores
estéticos establecidos. Para ello utilizaban nuevos
materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos
métodos, como la inclusión del azar para determinar
los elementos de las obras. El pintor y escritor alemán
Kurt Schwitters destacó por sus collages realizados con
papel usado y
otros materiales similares. El artista francés Marcel
Duchamp expuso como obras de arte productos
comerciales corrientes —un secador de botellas y un
urinario— a los que denominó ready-mades. Aunque los
dadaístas utilizaron técnicas revolucionarias, sus
ideas contra las normas se basaban
en una profunda creencia, derivada de la tradición
romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad
cuando no ha sido corrompida por la sociedad.
Futurismo, movimiento artístico de comienzos del siglo XX
que rechazó la estética tradicional e intentó
ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus
dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. El poeta
italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y
publicó los principios del futurismo en el manifiesto de
1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo
Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino
Severini firmaron el Manifiesto del futurismo.
El futurismo se caracterizó por el intento de captar la
sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones
consecutivas, una especie de fotografía
estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a
gran velocidad e
impresas en un solo plano. Ejemplos destacados son el
Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912, Museo de
Arte Moderno, Nueva York) y el Tren suburbano (1915,
Colección Richard S. Zeisler, Nueva York), ambos de Gino
Severini. Aunque el futurismo tuvo una corta existencia,
aproximadamente hasta 1914, su influencia se aprecia en las obras
de Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en
París, así como en el constructivismo
ruso.
Surrealismo (arte), movimiento artístico y literario
fundado por el poeta y crítico francés André
Breton.
La pintura surrealista es muy variada en contenidos y
técnicas. Dalí, por ejemplo, transcribe sus
sueños de una manera más o menos
fotográfica, inspirándose en la primera etapa de la
pintura de De Chirico. Las esculturas de Arp son grandes, lisas y
de forma abstracta. Por otra parte, Miró, miembro formal
del grupo durante una corta etapa, representó formas
fantásticas que incluían adaptaciones de dibujos
infantiles. El pintor ruso-estadounidense Pavel Tchelichew
pintó cuadros y también creó numerosas
escenas para ballets. En la década de 1940, coincidiendo
con el exilio en México de
artistas españoles influidos por el surrealismo,
así como la visita de Bretón, que recorrió
el país acompañado de Diego Rivera y del
político soviético Trotski, el movimiento se
extendió de forma relativa y limitada entre
círculos intelectuales mexicanos (véase Remedios
Varo).
Neoplasticismo, corriente artística promulgada por Piet
Mondrian en 1917 que proponía despojar al arte de todo
elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a
través de un lenguaje
plástico
objetivo y, como consecuencia, universal. Junto con Theo van
Doesburg fundó la revista De
Stijl, principal órgano de difusión del movimiento,
en cuyo primer número apareció publicado el
manifiesto neoplasticista.
Las teorías de Mondrian, que tienen su origen en las obras
cubistas de Georges Braque y Picasso y en la teosofía,
reivindican un proceso de
abstracción progresiva en virtud del cual las formas se
irían reduciendo a líneas rectas horizontales y
verticales, y los colores al negro, el blanco, el gris y los tres
primarios. Entre sus principales representantes se encontraban,
además de Van Doesburg, el pintor Wilmos Huszár, el
escultor Georges Vantongerloo y los arquitectos Jacobus Johannes
Pieter Oud y
Gerrit Thomas Rietvel, entre otros. El excesivo rigor de las
propuestas de Mondrian provocó violentas críticas
tanto dentro como fuera de su círculo de adeptos. No
obstante, el neoplasticismo está considerado, junto con el
suprematismo de Maliévich, el origen de la
abstracción geométrica.
Pop Art, movimiento artístico iniciado en la década
de 1950 en Estados Unidos y
Gran Bretaña. Las imágenes
del Pop Art (abreviatura de Popular Art, ‘arte
popular’) se inspiraron en la cultura de masas. Algunos
artistas reprodujeron latas de cerveza o sopa,
tiras de cómic, señales de tráfico y otros
objetos similares en sus pinturas, collages y esculturas. Otros
incorporaron estos objetos cotidianos a sus pinturas o
esculturas, a veces completamente modificados. Los materiales
fruto de la tecnología moderna,
como el poliéster, la gomaespuma o la pintura
acrílica, ocuparon un lugar destacado. El Pop Art no
sólo influyó en la obra de los artistas
posteriores, sino que también ejerció un fuerte
impacto en el grafismo y el diseño
de moda.
Los antecedentes históricos del Pop Art se sitúan
en la obra provocativa de los artistas dadaístas,
especialmente del francés Marcel Duchamp, y en la
tradición pictórica estadounidense caracterizada
por el empleo del
trampantojo en las representaciones de objetos cotidianos. Por
otra parte, varios integrantes de la corriente Pop se
habían ganado la vida trabajando como artistas
publicitarios.
El movimiento Pop Art comenzó como una reacción
contra el expresionismo abstracto, que dominó el arte
durante las décadas de 1940 y 1950, al que estos los
artistas consideraban demasiado intelectual y apartado de la
realidad social.
Asumiendo el objetivo del compositor estadounidense John Milton
Cage —eliminar las distancias entre arte y vida— los
artistas Pop se aproximaron con ironía al ambiente de la
vida cotidiana. Emplearon imágenes que reflejaban el
materialismo y
vulgaridad de la moderna cultura de masas para transmitir una
percepción crítica de la realidad, más
inmediata que aquella ofrecida por la pintura realista del
siglo XIX.
La primera obra destacada del Pop Art fue ¿Qué es
lo que hace a los hogares de hoy día tan distintos, tan
simpáticos? (1956, colección particular) del
artista británico Richard Hamilton. En esta
satírica obra, que representa dos absurdas figuras que se
pavonean en un salón, se pueden apreciar los principales
rasgos del Pop Art: descontextualización, incongruencia,
provocación y buen humor.
Además de emplear las imágenes de la cultura de
masas, el Pop Art se apropió de las técnicas de la
producción masiva. A principios de 1960, el
estadounidense Andy Warhol llevó esta idea un poco
más lejos al adoptar la técnica de la
serigrafía, capaz de imprimir cientos de estampas
idénticas de botellas de Coca Cola, latas de sopa Campbell
y otros objetos representativos de la cultura consumista.
Otros ejemplos importantes del Pop estadounidense fueron las
obras escultóricas de George Segal y Wayne Thiebaud o las
series satíricas del Gran desnudo americano, pintadas por
Tom Wesselmann. En España, el
Pop Art está representado por la pintura del Equipo
Crónica, en cuya obras se desmitifica el arte tradicional
y se abordan ciertos aspectos de la problemática
social.
Centro Cultural J. M. De Pueyrredón. 25 de Mayo y
Catamarca.
Autora: Analía Castagnari.
Argentina, nacida
en Mar del Plata el 3 de junio de 1972. estudió diseño
Gráfico (5 años) en la Escuela Superior
de Artes Visuales Martín Malharro, cursando
simultáneamente pintura en la carrera de Ilustración.
Actualmente docente de plástica en los 3 ciclos de
E.G.B.
Muestra:
Expresiones II
El titulo de esta muestra nace como consecuencia de una anterior
"Expresiones I", ocurrida en septiembre 2000.
Esta, al igual que aquella nos acerca el sentir de otras gentes
de otros pueblos; lejanos pero no tanto.
"Son varios rostros que podrían sonar lejanos. Rostros de
África, lejanos en la distancia física, pero
cercanos en el corazón.
Rostros vivos. Expresiones marcadas por el sufrimiento. Por el
mismo tipo de cruda realidad que conocemos tan bien en estos
tiempos. Sin duda no es igual nuestra vida a la de estos
personajes, pero sí compartimos una necesidad imperante:
la de saber, certeramente, que las generaciones que nos sucedan
vivirán una vida mejor".
Descripción somera de los que nos presenta:
nos quiere mostrar el sufrimiento de los africanos en las
expresiones de los rostros que ella ha pintado.
Cantidad de obras expuestas: 14 obras.
Principales temas: Demostrar la cruda realidad de los
Africanos.
Estilo: Figurativo.
Técnicas y materiales: Mixtos.
Autor:
ZeTa MDQ