¿Que es el Barroco?
Esta era se ubica de 1600 con la ópera
Orfeo de Monteverdi hasta 1750 con la muerte de
J.S. Bach. La palabra Barroco se
utiliza en la arquitectura como
un estilo sobrecargado y lleno de ornamentaciones. Esto no es
aplicable a la música y se le llama
así para ubicarla dentro de un contexto
cronológico. En este período surge el llamado
humanismo en
donde ahora la música
seguiría al texto ya que
este último se consideraba como una expresión del
hombre. Esto
se logró con la presencia de una sola voz con
acompañamientos que no la opacaban. Una de las formas
básicas del estilo barroco fue el
baso continuo que era una base armónica que se presentaba
durante toda la pieza, es decir, estructuras
bien definidas en las que se hacen grupos de notas
que se van combinando entre ellas. Con estas estructuras se
crearon numerosas formas musicales como el rondó (forma
musical que un tema principal alerna con otros temas
diferenciados), la sonata (pieza para uno o dos instrumentos que
debe "sonar" ya que se contrapone a la cantata que debe
cantarse), la suite (composición que consiste en una serie
melodías para danzar como la allemanda, sarabanda, giga,
gavota y el bouré y minueto), el concerto grosso, las
variaciones, el preludio, la fuga y el concierto (donde se
escribe para un instrumento solista y
orquesta).
La época del bajo
continuo
La monodia y la
"camerata"Florentina
Este quebrantamiento del ideal colectivo
polifónico coloca al mundo musical , las
postrimerías del siglo XVI y principios del
siglo XVII en una situación fundamentalmente modificada .
Ya la forma mas antigua de la monodia occidental , el
Gregorianismo ,encierra , en el canto del perno entre el coro y
el sacerdote celebrante , el prototipo del individuo musical , el
solista , aunque este aun no llegue a expresar su sentimiento
personal ,sino
que se sienta enteramente como representante de la comunidad entera
. Pero el arte de los
trovadores y de los maestros cantores significa, al fin y al cabo
, no solamente una muestra de
música
solista , sino también una expresión absoluta de un
sentido individual . Incluso la canción popular ,
común a todos y ligando a todos refleja en la vida del
individuo la vida de la comunidad , como
la comunidad la vida
del individuo , el cual ya no necesita del hermano corista para
expresarse personalmente a través de la melodía
familiar .
El relato de la historia de la pasión
fue puesto en música en forma de
motete , completa y seguidamente con todas sus peroraciones ,
así se empieza en el siglo XVI a componer dramas enteros
en estilo polifónico . En ellos ,se tratan los textos de
las personas individuales igualmente que los de los grupos populares
: La famosa comedia madrigalesca L’Amfiparnasso de Orazio
Vecchi , por ejemplo , se compone enteramente en forma coral y el
protagonista en la escena aparece , poco mas o menos , solo como
representante de su grupo . Este
procedimiento
se acerco al drama Griego cuya renovación era una de las
apariciones mas típicas del movimiento
renacentista . Nuevamente aparece Florencia , a partir
aproximadamente de 1585 , como punto de partida de estos experimentos
innovadores que hallaron una acogida entusiasta particularmente
en las casas patricias de Giovanni , Vardi y Giovanni Battista
Doni. Vincenzo Galilei , el padre del famoso físico fue el
primero en interpretar cantos monodicos en este supuesto estilo
Griego . A este canto solista se lo denomino monodia . Este bajo
general que se extendió continuamente a través de
toda la obra fue llamado Basso Continuo, así pues al
interpretarse la obra , el acompañamiento tuvo que ser
completado improvisadamente en el clave o el órgano . La
época desde el siglo XVII hasta el siglo XVIII se la
denomino época del bajo continuo , o sea barroco ,
considerando a la voz superior monodica , al mismo tiempo , como
heredera histórica del principio solista , a una sola voz
, se comprende que en la monodia acompañada por el Bajo
Continuo , el estilo a una sola voz y el polifónico
llegaran a una fusión
fructífera y de consecuencias históricas
incalculables . Este nuevo movimiento
musical se ve aprobado por los grupos
sociales mas altos, un ejemplo puede ser cuando Enrique IV
presenta algunos fragmentos de los compositores Peri y Caccini en
su casamiento con María de Medicis .
La opera veneciana y
napolitana
Con la fundación del Teatro di San
Cassino (1637) Venecia tuvo el primer teatro publico de
opera , lo cual dio nuevo impulso a varias generaciones de
compositores , aunque su calidad
artística no fuera precisamente en aumento . Entre ellos
cabe mencionar , como los mas notables , a Francesco Cavalli
,cuyo Giasone (1649) se representó en todo Italia , y a
Marco Antonio Cesti, quien obtuvo con su opera , La Dori , un
éxito muy resonante . El acompañamiento con un
instrumento solista o ligado toma cada vez mas en
consideración las exigencias del virtuosismo vocal .
Scarlati ,importante compositor veneciano , traslado el cuartel
general de la opera a Nápoles , donde ya había
actuado anteriormente Francesco Provenzale , su prestigio era tan
grande que la juventud
musical de todos los países se le acerco para prender con
el su oficio. Corelli , Hasse , Cuantz , Haendell y muchos otros
buscaron su trato , estudiaron sus obras y admiraron sus
interpretaciones .
La
Cantata
La voz cantata significa originariamente , en un sentido
muy general , una "pieza para cantar" de varios movimientos , con
la participación eventual de diversas poses solistas e
incluso del coro . Al lado de la cantata a solo ,propiamente
dicho , pronto se cultiva con preferencia la cantata para varias
voces combinadas , en forma dialogada en pequeñas escenas
dramáticas . Según su destino , no tardan en
distinguirse la cantata de cámara y la cantata de iglesia ; la
cantatas de cámara profana es precisamente la forma que
continua en el siglo XVII el predominio del madrigal, como forma
predilecta del cultivo musical en la sociedad de su
tiempo
.
Bach
Breve Sintesis: Johann
Sebastian Bach , ultimo hijo de Johann Ambrosius Bach ,
nació en Eisenach el 21 de Marzo de 1685 . En su vida tuvo
dos esposas , la primera fue Maria Barbara Bach y la segunda , a
la cual desposó poco despues de la muerte de
Maria Elena , se llamaba Anna Magdalena .Tuvo 10 hijos en total y
muchos de ellos tambien fueron muscos reconocidos . Fue :
.Músico de la corte de Weimar, bajo el duque Johann Ernst
, en el año 1703 ; .organista de la Iglesia Nueva
de Arnstadt , en 1704 ; .Organista de la Iglesia de San
Blas de Muhlhausen , en 1707; . Organista de
‘Cámara’ en la corte de Weimar , en 1708 ; .
Concertino de esta misma corte en 1714 ;.Kapellmeister y director
de la música
‘de cámara’ en la corte de Anhaltcothen , 1717
;.Llamado en el año 1723 como director chori musici y
kantoren Santo Tomas de Leipzig , donde aun vive por la santa
voluntad de dios…Murió el 30 de julio de
175
Uno de los compositores en la historia con mayor
profundidad y maestría, Juan Sebastian Bach nació
en Eisenach, Thuringia, Alemania, en
una familia de
músicos. Su padre, Johann Ambrosius Bach, fue un talentoso
violinista, y le enseño a su hijo los conocimientos
básicos de como tocar las cuerdas; otra relación,
la del organista en la iglesia
más importante de Eisenach, introdujo al joven muchacho en
el uso del órgano.
En 1695, Juan Sebastian quedó huerfano; el
se fue a vivir con su hermano mayor, Johann Christoph, en
Ohrdruf. Johann Christoph era un organista profesional, y
continuó la educación de su
hermano en ese instrumento, así como en el clavicordio.
Después de varios años en este acuerdo, Juan
Sebastian ganó una beca para estudiar en Luneberg,
Alemania del
Norte, y por lo tanto dejó la tutela de su hermano.Un
maestro de varios instrumentos todavía estando en su
adolescencia,
Juan Sebastian encontró su primer empleo a la
edad de 18 años en una orquesta de la corte en Weimar como
un "lacayo y violinista"; poco después, tomó
el trabajo de
organista en una iglesia en
Arnstadt. Aquí, así como en puestos posteriores,
sus tendencias perfeccionistas y grandes expectativas de los
otros músicos – por ejemplo, el coro de la iglesia –
molestó a sus colegas de mala forma, y se vió
envuelto en una gran cantidad de agrias disputas durante su corta
tenencia. En 1707, a la edad de 22, Bach llega al límite
con los horribles estándares musicales (y las condiciones
de trabajo) de Arnstadt y se traslada a otro trabajo de
organista, esta vez a la Iglesia de St. Blasius en Muhlhausen. El
mismo año, se casó con su prima Maria Barbara
Bach.
De nuevo, envuelto en un conflicto en
desarrollo
entre facciones de su iglesia, Bach viajó a Weimar
después de un año en Muhlhausen. En Weimar,
asumió el puesto de organista y maestro de conciertos de
la capilla ducal. Se mantuvo en Weimar por nueve años, y
ahí compuso su primera serie de trabajos mayores,
incluyendo piezas de órgano y cantatas.
En ese momento de su vida, Bach había
desarrollado una reputación como un talento musical
brillante, aunque de alguna forma inflexible. Su habilidad en el
órgano no tenia paralelo en Europa – de
hecho, hacía giras regularmente como un solista virtuoso –
y su creciente maestría de las formas de
composición, como la fuga y el canon, ya estaban atrayendo
el interés
de parte del conglomerado musical – el cual, en esos días,
era la iglesia Luterana. Pero, como muchos otros individuos de
talento poco común, nunca fue muy bueno en el juego
político, y por lo tanto sufrió retrasos
periódicos en su carrera. Fue promovido para una
posición importante – la de Kapellmeister de Weimar – en
1716; parcialmente en reacción a esta situación
política,
al año siguiente abandonó Weimar para tomar un
trabajo como director del atrio en Anhalt-Cothen. Allí,
redujo su producción de cantatas de iglesia, y se
concentró en música instrumental – el periodo
Cothen produjo, entre otras obras maestras, el El Concierto de
Brandenburg.
Mientras estaba en Cothen murió su esposa
Maria Barbara. Bach se casó de nuevo muy poco
después – con Anna Magdalena – y continuó con su
trabajo. También continuó con el departamente de la
crianza de niños, produciendo 13 con su nueva esposa –
seis de los cuales sobrevivieron la niñez – hay que
agregar a esto los cuatro niños que tuvo con Maria
Barbara. Muchos de estos niños se convertirían
posteriormente en excelentes compositores de propio derecho –
particularmente tres hijos, Wilhelm Friedmann, Carl Philipp
Emanuel y Johann Christian.
Despues de dirigir y componer por siete
años para la orquestra del atrio en Cothen, se le
ofreció a Bach el altamente prestigioso puesto de cantor
(director musical) de la iglesia de Santo Tomás en Leipzig
– despues de ser rechazado por otros dos compositores. El trabajo era
uno muy demandante, tenía que componer cantatas para las
iglesias de Santo Tomás y San Nicolás, dirigir los
coros, supervisar las actividades musicales de muchas iglesias
municipales y enseñar latín en la escuela del coro
de Santo Tomás. Por lo tanto, debía llevarse con
las autoridades de la iglesia de Leipzig, las cuales demostraron
ser muy duras. Pero el persistió, puliendo los componentes
musicales de los servicios de
la iglesia en Leipzig y continuando con la composición de
música de clase variada con un nivel de destreza y
profundidad emocional únicos.
Bach se mantuvo en su puesto en Leipzig hasta su
muerte en
1750. El se mantuvo activo hasta el final, aún despues que
problemas de
cataratas lo dejaran virtualmente ciego. Su última
composición musical, un preludio coral titulado "Ante Tu
Trono, Mi Señor, Yo Me Mantengo", fue dictada a su yerno
solo unos pocos días antes de su muerte.
Bach fue uno de esos raros compositores cuyo genio
no se puede sumarizar, aún aproximádamente, de
ninguna forma conocida. El fue el maestro supremo del
contrapunto, fuga, composición musical, melodia,
composición de cámara, repertorios para instrumento
solo… la lista no tiene fin. Sus pasiones son sin duda alguna
las más grandes composiciones jamás creadas para un
grupo coral y
orquesta. Sus trabajos en solo (para violín, y violoncelo)
son de tal belleza y perfección de forma que sus secretos
nunca han sido divulgados totalmente, ni siquiera por virtuosos
en esos instrumentos. Sus composiciones para el teclado – las
Variacines de Goldberg y El Well-Tempered Clavier, entre otras –
revelan una insuperada habilidad para combinar estructuras
musicales intrincadas con fuerza
espiritual pura; de hecho, la mayoria de los músicos de
primera apuntan hacia la maestría de estas piezas como su
meta última.
Bach fue el más grande maestro del Barroco, y
probablemente de toda la música clásica. Cualquier
estudiante de música debe comenzar – y terminar – una
investigación de las glorias de la
música clásica con el.
Vivaldi
Antonio Vivaldi nació en primavera del 1678 en
Venecia . La carrera original de Vivaldi no era en realidad la
música . A pesar de haber estudiado música desde
pequeño , el siguió el ámbito religioso ,
tomando en 1703 ordenes religiosas . Poco después de
éstas , abandono la iglesia y comenzó a estudiar
violín . Vivaldi compuso cincuenta operas , setenta
sonatas y cuatrocientos conciertos , asi como numerosas
sinfonías , cantatas , arias y obras religiosas . Su obra
más famosa para violin y orquesta , es sin duda , Las
Cuatro Estaciones A partir de 1718 las operas de Vivaldi
empezaron a ser conocidas fuera de la Serenissima., si bien solo
tenían una difusión limitada al resto de Italia. La opera
Scanderberg fue la primera opera estrenada fuera de Venecia.
Antonio Vivaldi supo ganarse la amistad y la
protección del cardenal Pietro Ottoboni, verdadero
apasionado por la música y que había sido mecenas
de Arcangelo Corelli . El propio Vivaldi afirma que el Papa en
persona le
había invitado a tocar el violín n su presencia. De
su paso por Roma ha quedado
un testimonio precioso: el celebre pintor Pier Lione Ghezzi, fiel
ilustrador de la sociedad romana
de la época, dibujo una
caricatura de Vivaldi que es el único retrato autentico
del natural del gran compositor. El hecho de que después
de su Op. 14 Vivaldi no diese mas recopilaciones a la imprenta,
no significa que no se dedicase a la composición de
trabajos instrumentales, que por razones económicas,
prefería vender en forma manuscrita a compradores aislados
o al Ospedale della Pieta, del que recibía una
compensación fija de cien ducados, establecida en 1735.
Anotnio Vivaldi murió en 1741 .
HAENDEL
1685 – Nace el 23 de febrero en
Halle
1692 – Hasta 1702, estudios generales en
Halle
1702 – Organista titular en la catedral de Halle.
Estudios de derecho en la
Universidad
1705 – Presenta en Hamburgo Almira y Nero, sus
primeras óperas.
1706 – Estancia de cuatro anos en Italia.
1710 – se instala en Hannover, en donde es
nombrado maestro de capilla del Elector Georg (desde 1714 Jorge
I de Inglaterra)
1712 – Segunda visita a Londres. Pension
Real.
1717 – Recupera el favor real en Inglaterra.
1719 – Director de la nueva Royal Academy of
Music, donde estrena muchas de sus óperas
italianas.
1726 – Obtiene la nacionalidad
inglesa.
1738 – Empieza a dedicarse preferentemente al
Oratorio.
1742 – Triunfal estreno de El Mesías, en
Dublín.
1750 – Un accidente afecta gravemente su salud.
1753 – Queda ciego a consecuencia de una
operación.
1759 – Muere el 14 de abril en
Londres.
Cuando en 1792 Haydn escuchó en la
abadía de Westmister el "Aleluya" de El Mesías de
Haendel, se levantó entusiamado y con él lo hiciero
todos los demas oyentes; con lágrimas en los ojos
exclamó:"Es el maestro de todos nosotros". Y Bethoven
escribió en 1824:Haendel es el más grande
compositor que jamás haya existido. Quisiera arrodillarme
ante su tumba. Y bien es sabido que, después de componer
la Novena Sinfonía, Bethoven proyectaba escribir grandes
oratorios a la manera de Haendel. Por su parte,Mozart reorquesto
al gusto de la época varios de los más famosos
oratorios haendelianos, y en sus cartas no dejaba
de reclamar a su padre que le enviara las seis fugas de Haendel.
Haendel al mismo tiempo que
estudiaba Derecho en la Universidad,
empezó a ejercer la profesión de músico.
Primero fué nombrado organista suplente de la catedral,
pero al poco tiempo
llegó al puesto de titular y desempeno
brillantemente los múltiples trabajos que aquel cargo
entranaba. Haendel siguió escribiendo música y
haciendo que sus alumnos cantasen cada domingo sus composiciones.
Por entonces gozaba ya de bastante fama.
Aprendiz en
Hamburgo
Al poco tiempo de ser
nombrado organista de la catedral de Halle, el compositor
tomó una decisión sorprendente. Renunció a
su puesto y se trasladó a vivir a Hamburgo, abandonando
con ello una carrera segura y sin sobresaltos. Pero lo que
parecía un capricho, tenía un sentido profundo: El
joven músico decidía abandonar una carrera
provinciana y monótona para ver mundo y aprender nuevas
cosas en la ciudad musical más animada de toda Alemania.
Sólo tenía dieciocho anos. En Hamburgo Haendel
trabajó de músico en la orquesta, un trabajo mucho
mas modesto que el que tenía en Halle, pero
aprendió toda la estructura
musical y operística que necesitaba. Gian Gastone de
Médicis, hijo del gran duque de Toscana, hallándose
de paso por Hamburgo, incitó a Haendel para que marchara a
Italia
diciéndole que podría aprender mucho de la
música que allí se hacía.
Los años
Italianos.
En 1706 Haendel emprendió el viaje hacia
Italia. Se fue de
Hamburgo como se había ido de Halle: sin consultar con
nadie y casi sin decírselo ni a los amigos. Llegó a
Florencia, pero no estuvo demasiado tiempo debido a la escasa
actividad musical de la ciudad y marchó a Roma, donde lo
encontramos en febrero de 1707. Fue en Roma, y en el
palacio del Cardenal Ottoboni, donde se
celebró el famosísimo torneo entre
Haendel y Domenico Scarlatti (hijo de Alessandro Scarlatti). Este
último había nacido el mismo ano que el
sajón y era tenido por un gran concertista de teclado.
Incitados y dirigidos por el cardenal Ottoboni, se enfrentaron en
un certamen público. Fueron declarados de igual fuerza en el
clave, pero Haendel resultó vencedor en el órgano.
Desde entonces se tuvieron el respeto mutuo que
es el fundamento de una amistad
perdurable.
Breve interludio en
Hannover.
Los tres anos que pasó en Italia
culminaron en el triunfo veneciano. Habían sido anos en
que su personalidad
humana y musical había adquirido una consistencia
definitiva. Dominaba casi todos los estilos musicales existentes
en aquella época y gozaba de un gran prestigio en Europa.
Había llegado el momento de pensar en el futuro. Haendel
se hizo cargo del puesto de maestro de capilla de Hannover el 16
de junio de 1710. El ambiente era
favorable a la música, gracias a las huellas dejadas por
Steffani, pero los tiempos de esplendor habían pasado. A
los seis meses de llegar a Hannover, Haendel pidió un
permiso de un año. Los comienzos en
Londres.
Londres era una ciudad donde se desarrollaba por
aquel entonces una agitada vida cultural. No existía la
censura y se publicaban numerosos periódicos de varia
índole; por ejemplo The Daily Courant, uno de los primeros
diarios europeos, y tambien el célebre periódico
de opinión The Spectator, dirigido por Joseph Addison. A
su llegada a Londres, Haendel supo introducirse pronto en la
Corte de la reina Ana, dedicada a la música y buena
instrumentista. El destino quiso había querido que, al
mismo tiempo que Haendel, desembarcase en Londres la famosa
cantante Francesca Vanini-Boschi, elegante contralto. Haendel se
dió a conocer sobre todo tocando la clave, en el que era
un consumado experto. Pero Haendel no se quedó contento
con solo tocar la clave en pequenos conciertos privados, y en
poco tiempo estuvo lista su primera ópera
londinense:Rinaldo. La obra se estrenó el 22 de febrero y
obtuvo un enorme éxito; en aquel mismo año se
representó quince veces, y sólo bajó del
escenario cuando acabó la temporada.
Regreso a Alemania y
asentamiento definitivo en
Inglaterra.
Por el momento, sin embargo, Haendel tuvo que
regresar a Alemania para
cumplir con sus obligaciones
de maestro de capilla de la Corte de Hannover. Tras el favor de
concedido por el príncipe de Hannover, compuso un cierto
número de obras instrumentales; la orquesta era muy buena
y se dice que toda la corte sabía tocar la flauta.
Además de componer obras se dedicaba a estudiar inglés;
y el único significado era que estaba decidido a asentarse
en las Islas Británicas y aguardaba la primera
ocasión para llevar a cabo sus proyectos. En
efecto, al año siguiente de encontrarse en Hannover pide
permiso para ausentarse por segunda vez. Se lo conceden a
condicion de que vuelva al cabo de un tiempo razonable. Pero lo
cierto es que nunca volvió a su puesto en Hannover, lo
cual podía acarrear en aquel tiempo graves consecuencias
para el desertor. Y en otoño de 1712 Haendel ya estaba en
la ciudad del Támesis, y al ano siguiente estreno una
nueva ópera, Teseo, que fue todo un éxito. El
músico seguía haciendo pequenos conciertos en casas
de acaudaladas personalidades, pero el deseaba hacerse adoptar
aún con más fuerza por los
ingleses, y en homenaje a la reina Ana Estuardo escribió
una Oda para su cumpleaños denominada Birthay Ode for
Queen Anne primera obra suya escrita sobre un texto inglés.
Esta obra gustó a la destinataria, y le dijo al compositor
que compusiera otra obra para conmemorar la conclusión,
satisfactoria para Inglaterra, de la
guerra de
Sucesión española. Dicha obra, Te
Deum,
gustó tanto a la reina que le pasó
una renta anual de doscientas libras esterlinas, lo cual le
permitía un porvenir estable aunque mediocre. Pero la
reina murió al año siguiente, y subió al
trono Jorge I, antiguo duque de Hannover. Haendel esperaba
venganza del antiguo mandatario de la Corte de donde se
había ausentado, pero no hubo animo de venganza, sino que
además de permitirle la actual pensión la
dobló.
La Water Music y otras
composiciones.
Haendel compuso la "Water Music". Una leyenda
afirma que esta obra fue compuesta en 1715 y que la
intención del músico era congraciarse con el rey.
Pero la mayor parte de esta composicion fue escrita para una
excursión por el Támesis que realizó la
Corte en el verano de 1717.
La Royal Academy of
Music.
Al acabar la temporada de ópera italiana
1716-1717, había surgido en el seno de la alta sociedad
londinense la idea deponer fin a la precariedad de las gestiones
empresariales con una sociedad
financiada por sí misma. Nació bajo los auspicios
de la Corte y el propio rey fue uno de los suscriptores de
acciones; por
ello la nueva academia tuvo el título de real. Se trataba
de la Royal Academic of Music. El título de master of
orchestra correspondió a Haendel, algo asi como director
musical, de máxima responsabilidad artística. Lo primero a lo
que tuvo que hacer frente Haendel fue a la formación de la
compañía. De modo que partió para el
continente europeo con la finalidad de contratar artistas de
primerísima categoría. Una vez conformada la
compañía, Haendel compuso una ópera de baja
calidad,
frente a otras dos óperas de Bononcini, que era otro
compositor traido para dar cobertura a la orquesta recién
creada. Pero los años siguientes, Haendel volvió a
brillar con luz propia con
nuevas creaciones que entusiasmaron al diverso público. Y
mientras ocurría todo esto seguía buscando nuevas
figuras de renombre para su Royal Academic of Music. Una serie de
escándalos producidos por las diferentes cantantes, y
varias óperas frustradas, la Royal Academic of Music de
disolvió el 14 de enero de 1729.
Nuevo
Comienzo.
Haendel había pedido al Parlamento ser
naturalizado inglés,
y el rey firmó el decreto de concesión de la
ciudadania británica en el mes de febrero de 1726. Ya
podía se considerado inglés
a todos los efectos. Por otro lado, había tenido numerosas
pruebas del
afecto de su público y consideró que podía
salir airoso de la arriesgada empresa de
emplear su propio dinero y ser
el empresario de su
propia música. En la nueva estructura de
la academia Haendel seguía siendo el compositor principal.
Compuso muchas óperas, algunas de gran éxito, y
algunas con no tanto. En su lucha con la Opera of the Nobility,
los dos se arruinaron, Haendel fue expulsado de varios teatros, y
recaló en el Covent Garden. Para compensar
pérdidas, Haendel introdujo la costumbre de presentar
oratorios en la temporada de Cuaresma, durante la cual no estaba
permitido ofrecer espectáculos profanos ni óperas.
Además, en los entreactos él mismo interpretaba al
órgano composiones suyas, que eran muy admiradas. La
fórmula tuvo éxito y lo que aparentemente
nació por una necesidad de tipo económico
acabó convirtiendose en la principal actividad del
compositor en la última étapa de su
vida.
De la Ópera al
Oratorio.
Las últimas óperas italianas de
Haendel coinciden con el comienzo de su dedicacion cada vez mayor
a la composición de oratorios. Al principio tenían
muchas reminiscencias operísticas. En 1739, Haendel
dedicó sus energías a componer doce Concerti
Grossi, Op. 6, que constituyen una de sus más
representativas obras para orquesta Las dos últimas
óperas italianas de Haendel, Imeneo, y Deidamia, fueron un
auténtico fracaso. Entonces se retiró a su casa en
el campo. Hasta allí llegó una oferta del
duque de Devonshire, lord lugarteniente de Irlanda. Y
decía que le esperaba en Dublín, donde su
música era muy apreciada y se interpretaba con frecuencia.
También le rogaba que compusiera un Oratorio con fines de
beneficencia. Haendel compuso en venticuatro dias El
Mesías. El estreno de esta obra fue todo un éxito.
Partiendo de que era una pequeña obra benefica pasó
a ser su gran obra maestra, y todos se peleaban por oirla. No
sería justo dejar de decir algo sobre Haendel y el
órgano, pues él fue el primer músico que
cultivó el concierto para órgano. En
el
transcurso de sus viajes por
Italia se familiarizó con los positivos de un solo
teclado, tan
cómodos para el acompañamiento de las voces, la
realización del bajo continuo…
La ceguera. Última
época del músico.
A su elevada edad para aquella época,
Haendel se encontraba en buen estado de
salud, y
seguía componiendo. Poco a poco se fue quedando ciego,
hasta que un día mientras componía se quedó
completamente ciego. El 6 de abril de 1759 Haendel sufrió
un colapso durante la ejecución del El mesías que
una vez más cantaba con fines de beneficiencia. Algunos
dias mas tarde añadió a su testamento el codilicio
referente al tipo de enterramiento que
deseaba.