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Musica en el Barroco




Enviado por latiniando



    ¿Que es el Barroco?

    Esta era se ubica de 1600 con la ópera
    Orfeo de Monteverdi hasta 1750 con la muerte de
    J.S. Bach. La palabra Barroco se
    utiliza en la arquitectura como
    un estilo sobrecargado y lleno de ornamentaciones. Esto no es
    aplicable a la música y se le llama
    así para ubicarla dentro de un contexto
    cronológico. En este período surge el llamado
    humanismo en
    donde ahora la música
    seguiría al texto ya que
    este último se consideraba como una expresión del
    hombre. Esto
    se logró con la presencia de una sola voz con
    acompañamientos que no la opacaban. Una de las formas
    básicas del estilo barroco fue el
    baso continuo que era una base armónica que se presentaba
    durante toda la pieza, es decir, estructuras
    bien definidas en las que se hacen grupos de notas
    que se van combinando entre ellas. Con estas estructuras se
    crearon numerosas formas musicales como el rondó (forma
    musical que un tema principal alerna con otros temas
    diferenciados), la sonata (pieza para uno o dos instrumentos que
    debe "sonar" ya que se contrapone a la cantata que debe
    cantarse), la suite (composición que consiste en una serie
    melodías para danzar como la allemanda, sarabanda, giga,
    gavota y el bouré y minueto), el concerto grosso, las
    variaciones, el preludio, la fuga y el concierto (donde se
    escribe para un instrumento solista y
    orquesta).

    La época del bajo
    continuo

    La monodia y la
    "camerata"Florentina

    Este quebrantamiento del ideal colectivo
    polifónico coloca al mundo musical , las
    postrimerías del siglo XVI y principios del
    siglo XVII en una situación fundamentalmente modificada .
    Ya la forma mas antigua de la monodia occidental , el
    Gregorianismo ,encierra , en el canto del perno entre el coro y
    el sacerdote celebrante , el prototipo del individuo musical , el
    solista , aunque este aun no llegue a expresar su sentimiento
    personal ,sino
    que se sienta enteramente como representante de la comunidad entera
    . Pero el arte de los
    trovadores y de los maestros cantores significa, al fin y al cabo
    , no solamente una muestra de
    música
    solista , sino también una expresión absoluta de un
    sentido individual . Incluso la canción popular ,
    común a todos y ligando a todos refleja en la vida del
    individuo la vida de la comunidad , como
    la comunidad la vida
    del individuo , el cual ya no necesita del hermano corista para
    expresarse personalmente a través de la melodía
    familiar .

    El relato de la historia de la pasión
    fue puesto en música en forma de
    motete , completa y seguidamente con todas sus peroraciones ,
    así se empieza en el siglo XVI a componer dramas enteros
    en estilo polifónico . En ellos ,se tratan los textos de
    las personas individuales igualmente que los de los grupos populares
    : La famosa comedia madrigalesca L’Amfiparnasso de Orazio
    Vecchi , por ejemplo , se compone enteramente en forma coral y el
    protagonista en la escena aparece , poco mas o menos , solo como
    representante de su grupo . Este
    procedimiento
    se acerco al drama Griego cuya renovación era una de las
    apariciones mas típicas del movimiento
    renacentista . Nuevamente aparece Florencia , a partir
    aproximadamente de 1585 , como punto de partida de estos experimentos
    innovadores que hallaron una acogida entusiasta particularmente
    en las casas patricias de Giovanni , Vardi y Giovanni Battista
    Doni. Vincenzo Galilei , el padre del famoso físico fue el
    primero en interpretar cantos monodicos en este supuesto estilo
    Griego . A este canto solista se lo denomino monodia . Este bajo
    general que se extendió continuamente a través de
    toda la obra fue llamado Basso Continuo, así pues al
    interpretarse la obra , el acompañamiento tuvo que ser
    completado improvisadamente en el clave o el órgano . La
    época desde el siglo XVII hasta el siglo XVIII se la
    denomino época del bajo continuo , o sea barroco ,
    considerando a la voz superior monodica , al mismo tiempo , como
    heredera histórica del principio solista , a una sola voz
    , se comprende que en la monodia acompañada por el Bajo
    Continuo , el estilo a una sola voz y el polifónico
    llegaran a una fusión
    fructífera y de consecuencias históricas
    incalculables . Este nuevo movimiento
    musical se ve aprobado por los grupos
    sociales mas altos, un ejemplo puede ser cuando Enrique IV
    presenta algunos fragmentos de los compositores Peri y Caccini en
    su casamiento con María de Medicis .

    La opera veneciana y
    napolitana

    Con la fundación del Teatro di San
    Cassino (1637) Venecia tuvo el primer teatro publico de
    opera , lo cual dio nuevo impulso a varias generaciones de
    compositores , aunque su calidad
    artística no fuera precisamente en aumento . Entre ellos
    cabe mencionar , como los mas notables , a Francesco Cavalli
    ,cuyo Giasone (1649) se representó en todo Italia , y a
    Marco Antonio Cesti, quien obtuvo con su opera , La Dori , un
    éxito muy resonante . El acompañamiento con un
    instrumento solista o ligado toma cada vez mas en
    consideración las exigencias del virtuosismo vocal .
    Scarlati ,importante compositor veneciano , traslado el cuartel
    general de la opera a Nápoles , donde ya había
    actuado anteriormente Francesco Provenzale , su prestigio era tan
    grande que la juventud
    musical de todos los países se le acerco para prender con
    el su oficio. Corelli , Hasse , Cuantz , Haendell y muchos otros
    buscaron su trato , estudiaron sus obras y admiraron sus
    interpretaciones .

    La
    Cantata

    La voz cantata significa originariamente , en un sentido
    muy general , una "pieza para cantar" de varios movimientos , con
    la participación eventual de diversas poses solistas e
    incluso del coro . Al lado de la cantata a solo ,propiamente
    dicho , pronto se cultiva con preferencia la cantata para varias
    voces combinadas , en forma dialogada en pequeñas escenas
    dramáticas . Según su destino , no tardan en
    distinguirse la cantata de cámara y la cantata de iglesia ; la
    cantatas de cámara profana es precisamente la forma que
    continua en el siglo XVII el predominio del madrigal, como forma
    predilecta del cultivo musical en la sociedad de su
    tiempo
    .

    Bach

    Breve Sintesis: Johann
    Sebastian Bach , ultimo hijo de Johann Ambrosius Bach ,
    nació en Eisenach el 21 de Marzo de 1685 . En su vida tuvo
    dos esposas , la primera fue Maria Barbara Bach y la segunda , a
    la cual desposó poco despues de la muerte de
    Maria Elena , se llamaba Anna Magdalena .Tuvo 10 hijos en total y
    muchos de ellos tambien fueron muscos reconocidos . Fue :
    .Músico de la corte de Weimar, bajo el duque Johann Ernst
    , en el año 1703 ; .organista de la Iglesia Nueva
    de Arnstadt , en 1704 ; .Organista de la Iglesia de San
    Blas de Muhlhausen , en 1707; . Organista de
    ‘Cámara’ en la corte de Weimar , en 1708 ; .
    Concertino de esta misma corte en 1714 ;.Kapellmeister y director
    de la música
    ‘de cámara’ en la corte de Anhaltcothen , 1717
    ;.Llamado en el año 1723 como director chori musici y
    kantoren Santo Tomas de Leipzig , donde aun vive por la santa
    voluntad de dios…Murió el 30 de julio de
    175

    Uno de los compositores en la historia con mayor
    profundidad y maestría, Juan Sebastian Bach nació
    en Eisenach, Thuringia, Alemania, en
    una familia de
    músicos. Su padre, Johann Ambrosius Bach, fue un talentoso
    violinista, y le enseño a su hijo los conocimientos
    básicos de como tocar las cuerdas; otra relación,
    la del organista en la iglesia
    más importante de Eisenach, introdujo al joven muchacho en
    el uso del órgano.

    En 1695, Juan Sebastian quedó huerfano; el
    se fue a vivir con su hermano mayor, Johann Christoph, en
    Ohrdruf. Johann Christoph era un organista profesional, y
    continuó la educación de su
    hermano en ese instrumento, así como en el clavicordio.
    Después de varios años en este acuerdo, Juan
    Sebastian ganó una beca para estudiar en Luneberg,
    Alemania del
    Norte, y por lo tanto dejó la tutela de su hermano.Un
    maestro de varios instrumentos todavía estando en su
    adolescencia,
    Juan Sebastian encontró su primer empleo a la
    edad de 18 años en una orquesta de la corte en Weimar como
    un "lacayo y violinista"; poco después, tomó
    el trabajo de
    organista en una iglesia en
    Arnstadt. Aquí, así como en puestos posteriores,
    sus tendencias perfeccionistas y grandes expectativas de los
    otros músicos – por ejemplo, el coro de la iglesia –
    molestó a sus colegas de mala forma, y se vió
    envuelto en una gran cantidad de agrias disputas durante su corta
    tenencia. En 1707, a la edad de 22, Bach llega al límite
    con los horribles estándares musicales (y las condiciones
    de trabajo) de Arnstadt y se traslada a otro trabajo de
    organista, esta vez a la Iglesia de St. Blasius en Muhlhausen. El
    mismo año, se casó con su prima Maria Barbara
    Bach.

    De nuevo, envuelto en un conflicto en
    desarrollo
    entre facciones de su iglesia, Bach viajó a Weimar
    después de un año en Muhlhausen. En Weimar,
    asumió el puesto de organista y maestro de conciertos de
    la capilla ducal. Se mantuvo en Weimar por nueve años, y
    ahí compuso su primera serie de trabajos mayores,
    incluyendo piezas de órgano y cantatas.

    En ese momento de su vida, Bach había
    desarrollado una reputación como un talento musical
    brillante, aunque de alguna forma inflexible. Su habilidad en el
    órgano no tenia paralelo en Europa – de
    hecho, hacía giras regularmente como un solista virtuoso –
    y su creciente maestría de las formas de
    composición, como la fuga y el canon, ya estaban atrayendo
    el interés
    de parte del conglomerado musical – el cual, en esos días,
    era la iglesia Luterana. Pero, como muchos otros individuos de
    talento poco común, nunca fue muy bueno en el juego
    político, y por lo tanto sufrió retrasos
    periódicos en su carrera. Fue promovido para una
    posición importante – la de Kapellmeister de Weimar – en
    1716; parcialmente en reacción a esta situación
    política,
    al año siguiente abandonó Weimar para tomar un
    trabajo como director del atrio en Anhalt-Cothen. Allí,
    redujo su producción de cantatas de iglesia, y se
    concentró en música instrumental – el periodo
    Cothen produjo, entre otras obras maestras, el El Concierto de
    Brandenburg.

    Mientras estaba en Cothen murió su esposa
    Maria Barbara. Bach se casó de nuevo muy poco
    después – con Anna Magdalena – y continuó con su
    trabajo. También continuó con el departamente de la
    crianza de niños, produciendo 13 con su nueva esposa –
    seis de los cuales sobrevivieron la niñez – hay que
    agregar a esto los cuatro niños que tuvo con Maria
    Barbara. Muchos de estos niños se convertirían
    posteriormente en excelentes compositores de propio derecho –
    particularmente tres hijos, Wilhelm Friedmann, Carl Philipp
    Emanuel y Johann Christian.

    Despues de dirigir y componer por siete
    años para la orquestra del atrio en Cothen, se le
    ofreció a Bach el altamente prestigioso puesto de cantor
    (director musical) de la iglesia de Santo Tomás en Leipzig
    – despues de ser rechazado por otros dos compositores. El trabajo era
    uno muy demandante, tenía que componer cantatas para las
    iglesias de Santo Tomás y San Nicolás, dirigir los
    coros, supervisar las actividades musicales de muchas iglesias
    municipales y enseñar latín en la escuela del coro
    de Santo Tomás. Por lo tanto, debía llevarse con
    las autoridades de la iglesia de Leipzig, las cuales demostraron
    ser muy duras. Pero el persistió, puliendo los componentes
    musicales de los servicios de
    la iglesia en Leipzig y continuando con la composición de
    música de clase variada con un nivel de destreza y
    profundidad emocional únicos.

    Bach se mantuvo en su puesto en Leipzig hasta su
    muerte en
    1750. El se mantuvo activo hasta el final, aún despues que
    problemas de
    cataratas lo dejaran virtualmente ciego. Su última
    composición musical, un preludio coral titulado "Ante Tu
    Trono, Mi Señor, Yo Me Mantengo", fue dictada a su yerno
    solo unos pocos días antes de su muerte.

    Bach fue uno de esos raros compositores cuyo genio
    no se puede sumarizar, aún aproximádamente, de
    ninguna forma conocida. El fue el maestro supremo del
    contrapunto, fuga, composición musical, melodia,
    composición de cámara, repertorios para instrumento
    solo… la lista no tiene fin. Sus pasiones son sin duda alguna
    las más grandes composiciones jamás creadas para un
    grupo coral y
    orquesta. Sus trabajos en solo (para violín, y violoncelo)
    son de tal belleza y perfección de forma que sus secretos
    nunca han sido divulgados totalmente, ni siquiera por virtuosos
    en esos instrumentos. Sus composiciones para el teclado – las
    Variacines de Goldberg y El Well-Tempered Clavier, entre otras –
    revelan una insuperada habilidad para combinar estructuras
    musicales intrincadas con fuerza
    espiritual pura; de hecho, la mayoria de los músicos de
    primera apuntan hacia la maestría de estas piezas como su
    meta última.

    Bach fue el más grande maestro del Barroco, y
    probablemente de toda la música clásica. Cualquier
    estudiante de música debe comenzar – y terminar – una
    investigación de las glorias de la
    música clásica con el.

    Vivaldi

    Antonio Vivaldi nació en primavera del 1678 en
    Venecia . La carrera original de Vivaldi no era en realidad la
    música . A pesar de haber estudiado música desde
    pequeño , el siguió el ámbito religioso ,
    tomando en 1703 ordenes religiosas . Poco después de
    éstas , abandono la iglesia y comenzó a estudiar
    violín . Vivaldi compuso cincuenta operas , setenta
    sonatas y cuatrocientos conciertos , asi como numerosas
    sinfonías , cantatas , arias y obras religiosas . Su obra
    más famosa para violin y orquesta , es sin duda , Las
    Cuatro Estaciones A partir de 1718 las operas de Vivaldi
    empezaron a ser conocidas fuera de la Serenissima., si bien solo
    tenían una difusión limitada al resto de Italia. La opera
    Scanderberg fue la primera opera estrenada fuera de Venecia.
    Antonio Vivaldi supo ganarse la amistad y la
    protección del cardenal Pietro Ottoboni, verdadero
    apasionado por la música y que había sido mecenas
    de Arcangelo Corelli . El propio Vivaldi afirma que el Papa en
    persona le
    había invitado a tocar el violín n su presencia. De
    su paso por Roma ha quedado
    un testimonio precioso: el celebre pintor Pier Lione Ghezzi, fiel
    ilustrador de la sociedad romana
    de la época, dibujo una
    caricatura de Vivaldi que es el único retrato autentico
    del natural del gran compositor. El hecho de que después
    de su Op. 14 Vivaldi no diese mas recopilaciones a la imprenta,
    no significa que no se dedicase a la composición de
    trabajos instrumentales, que por razones económicas,
    prefería vender en forma manuscrita a compradores aislados
    o al Ospedale della Pieta, del que recibía una
    compensación fija de cien ducados, establecida en 1735.
    Anotnio Vivaldi murió en 1741 .

    HAENDEL

    1685 – Nace el 23 de febrero en
    Halle

    1692 – Hasta 1702, estudios generales en
    Halle

    1702 – Organista titular en la catedral de Halle.
    Estudios de derecho en la

    Universidad

    1705 – Presenta en Hamburgo Almira y Nero, sus
    primeras óperas.

    1706 – Estancia de cuatro anos en Italia.

    1710 – se instala en Hannover, en donde es
    nombrado maestro de capilla del Elector Georg (desde 1714 Jorge
    I de Inglaterra)

    1712 – Segunda visita a Londres. Pension
    Real.

    1717 – Recupera el favor real en Inglaterra.

    1719 – Director de la nueva Royal Academy of
    Music, donde estrena muchas de sus óperas
    italianas.

    1726 – Obtiene la nacionalidad
    inglesa.

    1738 – Empieza a dedicarse preferentemente al
    Oratorio.

    1742 – Triunfal estreno de El Mesías, en
    Dublín.

    1750 – Un accidente afecta gravemente su salud.

    1753 – Queda ciego a consecuencia de una
    operación.

    1759 – Muere el 14 de abril en
    Londres.

    Cuando en 1792 Haydn escuchó en la
    abadía de Westmister el "Aleluya" de El Mesías de
    Haendel, se levantó entusiamado y con él lo hiciero
    todos los demas oyentes; con lágrimas en los ojos
    exclamó:"Es el maestro de todos nosotros". Y Bethoven
    escribió en 1824:Haendel es el más grande
    compositor que jamás haya existido. Quisiera arrodillarme
    ante su tumba. Y bien es sabido que, después de componer
    la Novena Sinfonía, Bethoven proyectaba escribir grandes
    oratorios a la manera de Haendel. Por su parte,Mozart reorquesto
    al gusto de la época varios de los más famosos
    oratorios haendelianos, y en sus cartas no dejaba
    de reclamar a su padre que le enviara las seis fugas de Haendel.
    Haendel al mismo tiempo que
    estudiaba Derecho en la Universidad,
    empezó a ejercer la profesión de músico.
    Primero fué nombrado organista suplente de la catedral,
    pero al poco tiempo
    llegó al puesto de titular y desempeno
    brillantemente los múltiples trabajos que aquel cargo
    entranaba. Haendel siguió escribiendo música y
    haciendo que sus alumnos cantasen cada domingo sus composiciones.
    Por entonces gozaba ya de bastante fama.

    Aprendiz en
    Hamburgo

    Al poco tiempo de ser
    nombrado organista de la catedral de Halle, el compositor
    tomó una decisión sorprendente. Renunció a
    su puesto y se trasladó a vivir a Hamburgo, abandonando
    con ello una carrera segura y sin sobresaltos. Pero lo que
    parecía un capricho, tenía un sentido profundo: El
    joven músico decidía abandonar una carrera
    provinciana y monótona para ver mundo y aprender nuevas
    cosas en la ciudad musical más animada de toda Alemania.
    Sólo tenía dieciocho anos. En Hamburgo Haendel
    trabajó de músico en la orquesta, un trabajo mucho
    mas modesto que el que tenía en Halle, pero
    aprendió toda la estructura
    musical y operística que necesitaba. Gian Gastone de
    Médicis, hijo del gran duque de Toscana, hallándose
    de paso por Hamburgo, incitó a Haendel para que marchara a
    Italia
    diciéndole que podría aprender mucho de la
    música que allí se hacía.

    Los años
    Italianos.

    En 1706 Haendel emprendió el viaje hacia
    Italia. Se fue de
    Hamburgo como se había ido de Halle: sin consultar con
    nadie y casi sin decírselo ni a los amigos. Llegó a
    Florencia, pero no estuvo demasiado tiempo debido a la escasa
    actividad musical de la ciudad y marchó a Roma, donde lo
    encontramos en febrero de 1707. Fue en Roma, y en el
    palacio del Cardenal Ottoboni, donde se

    celebró el famosísimo torneo entre
    Haendel y Domenico Scarlatti (hijo de Alessandro Scarlatti). Este
    último había nacido el mismo ano que el
    sajón y era tenido por un gran concertista de teclado.
    Incitados y dirigidos por el cardenal Ottoboni, se enfrentaron en
    un certamen público. Fueron declarados de igual fuerza en el
    clave, pero Haendel resultó vencedor en el órgano.
    Desde entonces se tuvieron el respeto mutuo que
    es el fundamento de una amistad
    perdurable.

    Breve interludio en
    Hannover.

    Los tres anos que pasó en Italia
    culminaron en el triunfo veneciano. Habían sido anos en
    que su personalidad
    humana y musical había adquirido una consistencia
    definitiva. Dominaba casi todos los estilos musicales existentes
    en aquella época y gozaba de un gran prestigio en Europa.
    Había llegado el momento de pensar en el futuro. Haendel
    se hizo cargo del puesto de maestro de capilla de Hannover el 16
    de junio de 1710. El ambiente era
    favorable a la música, gracias a las huellas dejadas por
    Steffani, pero los tiempos de esplendor habían pasado. A
    los seis meses de llegar a Hannover, Haendel pidió un
    permiso de un año. Los comienzos en
    Londres.

    Londres era una ciudad donde se desarrollaba por
    aquel entonces una agitada vida cultural. No existía la
    censura y se publicaban numerosos periódicos de varia
    índole; por ejemplo The Daily Courant, uno de los primeros
    diarios europeos, y tambien el célebre periódico
    de opinión The Spectator, dirigido por Joseph Addison. A
    su llegada a Londres, Haendel supo introducirse pronto en la
    Corte de la reina Ana, dedicada a la música y buena
    instrumentista. El destino quiso había querido que, al
    mismo tiempo que Haendel, desembarcase en Londres la famosa
    cantante Francesca Vanini-Boschi, elegante contralto. Haendel se
    dió a conocer sobre todo tocando la clave, en el que era
    un consumado experto. Pero Haendel no se quedó contento
    con solo tocar la clave en pequenos conciertos privados, y en
    poco tiempo estuvo lista su primera ópera
    londinense:Rinaldo. La obra se estrenó el 22 de febrero y
    obtuvo un enorme éxito; en aquel mismo año se
    representó quince veces, y sólo bajó del
    escenario cuando acabó la temporada.

    Regreso a Alemania y
    asentamiento definitivo en
    Inglaterra.

    Por el momento, sin embargo, Haendel tuvo que
    regresar a Alemania para
    cumplir con sus obligaciones
    de maestro de capilla de la Corte de Hannover. Tras el favor de
    concedido por el príncipe de Hannover, compuso un cierto
    número de obras instrumentales; la orquesta era muy buena
    y se dice que toda la corte sabía tocar la flauta.
    Además de componer obras se dedicaba a estudiar inglés;
    y el único significado era que estaba decidido a asentarse
    en las Islas Británicas y aguardaba la primera
    ocasión para llevar a cabo sus proyectos. En
    efecto, al año siguiente de encontrarse en Hannover pide
    permiso para ausentarse por segunda vez. Se lo conceden a
    condicion de que vuelva al cabo de un tiempo razonable. Pero lo
    cierto es que nunca volvió a su puesto en Hannover, lo
    cual podía acarrear en aquel tiempo graves consecuencias
    para el desertor. Y en otoño de 1712 Haendel ya estaba en
    la ciudad del Támesis, y al ano siguiente estreno una
    nueva ópera, Teseo, que fue todo un éxito. El
    músico seguía haciendo pequenos conciertos en casas
    de acaudaladas personalidades, pero el deseaba hacerse adoptar
    aún con más fuerza por los
    ingleses, y en homenaje a la reina Ana Estuardo escribió
    una Oda para su cumpleaños denominada Birthay Ode for
    Queen Anne primera obra suya escrita sobre un texto inglés.
    Esta obra gustó a la destinataria, y le dijo al compositor
    que compusiera otra obra para conmemorar la conclusión,
    satisfactoria para Inglaterra, de la
    guerra de
    Sucesión española. Dicha obra, Te
    Deum,

    gustó tanto a la reina que le pasó
    una renta anual de doscientas libras esterlinas, lo cual le
    permitía un porvenir estable aunque mediocre. Pero la
    reina murió al año siguiente, y subió al
    trono Jorge I, antiguo duque de Hannover. Haendel esperaba
    venganza del antiguo mandatario de la Corte de donde se
    había ausentado, pero no hubo animo de venganza, sino que
    además de permitirle la actual pensión la
    dobló.

    La Water Music y otras
    composiciones.

    Haendel compuso la "Water Music". Una leyenda
    afirma que esta obra fue compuesta en 1715 y que la
    intención del músico era congraciarse con el rey.
    Pero la mayor parte de esta composicion fue escrita para una
    excursión por el Támesis que realizó la
    Corte en el verano de 1717.

    La Royal Academy of
    Music.

    Al acabar la temporada de ópera italiana
    1716-1717, había surgido en el seno de la alta sociedad
    londinense la idea deponer fin a la precariedad de las gestiones
    empresariales con una sociedad
    financiada por sí misma. Nació bajo los auspicios
    de la Corte y el propio rey fue uno de los suscriptores de
    acciones; por
    ello la nueva academia tuvo el título de real. Se trataba
    de la Royal Academic of Music. El título de master of
    orchestra correspondió a Haendel, algo asi como director
    musical, de máxima responsabilidad artística. Lo primero a lo
    que tuvo que hacer frente Haendel fue a la formación de la
    compañía. De modo que partió para el
    continente europeo con la finalidad de contratar artistas de
    primerísima categoría. Una vez conformada la
    compañía, Haendel compuso una ópera de baja
    calidad,
    frente a otras dos óperas de Bononcini, que era otro
    compositor traido para dar cobertura a la orquesta recién
    creada. Pero los años siguientes, Haendel volvió a
    brillar con luz propia con
    nuevas creaciones que entusiasmaron al diverso público. Y
    mientras ocurría todo esto seguía buscando nuevas
    figuras de renombre para su Royal Academic of Music. Una serie de
    escándalos producidos por las diferentes cantantes, y
    varias óperas frustradas, la Royal Academic of Music de
    disolvió el 14 de enero de 1729.

    Nuevo
    Comienzo.

    Haendel había pedido al Parlamento ser
    naturalizado inglés,
    y el rey firmó el decreto de concesión de la
    ciudadania británica en el mes de febrero de 1726. Ya
    podía se considerado inglés
    a todos los efectos. Por otro lado, había tenido numerosas
    pruebas del
    afecto de su público y consideró que podía
    salir airoso de la arriesgada empresa de
    emplear su propio dinero y ser
    el empresario de su

    propia música. En la nueva estructura de
    la academia Haendel seguía siendo el compositor principal.
    Compuso muchas óperas, algunas de gran éxito, y
    algunas con no tanto. En su lucha con la Opera of the Nobility,
    los dos se arruinaron, Haendel fue expulsado de varios teatros, y
    recaló en el Covent Garden. Para compensar
    pérdidas, Haendel introdujo la costumbre de presentar
    oratorios en la temporada de Cuaresma, durante la cual no estaba
    permitido ofrecer espectáculos profanos ni óperas.
    Además, en los entreactos él mismo interpretaba al
    órgano composiones suyas, que eran muy admiradas. La
    fórmula tuvo éxito y lo que aparentemente
    nació por una necesidad de tipo económico
    acabó convirtiendose en la principal actividad del
    compositor en la última étapa de su
    vida.

    De la Ópera al
    Oratorio.

    Las últimas óperas italianas de
    Haendel coinciden con el comienzo de su dedicacion cada vez mayor
    a la composición de oratorios. Al principio tenían
    muchas reminiscencias operísticas. En 1739, Haendel
    dedicó sus energías a componer doce Concerti
    Grossi, Op. 6, que constituyen una de sus más
    representativas obras para orquesta Las dos últimas
    óperas italianas de Haendel, Imeneo, y Deidamia, fueron un
    auténtico fracaso. Entonces se retiró a su casa en
    el campo. Hasta allí llegó una oferta del
    duque de Devonshire, lord lugarteniente de Irlanda. Y
    decía que le esperaba en Dublín, donde su
    música era muy apreciada y se interpretaba con frecuencia.
    También le rogaba que compusiera un Oratorio con fines de
    beneficencia. Haendel compuso en venticuatro dias El
    Mesías. El estreno de esta obra fue todo un éxito.
    Partiendo de que era una pequeña obra benefica pasó
    a ser su gran obra maestra, y todos se peleaban por oirla. No
    sería justo dejar de decir algo sobre Haendel y el
    órgano, pues él fue el primer músico que
    cultivó el concierto para órgano. En
    el

    transcurso de sus viajes por
    Italia se familiarizó con los positivos de un solo
    teclado, tan
    cómodos para el acompañamiento de las voces, la
    realización del bajo continuo…

    La ceguera. Última
    época del músico.

    A su elevada edad para aquella época,
    Haendel se encontraba en buen estado de
    salud, y
    seguía componiendo. Poco a poco se fue quedando ciego,
    hasta que un día mientras componía se quedó
    completamente ciego. El 6 de abril de 1759 Haendel sufrió
    un colapso durante la ejecución del El mesías que
    una vez más cantaba con fines de beneficiencia. Algunos
    dias mas tarde añadió a su testamento el codilicio
    referente al tipo de enterramiento que
    deseaba.

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